El concepto del trabajo toma como punto de partida la observación de satélites artificiales confundidos en el cielo nocturno con constelaciones, articulando a lo largo de nueve cortes una reflexión lírica sobre la fricción entre la naturaleza y las dinámicas del capitalismo contemporáneo.

La producción esta realizada por Martin J. Fiedler quien además asumió los mando de la mesa y se encargo de la mezcla del disco. El álbum esta coproducido y compuesto íntegramente por la propia Anna junto a Tobias Textor y Alexander Rathbone.

El proceso de masterización se llevó a cabo en las instalaciones de Green Door Studio por el ingeniero Samuel Smith. La instrumentación del disco cuenta con la voz y teclados de Nissen, compartiendo las teclas con Tobias que también se encarga de la percusión y la guitarra de Alexander Rathbone. Window in Your Eyes cuenta con arreglos adicionales al arpa de Andy Aquarius, cuerdas interpretadas por Aninka Rosa y el contrabajo de Sebastian Sahm.

La propuesta utiliza la andrógina voz de Anna como eje central para recrear baladas experimentales que se fusionan con atmósferas drone. El artwork del vinilo cuenta con el diseño y la dirección de arte de Anja Leidel con fotografías de Michaela Knizova. Para apoyar el lanzamiento se lanza el sencillo Ladybirds Spine que cuenta con un videoclip dirigido por Tobias Textor.

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La alineación para esta grabación reúne a Kosta en la guitarra y voz; Juankar en el bajo y voz; Alberto Pla en la guitarra y voz; Grass en la batería. Xabi Aracama añade trikitixa, Juanan la trompeta y el violín, y Zampa el trombón.

En el plano sonoro, la propuesta mantiene la identidad de la banda. Está asentada sobre el punk rock combativo, el ska y el rock urbano. Incorpora elementos de folk celta y pasajes de corte épico. El repertorio aborda líricas de crítica social, antibelicismo y denuncia política a lo largo de sus quince canciones.

Cuenta con diversas colaboraciones como la del violinista Ara Malikian en Los últimos niños, Pul Pul (vocalista de Ska-P) en Me levantaré otra vez, la formación Kaos Urbano en Con voz de Barricada, además de las intervenciones de Talco, Judith Mateo e Isabel Marco en el tema En su voz.

El listado de canciones se completa con el sencillo de apertura Toro. Incluye corte homónimo No les interesa y piezas como La otra mitad, Hey libertad, El pueblo, Cenizas en el corazón. Ayer tuve un sueño, Arde, Que te den, Hijos de bruja y la conclusión acústica Tan de verdad. La edición física fue publicada por Maldito Records en vinilo transparente y CD.

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Su tracklist reúne por primera vez en soporte físico una selección de sus canciones más representativas, entre las que figuran La gent de la Mediterrània y Havia de passar, junto a canciones inéditas hasta la fecha en formato físico y temas recuperados de forma exclusiva para esta edición.

El lanzamiento les ha acompañado en su gira de despedida L’últim abraç con paradas en recintos como el Palau Sant Jordi o el Roig Arena de Valencia. La edición responde a una petición histórica de su público que les pedía disponer de algún trabajo del grupo en vinilo.

Tras su puesta a la venta, el disco de La Fúmiga alcanzó el primer puesto en las listas de ventas de álbumes en plataformas de distribución en España, respaldado por una discografía que supera los 150 millones de reproducciones en plataformas digitales.

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El proyecto está liderado por el trompetista, compositor y productor musical Roland Nieto (exintegrante de Orquesta La-33), junto al vocalista Pío Molina. La producción ejecutiva corrió a cargo de Sofía Gaviria, con David Cantoni a la mesa de sonido.

La mezcla del álbum fue realizada por Daniel Michel y para la portada, ilustraciones junto al artwork contaron con Juan Pablo Varela. La propuesta se articula sobre un ensamble de sección de vientos y percusión que explora las distintas tradiciones y vertientes de las brass bands a nivel global, incorporando influencias rítmicas de Colombia, México, Estados Unidos, Serbia y Nigeria.

