En Europa lo editaron Megalith Records y Moon Ska World en formato CD, formato en el que fue editado tambien en Suiza por Leech Records. La edición que nosotros tenemos es la alemana reeditada en 2023 por el sello Mad Butcher Records dentro de su colección Black Butcher Classics que esta centrada en la reedición de grandes discos del mundo del ska.

La producción corrió a cargo del guitarrista y vocalista del grupo, Robert “Bucket” Hingley. La formación que participó en las sesiones de grabación de este trabajo estaba compuesta por Jason Nwagbaraocha al bajo y voz, Dave Barry en los teclados, Jeff Richey al saxofón, Albert Bonavent a la trompeta, Larry “Ace” Snell y Dan “Duckie” Garrido a la bateria y los trombones de Chris Rhodes y Greg Robinson.

El álbum supuso su primer trabajo de estudio editado por Stomp Records tras la disolución de Moon Ska Records con el que venian trabajando desde 1992. Este trabajo esta formado por 12 cortes enmarcados en el sonido de ska de tercera ola e incluye composiciones propias y versiones de temas clásicos como Bits and Pieces de Dave Clark y When Will I Be Loved de los Everly Brothers.

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Con una formación centrada en los miembros originales Mark McGrath y Rodney Sheppard, el sonido del grupo en esta nueva etapa se inclina hacia el yacht rock, alejándose de sus raíces de funk metal y rap rock de los años 90.

El álbum se compone de once canciones que combinan temas propios con una versión del clásico Escape (The Piña Colada Song) de Rupert Holmes.

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Ambientada en 1988, durante los últimos años de la Guerra Fría, la trama sigue el viaje iniciático de la protagonista desde el País Vasco hasta Líbano, Afganistán y Marsella, abordando las redes de narcotráfico y las tramas de conspiración política de la época.

El guion fue coescrito por el propio Fermin Muguruza junto a Isa Campo y Harkaitz Cano, tomando como base el cómic original del director. La producción corrió a cargo de las compañías Talka Records & Films en coproducción entre España y Argentina, con una duración de 86 minutos.

La dirección de fotografía y los aspectos visuales de la animación fueron liderados por Mariona Omedes, mientras que la composición de la banda sonora original fue realizada por Maite Arroitajauregi (MURSEGO). En el ámbito de los reconocimientos cinematográficos, la cinta obtuvo la nominación a Mejor Película de Animación en la edición de los Premios Goya.

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La producción principal recayó en Damon Albarn, Remi Kabaka Jr., James Ford y Samuel Egglenton, sumando el trabajo del productor argentino Bizarrap en cortes como Orange County o The Moon Cave. El disco fue mezclado por Marta Salogni y masterizado por Heba Kadry. El album cuenta con un fuerte peso de la instrumentación clásica india y esta cantado en idiomas que van desde el árabe hasta el yoruba o el hindi, la obra se concibió conceptualmente en torno a la muerte, el duelo y el más allá.

Alineados con esta temática, Albarn y su equipo recuperaron tomas vocales inéditas de colaboradores ya fallecidos, integrando apariciones póstumas de Dennis Hopper, Bobby Womack, David Jolicoeur (De La Soul), Tony Allen, Proof o Mark E. Smith. En cuanto al elenco de invitados mantienen su habitual transversalidad, reuniendo a artistas de diversas generaciones y estilos como Paul Simonon, Asha Bhosle, Asha Puthli, Black Thought, la banda de punk Idles, Johnny Marr, Anoushka Shankar, Sparks, Omar Souleyman, Trueno y Yasiin Bey.

El disco se posicionó como el mayor lanzamiento independiente del arranque de 2026 en el Reino Unido, debutando en el número uno de las listas británicas con 30.000 unidades vendidas en su primera semana. En el mercado estadounidense, alcanzó el séptimo puesto del Billboard 200 logrando 53.000 unidades equivalentes (incluyendo 38.000 ventas físicas), y dominó las listas de ventas alcanzando el número uno en países como Austria, Bélgica, Irlanda y Suiza.

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En su primer tomo, el texto detalla la cadena de valor de la industria, definiendo el mapa de agentes y roles, los derechos de propiedad intelectual, la elaboración de estrategias o diferentes vías de financiación que se pueden utilizar para impulsar proyectos musicales.

Además, dedica un apartado a la intersección entre la música y la tecnología actual, documentando el impacto del Big Data, el uso de NFTs, el desarrollo de la inteligencia artificial y cuestiones de salud laboral como el descanso y la gestión emocional del artista.

