Las labores técnicas de grabación y mezcla corrieron a cargo de Evan Frederiksen, mientras que la masterización fue completada por Anthony Focx. El album esta compuesto por diez canciones entre las que destaca la inclusión de arreglos de viento a cargo del guitarrista Stevie Dacanay en el sexto corte, I Go Boom!.

La formación que registró el trabajo incluye a Josh Todd en las voces, Stevie D. y Billy Rowe en las guitarras, Kelly Lemieux al bajo y Francis Ruiz en la batería. La promoción del lanzamiento fue apoyada por tres sencillos previos: el tema homónimo Roar Like Thunder, Come On y Set It Free.

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Este trabajo logró el triple disco de platino, alcanzó el número 9 en la lista Billboard 200 y le valió un gran reconocimiento internacional con temas como What It’s Like. Su extensa trayectoria incluye un premio Grammy en el año 2000 por su colaboración con Santana en Put Your Lights On, una nominación a los premios Emmy y su participación activa en el supergrupo de rap La Coka Nostra entre 2006 y 2012. Ocho años después de su último lanzamiento, Everlast presenta su octavo disco de estudio titulado Embers to Ashes, editado a través de Martyr Inc Records en asociación con Thirty Tigers y Regime Music Group.

La base conceptual de este trabajo refleja una etapa personal y vital sumamente dura para el artista, marcada por la destrucción de su casa en Los Ángeles durante los graves incendios de Woolsey en 2018, la pandemia y su propio divorcio. El músico canaliza todos estos eventos para dar forma a composiciones honestas que exploran la pérdida, el desamor y la resiliencia, cimentando su sonido sobre las raíces de la música americana y el roots rock, pero sin abandonar la actitud de la cultura urbana.

El titulo del disco podría traducirse como: De brasas a cenizas y creemos que no es algo casual. Las sesiones de grabación de este nuevo álbum se llevaron a cabo en Nashville. La producción del disco recae íntegramente en el rapero y productor Yelawolf, mientras que el proceso de mezcla ha sido ejecutado por el reconocido ingeniero de sonido Chris Lord-Alge.

El álbum incluye también aportaciones creativas del compositor David Ray. A lo largo de sus pistas, Everlast muestra su visión más descarnada: critica la falsa fachada de la fama en el sencillo principal My Hollywood, disecciona el dolor personal en cortes como Stones o Love Don’t Heal, y deja espacio para la protesta social en Rubber Bullets, tema escrito a raíz del asesinato de George Floyd. Un regreso sólido que demuestra cómo su transición desde el rap hacia una narrativa más cercana al blues sigue madurando a la perfección.

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El proceso de grabación y mezcla se llevó a cabo íntegramente en los estudios Ultramarinos Costa Brava, en Sant Feliu de Guíxols, bajo la dirección técnica de Santi García, quien además de la producción aportó compuso las lineas de bajo y aporto arreglos para los sintetizadores.

La masterización fue realizada por Víctor García en Ultramarinos Mastering. El álbum consta de diez canciones compuestas entre junio de 2024 y marzo de 2025 en Camargo y Madrid, centrando su concepto en el retorno al origen, representado por la salida 201 de la autovía A-67 que conduce a su hogar familiar en Cantabria.

El arte del disco cuenta con fotografías de Paz Vallejo y un diseño gráfico desarrollado por ivoryxx.

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Solo un año más tarde repiten jugada y vuelven con Teeth, otro EP de 7 cortes que tambien publican en CD y que ganó un premio a Álbum del Año en Austin. Con este segundo lanzamiento la banda empieza a tocar más frecuentemente y junto al sello Try Hard en 2023 publican un vinilo con estos dos trabajos titulado Evangeline + Teeth.

Sale en dos ediciones diferentes y tras agotarlas rápidamente lo reeditan de nuevo en 2024 y por tercera vez en 2025. Tras abrir giras para grupos del calibre de Amyl and the Sniffers, Off! o Sleater-Kinney en 2025 tras su gira por Inglaterra atrajeron la atención del medio Metal Hammer, que calificó a Die Spitz como “la mejor banda nueva del mundo”.