Su tracklist integra elementos de música electrónica y recursos procesados de dub en dos de sus composiciones y el grupo combina el carácter festivo de la formación con textos de crítica social.

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La totalidad del álbum fue compuesta e interpretada por Damon Albarn exclusivamente durante la etapa norteamericana de la gira Escape to Plastic Beach World Tour, empleando únicamente un iPad y diversos instrumentos portátiles de apoyo, a modo de diario de viaje sonoro.

El proceso de grabación se prolongó a lo largo de 32 días entre octubre y noviembre de 2010 en diferentes ciudades estadounidenses, registrándose cada pista de forma independiente en la jornada correspondiente sin modificaciones ni cortes extra añadidos posteriormente.

La mezcla y producción del disco fue realizada por Stephen Sedgwick en Inglaterra, mientras que la masterización fue un trabajo realizado por Geoff Pesche. Gorillaz vuelve a demostrar que pueden cambiar sobre la música electrónica, el lo-fi y ambient más experimental alejandose de la superproducción que tuvo su anterior trabajo Plastic Beach.

Cuenta con colaboraciones de Bobby Womack en el corte Bobby In Phoenix y de los componentes de The Clash Mick Jones y Paul Simonon. Para el artwork del disco contaron con el trabajo de J.C. Hewlett y el estudio Zombie Flesh Eaters.

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La grabación se llevó a cabo a lo largo de 1996 entre los estudios Battery de Nueva York, Sigma Sound e Ivory de Filadelfia y Dallas Sound Lab en Dallas. El debut combina una instrumentación orgánica con ritmos influenciados por el hip-hop y el R&B, pasajes de jazz y cadencias vocales que vinculan la figura de Badu con la tradición del soul de los años 70.

El estilo del album fue mayoritariamente elogiado por la critica, aunque hubo parte de la critica que dijo que este bebia mucho de referentes como Billie Holiday. La entrega sirvió como piedra angular para la consolidación comercial y crítica del movimiento neo-soul junto a trabajos contemporáneos de artistas como D’Angelo o Maxwell.

El disco se lanzo apoyándose en sencillos emblemáticos como On & On, Next Lifetime, Otherside of the Game y Appletree. Baduizm fue todo un éxito comercial, debuto en el número dos de la lista Billboard 200 de Estados Unidos y en el número uno de la lista Billboard Top R&B/Hip-Hop Albums.

Llego a numero en otros países y fue certificado triple platino por la Recording Industry Association of America, oro por la British Phonographic Industry y oro por la Canadian Recording Industry Association.

Gano 2 de las 4 nominaciones a los premios Grammy haciéndose con el galardón a mejor disco de R&B y la mejor interpretación vocal femenina de R&B por el tema On & On. Dentro de todos los elogios que recibió el disco nos gusta especialmente las palabras que escribía el crítico musical Garry Mulholland en su libro Fear of Music: “Este disco funciona como banda sonora de seducción, música relajante para el sábado por la noche, sustituto de la iglesia el domingo por la mañana.

El éxito de la obra maestra de Erykah Badu amenazó brevemente con inspirar una nueva era en el soul consciente. Pero solo Lauryn Hill y D’Angelo estaban a su nivel. Baduizm es único, un eslabón perdido entre el funk callejero de los 70, el jazz underground, el hip hop bohemio y las reinvenciones del blues de Portishead”.

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Las mezclas fueron realizadas por Tom Elmhirst en los estudios Metropolis de Londres, donde se añadieron secciones de cuerdas y viento. Este trabajo supuso un distanciamiento del enfoque jazzístico de su debut Frank para adentrarse en el R&B contemporáneo, el neo-soul y la música soul de los años 60, tomando como referencia el sonido de las agrupaciones femeninas de esa época y las técnicas de producción inspiradas en el muro de sonido.