El segundo volumen se centra en las áreas operativas del negocio, desglosando la estructura de la música grabada, la evolución de los soportes, el proceso de producción en el estudio y los modelos de consumo mediante distribución digital.

Este libro también analiza en profundidad el funcionamiento de la edición musical y de la música en directo, detallando la logística, los tipos de contratos, la planificación técnica de festivales, el desarrollo de audiencias y los patrocinios.

A nivel visual, el manual evita el formato puramente textual e incorpora gráficos e infografias para facilitar la lectura. El estuche incluye además ocho infografías físicas independientes centradas en resumir conceptos económicos, planes de marketing y la evolución histórica de la música grabada, cuyo diseño ha sido ejecutado por Errea Estudio con las aportaciones gráficas de Ainara GM.

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El dúo, integrado por las hermanas Marina Iñesta (voz y guitarra) y Teresa Iñesta (voz y batería), da continuidad con estas canciones al sonido establecido en su anterior trabajo homónimo editado un par de años antes y siendo su debut con Mushroom Pillow. En este trabajo, el grupo afianza una propuesta cimentada en la escena alternativa de los años noventa.

El repertorio consta de cuatro temas originales grabados con Santi García de Ultramarinos Costa Brava y esas mismas cuatro canciones interpretadas junto a grupos de escena indie estatal como Shego, Rufus T. Firefly, Cora Yako y Tulsa.

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El sonido se centra en géneros de baile como UK garage, grime, 2-step y afro house, manteniendo un ritmo constante que rara vez baja de los 140 BPM. El lanzamiento incluye dos colaboraciones: una con el artista nigeriano Wizkid en el sencillo Alive y otra con el rapero británico Devlin en This city, aportando este último una regrabación de su tema de 2010 London City.

Abrimos preventa de este lanzamiento de una artista que augura una gran carrera por delante y que nos cautivo con sus actuaciones en directo en NPR Music Tiny Desk Concert y KEXP. Estará disponible en CD y varias ediciones de color en vinilo.

The post Jorja Smith – What Are The Odds first appeared on Four Skulls.

El disco está compuesto por trece cortes y fue creado principalmente junto al productor Pedro Modrego Perelló más conocido por PMP, quien ejerce como su mano derecha en este trabajo. Cuenta con la participación de otros productores como Yesan o Nadddot.

A nivel sonoro, el álbum fusiona géneros como el trap sad, afrobeat, R&B, música de club o flamenco, destacando el uso de palmas y guitarra flamenca en el corte que abre el disco, Malas Lenguas.

La grabación incluye colaboraciones de los artistas: Polimá Westcoast, We$t Dubai, Aleesha, L’Haine, Negro Bates, Leïti Sene y Taichu. Temáticamente, la obra funciona como una catarsis emocional que narra el proceso y las diferentes fases para superar una relación tóxica.

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Los temas en lugar de estar cantados sobre producciones están grabados en directo con una banda de acompañamiento, dotándoles de una mayor calidez.

En términos generales muchos de sus seguidores publicaban en la red comentarios indicando que las versiones de los temas de este trabajo superan a los originales del disco publicado un año antes.

The post Jorja Smith – Falling Or Flying (Reimagined) first appeared on Four Skulls.

La producción y la mezcla fueron realizadas por el propio guitarrista del grupo, Scott McLean, mientras que la masterización corrió a cargo de Brad Boatright en los estudios Audiosiege. Además, la grabación contó con el respaldo y financiación de la entidad escocesa Creative Scotland.

La banda esta formada por Amaya López-Carromero como vocalista y autora de las letras, Scott McLean a cargo de la guitarra, bajo y sintetizadores, y Stefan Pötzsch en la batería. Musicalmente, el trío desarrolla un sonido que aglutina elementos del doom metal, el rock alternativo y el trip hop.

Esta variedad estilística queda plasmada en la combinación de pasajes pesados y contundentes en canciones como To The Gallows, contrastando con cortes de estructura más accesible y sensibilidad pop como Bloom o Dream Hive. La salida del álbum sirvió como marco para el estreno absoluto de la banda en directo ofreciendo su primer concierto durante la edición de abril de 2023 del festival Roadburn en Países Bajos.

El disco agoto su primera edición en vinilo pocos meses después de su lanzamiento y tuve que plancharse esta segunda edición en vinilo transparente.