En ese mismo año firman con Third Man Records y tienen la posibilidad de trabajar con el productor Will Yip (Lauryn Hill, Turnstile o Angel Du$t) para su primer disco de larga duración Something to Consume, que se lanzó en septiembre de ese año. En general el album ha tenido muy buenas criticas y con una distribución global, la banda apunta maneras para convertirse en una banda que tener en el radar, sus mejores canciones aún no están escritas.

El escritor de Stereogum, Brad Sanders, las incluyó en su “Nuevo canon de películas de heavy metal”, afirmando que “A veces Die Spitz suenan como Megadeth o High On Fire; a veces suenan como L7 o Babes In Toyland, Tool o Soundgarden. A menudo, suenan como una combinación de todos los anteriores”.

Sus letras están influenciadas por el activismo político, lo que ha llevado a algunos periodistas a establecer comparaciones con el movimiento riot grrl de la década de 1990. Aún necesitas más argumentos para darlas una oportunidad? Dale al play ya!!

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El disco fue grabado en el estudio de Melvins en Los Ángeles, California, funcionando como una colaboración real al 50% donde todos los músicos participan en los ocho cortes del listado. La formación incluye por parte de Melvis a Buzz Osborne (guitarra y voz) y Dale Crover (batería) junto a los miembros de Napalm Death: Barney Greenway (voz), Shane Embury (bajo) y John Cooke (guitarra).

Esta edición de 2026 es una versión ampliada del material distribuido de forma muy limitada durante su gira de 2025, incorporando temas adicionales como “Awful Handwriting” o “Comparison Is The Thief Of Joy”. El artwork del disco ha sido realizado por Mackie Osborne.

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11 nuevos temas que verán la luz el próximo 13 de marzo aunque ya han publicado al menos los adelantos: It’s Like That, Pharmacy Chronicles y Profane Prophecy que viene acompañado del videoclip que puedes ver un poco más abajo. Chris Robinson comentaba esto del proceso de creación del album: “Tardamos ocho o diez días en hacer este disco” o “Llegamos con la euforia e inspiración de Happiness bastards a este trabajo, fue una progresión natural.

Aunque experimentamos más, compusimos por instinto e hicimos lo que nos pedia el cuerpo. Rich aportó al disco una espontaneidad increíble, es lo mejor que ha hecho”. Su hermano Rich sumaba estas palabras: “Este disco nos transformo. Volviendo a nuestras raíces, sentimos esa chispa en el estudio y en cómo trabajamos juntos.

La llama brilla con más fuerza, con más intensidad, pero fiel a nuestra esencia”. No hay duda de la banda se encuentra en un momento creativo increíble y que A Pound of Feathers hara las delicias de los fieles seguidores de la banda.

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El resultado es una pieza mayoritariamente instrumental que fusiona psicodelia, soul y surf rock, destacando temas como White Gloves o Two Fish and an Elephant, que posicionaron a la banda como un referente de la música ambiental y exótica contemporánea. En 2025 y coincidiendo con su décimo aniversario el grupo decide regrabarlo y editarlo nuevamente como The Universe Smiles Upon You II.

En esta nueva edición la banda reinventa sus canciones y les aporta la experiencia de una decada de nuevas grabaciones y cientos de conciertos. Esta nueva versión del disco es grabada de nuevo por Steve Christensen que además lo produce junto al resto de Khruangbin.

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Conductor que hace pocos años no era muy conocido fuera de Kansas City, sigue creciendo como productor y ya ha tenido presencia en discos de Drake o J. Cole. Aunque se mantiene activo en la escena underground fiel a sus orígenes y sigue trabajando con mcs como Your Old Droog, Stik Figa, Jabee o Billy Woods.

Un acierto de Rome Streetz volver a cruzar caminos con este productor siendo de lo más destacable del disco donde Jerome Allen hace fortaleza haciendo que sus raps acrobáticos suenen fáciles, sucediendo estrofas que llenan los beats con una precisión hipnótica. El disco cuenta con la única colaboración de Method Man en el corte Ricky Bobby.