La totalidad de las letras fue escrita por Winehouse, abordando temáticas de desamor, culpa, infidelidad y adicciones muchas de ellas inspiradas tras su separación temporal de Blake Fielder-Civil. El lanzamiento se promocionó a través los sencillos: Rehab, You Know I’m No Good, Back to Black, Tears Dry on Their Own (que incorpora la progresión armónica del clásico Ain’t No Mountain High Enough de Marvin Gaye y Tammi Terrell) y la balada Love Is a Losing Game.

El repertorio se completa con cortes como Me & Mr Jones, el tema de cadencia ska y reggae Just Friends, Wake Up Alone, Some Unholy War, He Can Only Hold Her (basado en el tema (My Girl) She’s a Fox de los hermanos Poindexter) y la pista adicional Addicted. Con más de 20 millones de copias vendidas en todo el mundo, Back to Black se convirtió en uno de los álbumes más vendidos del siglo XXI. En la 50ª edición de los Premios Grammy celebrada en 2008, el trabajo obtuvo el galardón a Mejor Álbum de Pop Vocal, consolidándose como una pieza clave en la popularización internacional de la nueva ola del soul británico.

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El trabajo incluye el tema I don’t know why como sencillo principal e integra un destacado listado de colaboraciones de la escena del rap y el reggae: el dúo sevillano SFDK en Olor a café, el rapero Sho-Hai en Veneno, la formación chilena Movimiento Original en Aquella habitación, el proyecto argentino Zona Ganjah en Mundo de cristal, Rowsi en Altafulla y Egoitz Uriarte en La bola de fuego. Un disco maduro que no defraudara a su base de seguidores.

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El álbum cuenta con diversas colaboraciones de la escena catalana y valenciana, destacando las participaciones de The Tyets en el tema Covards, el dúo Ginestà en la canción homónima Tot està per fer, Figa Flawas en la pista Ja dormiré y la cantante Naina en la composición Que tia!.

Dentro del tracklist del album se incluyen canciones de ritmo festivo y electrónico como Koales o FOMO, junto a pasajes de corte más emotivo como Tornar, que esta llena de guiños a The Beatles que es un grupo que gusta mucho a la banda.

El tema Rècord Mundial centra su letra en la historia de la auxiliar de vuelo serbia Vesna Vulović, conocida por ser la única superviviente de un accidente aéreo, por lo que se le otorgo el récord Guinness a la caída libre más alta sin paracaídas.

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El tracklist esta formado por 14 y su instrumentación principal se articula en torno a las líneas de trompeta ejecutadas por Benders, acompañadas por la participación vocal de diversos MCs y cantantes que aportan interpretaciones en inglés y francés.

Entre los raperos destacan Reazun, King Jule, Soulay, Unorthodox, Pax, GMB, Double G y Master Surreal. En lo musical destacan piezas como el tema instrumental Sorry, guiado por la trompeta, o composiciones como Stand for Something.

Las secciones de cuerda y viento del proyecto cuentan con la aportación del Red Limo String Quartet junto a instrumentistas de apoyo en otros instrumentos de metal. Esta edición en CD se lanza para conmemorar el 15 aniversario del lanzamiento del disco y cuenta con un CD extra que cuenta con una grabación completa de Kyteman’s HipHip Orkest en directo grabado el 23 de septiembre de 2009 en Oosterpoort, Groningen.

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En Europa lo editaron Megalith Records y Moon Ska World en formato CD, formato en el que fue editado tambien en Suiza por Leech Records. La edición que nosotros tenemos es la alemana reeditada en 2023 por el sello Mad Butcher Records dentro de su colección Black Butcher Classics que esta centrada en la reedición de grandes discos del mundo del ska.

La producción corrió a cargo del guitarrista y vocalista del grupo, Robert “Bucket” Hingley. La formación que participó en las sesiones de grabación de este trabajo estaba compuesta por Jason Nwagbaraocha al bajo y voz, Dave Barry en los teclados, Jeff Richey al saxofón, Albert Bonavent a la trompeta, Larry “Ace” Snell y Dan “Duckie” Garrido a la bateria y los trombones de Chris Rhodes y Greg Robinson.