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La producción y el diseño gráfico del álbum han sido realizados por los miembros fundadores Silvia Superstar y Billy King. La grabación se llevo a cabo en Radar Studio, ubicado en Vigo, durante el año 2024 y el disco fue mezclado por Pablo Iglesias. Silvia Superstar se encargo de la voz y guitarra, y Billy King de la batería, percusiones y coros.

La grabación se completó con las aportaciones de David Rial a los teclados, Adri Máquina y Adolfo FH a las guitarras, y Brais Quevedo y Julio Llorca repartiéndose las líneas de bajo según la pista.

Dentro del repertorio se incluyen varias adaptaciones al castellano de temas clásicos, como Si me quieres o si no, basada en una composición original de Mick Jones para The Clash, así como acercamientos al repertorio de Joan Jett en cortes como Voy a provocar un incendio y Ch-Ch-Chupame!!. Asimismo, la grabación contiene la pista Voy a ser millonaria, una reinterpretación en español de Less Love, canción que Silvia Superstar publicó originalmente en 2008 durante su etapa en solitario.

The post The Killer Barbies – El Pop Se Autodestruirá En 4, 3, 2, 1… first appeared on Four Skulls.

La grabación se desarrolló en el Estudio La Bodega de Jerez de la Frontera durante los meses de junio y julio de 2006, con Jacobo Fernández a los mandos. El disco esta producido por la propia banda y cuenta con las colaboraciones de Jimmy Glez., Juan Diego Mateo, Luis Cantarote, Manuel Morilla, Pepe Begines, Ángel Figueroa y las voces invitadas de José Caraoscura.

19 años después de su lanzamiento en formato físico se publica por primera vez en formato vinilo en cuidada edición con carpeta gatefold.

The post G-5 – Tucaratupapi first appeared on Four Skulls.

En 2024, la compañía Metalville publicó una reedición remasterizada que volvió a poner el disco en circulación en formato CD y vinilo y, por primera vez, disponibilidad en plataformas digitales. Las sesiones de grabación de este material se llevaron a cabo en los Claus Grabke Studios, situados en la ciudad de Gütersloh, Alemania.

La producción del disco fue firmada de manera conjunta por Claus Grabke y los propios miembros de Dog Eat Dog. La formación de la banda encargada de esta grabación estuvo compuesta por John Connor en la voz principal, Dave Neabore al bajo, voces y guitarras, Sean Kilkenny a cargo de la guitarra y voces, y Brandon Finley en la batería.

El disco cuenta con la colaboración de Marta Jandová, vocalista de la banda Die Happy en la canción Undivided, Claus Grabke que grabo los sintetizadores en Walk With Me y Dr. Ring-Ding aporto voces y el trombon en el corte ESB.

The post Dog Eat Dog – Walk With Me first appeared on Four Skulls.

La producción del disco fue asumida por Andreas Lutz y Pepe Bao. El apartado visual incluye una fotografía de portada obra de Ana González Sosa y un diseño ejecutado por Ale Rodríguez y Rafa Lozano. El disco cuenta con numerosas colaboraciones, destacando a Josemi Carmona de Ketama en la canción O’funk’illoterapia, Carlos Tarque de M Clan en Estás en modo avión, Kutxi Romero de Marea en Buscando likes, y Morodo y Gordo Master en Fiesta, Siesta (Dub Remix) y DJ Kilian en Nos Vamos Pa’l Kely (Jungle Remix).

Además, incluye una versión de la canción Stayin’ Alive de Bee Gees bajo el título Tengo que madurar.

The post O’funk’illo – O’funk’illoterapia first appeared on Four Skulls.

La masterización la llevo a cabo Efrén López en las instalaciones de To Katekhon, Mas de Flors. El trabajo presenta las colaboraciones de el músico estadounidense de Neurosis: Steve Von Till, que graba las voces en el tema homónimo Xuntas, y la de Germán Díaz que aporta su zanfona en el extenso corte Unha das peores cousas que escoitéi no 2019 foi “Pedir perdón é un acto de debilidade”.

Además de las piezas originales compuestas por Ursusson, la obra incluye una adaptación de la canción tradicional gallega Foliada de Tenorio. El apartado visual, diseño y maquetación de este trabajo es obra de Kaska Niemiro.

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El sonido de este trabajo profundiza en la atmósfera oscura característica de Wolfe, fusionando elementos del dark folk con texturas pesadas propias del doom metal y el gothic rock. Fue grabado buscando capturar una sensación de aislamiento y claustrofobia que define toda la narrativa del álbum.