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Al igual que su álbum anterior, Twelve Reasons to Die, 36 Seasons es un álbum conceptual que narra la historia de Tony Starks, quien regresa a Staten Island tras nueve años de ausencia en busca de una vida tranquila, pero descubre que le resultará difícil lograrlo.

El disco generalmente tuve buenas criticas y cuenta con colaboraciones de AZ, Kool G Rap, Tre Williams, Kandace Springs, Rell, Nems, The Revelations, Shawn Wigs, Pharoahe Monch y Shawn Wigs. Estas ediciones salieron con motivo del décimo aniversario del disco.

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La grabación se llevó a cabo en los Shorefire Recording Studios de Nueva Jersey y en The Hydeaway en California, con el productor Matt Hyde conocido por su trabajo con Slayer, Hatebreed o Deftones.

Hyde ha logrado capturar la esencia cruda y callejera que definió obras seminales como Urban Discipline, pero dotándola de una claridad moderna que potencia la interacción vocal entre los rugidos de Seinfeld y la urgencia de Graziadei.

Musicalmente, el álbum es una declaración de principios que rechaza la nostalgia vacía para ofrecer una vuelta digna para los de Brooklyn. Temas como “Fuck the System” y “Warriors” canalizan la frustración ante un mundo fracturado, recuperando la autenticidad del NYHC de los 90.

La crítica especializada, incluyendo medios como Metal Hammer y SonicAbuse, ha alabado el lanzamiento, destacando que no se trata de un simple ejercicio de estilo, sino de una colección de himnos violentos y necesarios donde la banda suena revitalizada, compacta y con la misma furia que en sus días de gloria.

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Este disco fue el primero con el guitarrista rítmico Martin Larsson, tras la salida de Alf Svensson en 1993. Originalmente, la intención del grupo era lanzar un EP, pero a petición del sello se completó el álbum añadiendo varios cortes en directo, lo que le dio una estructura particular dentro de su discografía. Musicalmente, supone una evolución hacia un estilo más directo, en comparación con sus dos trabajos anteriores.

Canciones como “The Swarm” o “Forever Blind” muestran su característico death metal melódico en plena consolidación, mientras que “And the World Returned” sorprende con arreglos de violín y cello, abriendo nuevas texturas sonoras en la propuesta de la banda.

La recepción fue mayormente positiva: obtuvo buenas puntuaciones en medios como Chronicles of Chaos, Rock Hard y Metal.de, mientras que AllMusic destacó que el álbum demostraba cómo At the Gates pasaba de ser una banda de death metal convencional a convertirse en un referente indiscutible de la escena. En 2023, Terminal Spirit Disease fue incluido en el Hall of Fame de la revista Decibel, confirmando su estatus como una obra clave en la historia del metal extremo.

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El álbum marcó un punto de inflexión para la banda británica: supuso la despedida de su bajista de toda la vida, Jamie Stewart (que se marcharía en 1990), y la llegada del batería de sesión Mickey Curry. Previamente, las demos del disco se habían grabado con Eric Singer (Kiss) y Chris Taylor (Rock and Hyde), aunque finalmente Bob Rock optó por contar con Curry para la grabación definitiva.

Musicalmente, Sonic Temple continuó la senda hard rock y heavy metal de Electric (1987), pero con un sonido más ambicioso, incorporando matices de arena rock, blues e incluso elementos progresivos. La guitarra de Billy Duffy adquirió un protagonismo renovado, con influencias claras de Mick Ronson, Thin Lizzy, Mick Ralphs o Jimmy Page, mientras que la voz de Ian Astbury alcanzaba su máxima expresividad dejando cortes épicos.

El álbum incluye algunos de los himnos más reconocibles de The Cult, como “Fire Woman”, “Edie (Ciao Baby)”, “Sun King” o “Sweet Soul Sister”, todos editados como singles entre 1989 y 1990. Con una duración total de 52 minutos, se convirtió en un clásico del hard rock de finales de los ochenta, consolidando a The Cult en escenarios de gran formato y tambien en las listas de ventas internacionales.