El álbum supuso su primer trabajo de estudio editado por Stomp Records tras la disolución de Moon Ska Records con el que venian trabajando desde 1992. Este trabajo esta formado por 12 cortes enmarcados en el sonido de ska de tercera ola e incluye composiciones propias y versiones de temas clásicos como Bits and Pieces de Dave Clark y When Will I Be Loved de los Everly Brothers.

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Con una formación centrada en los miembros originales Mark McGrath y Rodney Sheppard, el sonido del grupo en esta nueva etapa se inclina hacia el yacht rock, alejándose de sus raíces de funk metal y rap rock de los años 90.

El álbum se compone de once canciones que combinan temas propios con una versión del clásico Escape (The Piña Colada Song) de Rupert Holmes.

The post Sugar Ray – Little Yachty first appeared on Four Skulls.

Editado en el marco del proyecto audiovisual donde el músico Ben Jaffe sigue el legado de su padre Allan Jaffe (fundador del Preservation Hall de Nueva Orleans), el álbum explora las raíces e influencias rítmicas compartidas entre el jazz tradicional de Luisiana y la música afrocubana.

La grabación y composición del material fue liderada por Ben Jaffe junto a los integrantes del Preservation Hall Jazz Band, contando con la participación de diversos instrumentistas y artistas locales de la escena musical de La Habana y Nueva Orleans.

La producción del disco refleja el recorrido sonoro registrado durante la visita de la banda a la isla caribeña en 2015, destacando composiciones como el sencillo principal Kreyol, inspirado en el pulso y la métrica de los paseos marítimos de la capital cubana.

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Ambientada en 1988, durante los últimos años de la Guerra Fría, la trama sigue el viaje iniciático de la protagonista desde el País Vasco hasta Líbano, Afganistán y Marsella, abordando las redes de narcotráfico y las tramas de conspiración política de la época.

El guion fue coescrito por el propio Fermin Muguruza junto a Isa Campo y Harkaitz Cano, tomando como base el cómic original del director. La producción corrió a cargo de las compañías Talka Records & Films en coproducción entre España y Argentina, con una duración de 86 minutos.

La dirección de fotografía y los aspectos visuales de la animación fueron liderados por Mariona Omedes, mientras que la composición de la banda sonora original fue realizada por Maite Arroitajauregi (MURSEGO). En el ámbito de los reconocimientos cinematográficos, la cinta obtuvo la nominación a Mejor Película de Animación en la edición de los Premios Goya.

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La producción principal recayó en Damon Albarn, Remi Kabaka Jr., James Ford y Samuel Egglenton, sumando el trabajo del productor argentino Bizarrap en cortes como Orange County o The Moon Cave. El disco fue mezclado por Marta Salogni y masterizado por Heba Kadry. El album cuenta con un fuerte peso de la instrumentación clásica india y esta cantado en idiomas que van desde el árabe hasta el yoruba o el hindi, la obra se concibió conceptualmente en torno a la muerte, el duelo y el más allá.

Alineados con esta temática, Albarn y su equipo recuperaron tomas vocales inéditas de colaboradores ya fallecidos, integrando apariciones póstumas de Dennis Hopper, Bobby Womack, David Jolicoeur (De La Soul), Tony Allen, Proof o Mark E. Smith. En cuanto al elenco de invitados mantienen su habitual transversalidad, reuniendo a artistas de diversas generaciones y estilos como Paul Simonon, Asha Bhosle, Asha Puthli, Black Thought, la banda de punk Idles, Johnny Marr, Anoushka Shankar, Sparks, Omar Souleyman, Trueno y Yasiin Bey.

El disco se posicionó como el mayor lanzamiento independiente del arranque de 2026 en el Reino Unido, debutando en el número uno de las listas británicas con 30.000 unidades vendidas en su primera semana. En el mercado estadounidense, alcanzó el séptimo puesto del Billboard 200 logrando 53.000 unidades equivalentes (incluyendo 38.000 ventas físicas), y dominó las listas de ventas alcanzando el número uno en países como Austria, Bélgica, Irlanda y Suiza.