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Este trabajo logró el triple disco de platino, alcanzó el número 9 en la lista Billboard 200 y le valió un gran reconocimiento internacional con temas como What It’s Like. Su extensa trayectoria incluye un premio Grammy en el año 2000 por su colaboración con Santana en Put Your Lights On, una nominación a los premios Emmy y su participación activa en el supergrupo de rap La Coka Nostra entre 2006 y 2012. Ocho años después de su último lanzamiento, Everlast presenta su octavo disco de estudio titulado Embers to Ashes, editado a través de Martyr Inc Records en asociación con Thirty Tigers y Regime Music Group.

La base conceptual de este trabajo refleja una etapa personal y vital sumamente dura para el artista, marcada por la destrucción de su casa en Los Ángeles durante los graves incendios de Woolsey en 2018, la pandemia y su propio divorcio. El músico canaliza todos estos eventos para dar forma a composiciones honestas que exploran la pérdida, el desamor y la resiliencia, cimentando su sonido sobre las raíces de la música americana y el roots rock, pero sin abandonar la actitud de la cultura urbana.

El titulo del disco podría traducirse como: De brasas a cenizas y creemos que no es algo casual. Las sesiones de grabación de este nuevo álbum se llevaron a cabo en Nashville. La producción del disco recae íntegramente en el rapero y productor Yelawolf, mientras que el proceso de mezcla ha sido ejecutado por el reconocido ingeniero de sonido Chris Lord-Alge.

El álbum incluye también aportaciones creativas del compositor David Ray. A lo largo de sus pistas, Everlast muestra su visión más descarnada: critica la falsa fachada de la fama en el sencillo principal My Hollywood, disecciona el dolor personal en cortes como Stones o Love Don’t Heal, y deja espacio para la protesta social en Rubber Bullets, tema escrito a raíz del asesinato de George Floyd. Un regreso sólido que demuestra cómo su transición desde el rap hacia una narrativa más cercana al blues sigue madurando a la perfección.

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Desde niño mostró un talento excepcional para la percusión y pronto comenzó a tocar profesionalmente con bandas latinas de Nueva York. Dance Mania de Tito Puente And His Orchestra, publicado originalmente en 1958 por el sello RCA Victor, es considerado el trabajo más influyente y exitoso en la carrera del percusionista.

Grabado entre noviembre y diciembre de 1957 en los estudios de RCA en Nueva York, el álbum se distingue técnicamente por ser uno de los primeros grandes lanzamientos latinos interpretados íntegramente en la lengua de Cervantes, contando con la voz del puertorriqueño Santos Colón.

En una época donde las orquestas de mambo solían grabar temas instrumentales o en inglés para el mercado angloparlante, Puente optó por un enfoque auténtico que integraba mambo, cha-cha-cha, son montuno, guaguancó, bolero y ritmos de raíz africana como el bembe.

La instrumentación destaca por una sección de percusión vibrante y arreglos de jazz orquestal en cortes como El Cayuco y la instrumental 3-D Mambo, diseñados específicamente para el dinamismo de los salones de baile. Su legado es tal que fue incluido en el National Recording Registry en 2002 y forma parte de la selección del libro Los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, situándose como el precursor estético del movimiento salsa que dominaría la escena neoyorquina en las décadas posteriores. Este disco es historia de la música del siglo 20.

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El proceso de grabación y mezcla se llevó a cabo íntegramente en los estudios Ultramarinos Costa Brava, en Sant Feliu de Guíxols, bajo la dirección técnica de Santi García, quien además de la producción aportó compuso las lineas de bajo y aporto arreglos para los sintetizadores.

La masterización fue realizada por Víctor García en Ultramarinos Mastering. El álbum consta de diez canciones compuestas entre junio de 2024 y marzo de 2025 en Camargo y Madrid, centrando su concepto en el retorno al origen, representado por la salida 201 de la autovía A-67 que conduce a su hogar familiar en Cantabria.

El arte del disco cuenta con fotografías de Paz Vallejo y un diseño gráfico desarrollado por ivoryxx.

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Incluye capítulos detallados sobre la historia del negocio musical y la experiencia creativa del autor. Un trabajo imprescindible sobre la trascendencia que ha tenido el uso de la tecnología en la música y cómo esta ha cambiado nuestra manera de escuchar y de entender lo que es la música.

Incluye anécdotas autobiográficas sobre su etapa en Talking Heads, un repaso a las corrientes musicales del siglo XX y un interesante análisis sobre el presente y el futuro de la industria musical, convirtiéndose en obra de referencia académica y divulgativa para profesionales y aficionados de la misma.

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