La portada, que muestra a Duffy empuñando su Les Paul frente a un fondo rojo y verde con la silueta de Astbury, buscaba representar “la esencia de lo que se siente al tocar un powerchord” o un acorde con quintas como se le dice por aquí. Una imagen icónica para un álbum que definió la identidad visual y sonora de la banda en su etapa de mayor éxito.

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El formato CD incluye 19 temas: los demos originales más seis pistas adicionales con versiones en estudio y grabaciones en directo. El CD sale editado en formato slipcase, pero tambien se incluye en funda sencilla en las ediciones de vinilo. Ambos formatos reflejan la estética salvaje y satírica del grupo, cargada de riffs, humor negro y referencias a la cultura skate y metalera de los 80.

Demos After Death no solo es un testimonio de los inicios de la banda, es un compendio de trallazos ideal para amantes del thrash crossover y coleccionistas del estilo.

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La banda había surgido originalmente en 1964 como grupo de acompañamiento del conjunto doo-wop The Parliaments, liderado por Clinton. Con el tiempo, su estilo musical evolucionó hacia un sonido más eléctrico y psicodélico, influenciado por figuras como Jimi Hendrix, Sly Stone, MC5 o Vanilla Fudge. En su primera aparición televisiva, en octubre de 1969, interpretaron un set improvisado que ya dejaba entrever la dirección musical que tomarían.

En los créditos del álbum figuran Mickey Atkins, Tiki Fulwood, Eddie Hazel, Billy “Bass” Nelson, Tawl Ross y George Clinton, junto a otros músicos y cantantes de The Parliaments (sin acreditar por cuestiones contractuales), miembros de sesión de Motown, Ray Monette (Rare Earth) y un joven Bernie Worrell.

El resultado fue una obra que rompía moldes: una mezcla cruda y expansiva de rock psicodélico, gospel, blues y soul, con improvisaciones y atmósferas que contrastaban con el sonido pulido de Motown. Con el tiempo, ha sido reconocida como una pieza clave en el nacimiento de la mitología P-Funk, el universo conceptual que Clinton desarrollaría en la década siguiente junto a Parliament y Funkadelic.

Hoy se considera un debut visionario que ayudó a redefinir los límites del funk y el rock. Como parte de la serie de reediciones Westbound Records de Org Music, esta edición recupera todo el impacto del álbum en múltiples formatos. El doble LP de lujo, masterizado directamente desde la cinta analogica y prensado a 45 RPM por Dave Gardner, ofrece la experiencia auditiva más impresionante hasta la fecha.

Las ediciones en vinilo sencillo, una de ellas en color, están prensadas a partir de transferencias de cinta de alta resolución. Una revolución sonora en su época y una influencia perdurable desde entonces, Funkadelic sigue siendo un innovador testimonio de música sin reglas y libertad sin límites.

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El disco está producido por Alex Hall, conocido por su trabajo junto a JD McPherson y The Cactus Blossoms, y grabado en Reliable Recorders con un enfoque directo que buscó capturar la energía del grupo en vivo mediante técnicas analógicas clásicas y producción contemporánea. Las sesiones comenzaron con maquetas en el Powow Fun Room Studio de Pete Curry en Los Ángeles, para luego desarrollarse en ensayos, pruebas de sonido y conciertos previos a la grabación definitiva.

Está formado por quince temas instrumentales, entre ellos nuevas composiciones como “Polaris” y “Two Steps Ahead”, dos regrabaciones de piezas creadas de forma remota durante la pandemia (“Genesee River Rock” de Townson y “April Showers” de Angel), y una nueva versión de “Spinout”, tema de The Neanderthals con aportes vocales del actor y locutor Tom Kenny.

La formación para este trabajo mantiene todavía a dos de los miembros originales que llevan más de 30 años fieles a su estética enmascarada y a su característico sonido surf rock instrumental, reforzando el estatus de la banda como una de las más reconocidas de su género. Esta incluye a Eddie Angel (guitarra), Pete “Mr. Pete” Curry (bajo), Chris “Gringo Starr” Sprague (batería) y Greg “Gregario” Townson (guitarra).