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En su primer tomo, el texto detalla la cadena de valor de la industria, definiendo el mapa de agentes y roles, los derechos de propiedad intelectual, la elaboración de estrategias o diferentes vías de financiación que se pueden utilizar para impulsar proyectos musicales.

Además, dedica un apartado a la intersección entre la música y la tecnología actual, documentando el impacto del Big Data, el uso de NFTs, el desarrollo de la inteligencia artificial y cuestiones de salud laboral como el descanso y la gestión emocional del artista.

El segundo volumen se centra en las áreas operativas del negocio, desglosando la estructura de la música grabada, la evolución de los soportes, el proceso de producción en el estudio y los modelos de consumo mediante distribución digital.

Este libro también analiza en profundidad el funcionamiento de la edición musical y de la música en directo, detallando la logística, los tipos de contratos, la planificación técnica de festivales, el desarrollo de audiencias y los patrocinios.

A nivel visual, el manual evita el formato puramente textual e incorpora gráficos e infografias para facilitar la lectura. El estuche incluye además ocho infografías físicas independientes centradas en resumir conceptos económicos, planes de marketing y la evolución histórica de la música grabada, cuyo diseño ha sido ejecutado por Errea Estudio con las aportaciones gráficas de Ainara GM.

The post De Pasión a Profesión: Manual de la Industria Musical – Varios Escritores first appeared on Four Skulls.

El dúo, integrado por las hermanas Marina Iñesta (voz y guitarra) y Teresa Iñesta (voz y batería), da continuidad con estas canciones al sonido establecido en su anterior trabajo homónimo editado un par de años antes y siendo su debut con Mushroom Pillow. En este trabajo, el grupo afianza una propuesta cimentada en la escena alternativa de los años noventa.

El repertorio consta de cuatro temas originales grabados con Santi García de Ultramarinos Costa Brava y esas mismas cuatro canciones interpretadas junto a grupos de escena indie estatal como Shego, Rufus T. Firefly, Cora Yako y Tulsa.

The post Repion – Entre Todas Lo Arreglamos first appeared on Four Skulls.

El sonido se centra en géneros de baile como UK garage, grime, 2-step y afro house, manteniendo un ritmo constante que rara vez baja de los 140 BPM. El lanzamiento incluye dos colaboraciones: una con el artista nigeriano Wizkid en el sencillo Alive y otra con el rapero británico Devlin en This city, aportando este último una regrabación de su tema de 2010 London City.

Abrimos preventa de este lanzamiento de una artista que augura una gran carrera por delante y que nos cautivo con sus actuaciones en directo en NPR Music Tiny Desk Concert y KEXP. Estará disponible en CD y varias ediciones de color en vinilo.

The post Jorja Smith – What Are The Odds first appeared on Four Skulls.

El disco está compuesto por trece cortes y fue creado principalmente junto al productor Pedro Modrego Perelló más conocido por PMP, quien ejerce como su mano derecha en este trabajo. Cuenta con la participación de otros productores como Yesan o Nadddot.

A nivel sonoro, el álbum fusiona géneros como el trap sad, afrobeat, R&B, música de club o flamenco, destacando el uso de palmas y guitarra flamenca en el corte que abre el disco, Malas Lenguas.

La grabación incluye colaboraciones de los artistas: Polimá Westcoast, We$t Dubai, Aleesha, L’Haine, Negro Bates, Leïti Sene y Taichu. Temáticamente, la obra funciona como una catarsis emocional que narra el proceso y las diferentes fases para superar una relación tóxica.

The post Juicy Bae – PTSD first appeared on Four Skulls.

Los temas en lugar de estar cantados sobre producciones están grabados en directo con una banda de acompañamiento, dotándoles de una mayor calidez.

En términos generales muchos de sus seguidores publicaban en la red comentarios indicando que las versiones de los temas de este trabajo superan a los originales del disco publicado un año antes.

The post Jorja Smith – Falling Or Flying (Reimagined) first appeared on Four Skulls.