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Este nuevo trabajo conserva la esencia de sus anteriores discos pero les lleva a ampliar su rango sonoro llegando a conseguir muy buenas reseñas en la prensa especializada. Un señor disco de estos veteranos del stoner.

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Fue grabado entre Barcelona y Santiago de Compostela en los estudios Axtudio, Amplifire Studio y Bungalow Studios. La mezcla y el máster se realizaron en USA por Pete Rutcho (Havok, Revocation). El artwork del disco está basado en ilustraciones en las que pueden verse diferentes artes gracias a las gafas 3D que acompañan al vinilo, el diseño es obra de Joel Abad de Grafficants

The post Crisix – Full HD first appeared on Four Skulls.

El disco está producido por Dan Johnson y se grabó en Morrisound Recording en Florida. Leprosy es su primer trabajo con Bill Andrews en las baquetas y el único disco de estudio con el guitarrista Rick Rozz.

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Lo que supone el primero en contar con la participación de la guitarrista Meg Mills (Big Cheese, Chubby And The Gang, Rapture). Lanzado con gran éxito de crítica, Never Enough se ha convertido en el álbum de la banda con mejor clasificación en las listas de ventas de varios países hasta la fecha. El 8 de abril de 2025, Turnstile lanzó el sencillo principal del álbum, «Never Enough», junto con un video musical dirigido por los miembros de la banda Brendan Yates y Pat McCrory.

El 30 de abril, la banda lanzó su segundo sencillo, “Seein’ Stars” / “Birds”, con un video musical también dirigido por Yates y McCrory. En cuanto a colaboraciones Devonte Hynes graba el violonchelo en un par de temas, I Leland Whitty y Kae Murphy graban saxo y trompeta respectivamente en el tema Dreaming, Maestro Harrell habla en Look Out For Me y Shabaka Hutchings graba la flauta de Look Out For Me.

El disco generalmente ha tenido buenas críticas y a pesar de que se echan en falta más temas como Birds en los que suenan a la banda de hardcore que un día fueron se agradece la osadía y la experimentación para llevar a la banda más allá. O acaso hay alguna banda de hardcore que saque temas como Seein’ Stars o I Care. Quizá, ya no sean una banda de hardcore, solo que a veces tocan temas de ese estilo en el que militaron durante años… importa?

El caso es que dejando a un lado los prejuicios Never Enough es un disco que no defrauda y que el tiempo pondrá en su lugar. En lo personal siempre fuimos de las bandas que evolucionan y que salen de su zona de confort. “No lo sé, Pero creo que encontré una canción que suena solo para mí, Y ahora soy libre, libre, libre, libre, libre, libre, No queda nadie para ser, ser, ser, ser, ser, ser, ser…”

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Para llegar a cada sesión, los miembros se desplazaban en bicicleta entre Brooklyn y Manhattan, con el fin de reunirse en la acogedora sala de paneles de madera del estudio. Producido, mezclado y grabado en directo por Dom Monks, el álbum se gestó en base a largas sesiones de jam colectivo: tocar durante nueve horas al día con una comunidad de músicos afines entre ellos Alena Spanger, Mikel Patrick Avery, Laraaji y otros improvisando, experimentando arreglos y capturando momentos espontáneos con mínimas sobregrabaciones.

El resultado es un sonido orgánico, crudo y emocionalmente inmediato. Los dos primeros singles mostraron la amplitud emocional del álbum: “Incomprehensible”, un viaje psicodélico introspectivo, y “All Night All Day”, una exploración de la dualidad del amor. Medios como Pitchfork resaltaron el regreso del grupo como trío junto a este variado grupo de colaboradores, mientras Beats Per Minute calificó la propuesta de “exploratoria y apasionada”.

Double Infinity se perfila como uno de los lanzamientos más significativos del año, consolidando a Big Thief como una banda imprescindible de la escena independiente contemporánea, capaz de reinventarse sin perder su esencia de conexión emocional y espontaneidad creativa.

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