The Fragile Art of Existence es el único disco de estudio que publicaron y el último trabajo grabado por Chuck Schuldiner antes de su fallecer en diciembre de 2001. Fue editado a nivel mundial el 30 de noviembre de 1999 por el sello Nuclear Blast.

El album presenta una clara evolución técnica que fusiona las complejas estructuras instrumentales de la última etapa de Death con elementos del power metal y la voz limpia del cantante Tim Aymar. La base instrumental que completó las primeras sesiones en abril de 1999 era prácticamente idéntica a la que registró el disco The Sound of Perseverance de Death.

Sin embargo, tras la salida del bajista Scott Clendenin ese mismo mes, Schuldiner reclutó a Steve Di Giorgio para que regrabara gran parte de las pistas de bajo pero Di Giorgio conservó algunas de las líneas de bajo grabadas por Clendenin; lo consideró una forma de “devolver el favor”, ya que Clendenin había conservado algunas de las líneas de bajo que Di Giorgio había tocado en las demos de The Sound of Perseverance.

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Este trabajo logró el triple disco de platino, alcanzó el número 9 en la lista Billboard 200 y le valió un gran reconocimiento internacional con temas como What It’s Like. Su extensa trayectoria incluye un premio Grammy en el año 2000 por su colaboración con Santana en Put Your Lights On, una nominación a los premios Emmy y su participación activa en el supergrupo de rap La Coka Nostra entre 2006 y 2012. Ocho años después de su último lanzamiento, Everlast presenta su octavo disco de estudio titulado Embers to Ashes, editado a través de Martyr Inc Records en asociación con Thirty Tigers y Regime Music Group.

La base conceptual de este trabajo refleja una etapa personal y vital sumamente dura para el artista, marcada por la destrucción de su casa en Los Ángeles durante los graves incendios de Woolsey en 2018, la pandemia y su propio divorcio. El músico canaliza todos estos eventos para dar forma a composiciones honestas que exploran la pérdida, el desamor y la resiliencia, cimentando su sonido sobre las raíces de la música americana y el roots rock, pero sin abandonar la actitud de la cultura urbana.

El titulo del disco podría traducirse como: De brasas a cenizas y creemos que no es algo casual. Las sesiones de grabación de este nuevo álbum se llevaron a cabo en Nashville. La producción del disco recae íntegramente en el rapero y productor Yelawolf, mientras que el proceso de mezcla ha sido ejecutado por el reconocido ingeniero de sonido Chris Lord-Alge.

El álbum incluye también aportaciones creativas del compositor David Ray. A lo largo de sus pistas, Everlast muestra su visión más descarnada: critica la falsa fachada de la fama en el sencillo principal My Hollywood, disecciona el dolor personal en cortes como Stones o Love Don’t Heal, y deja espacio para la protesta social en Rubber Bullets, tema escrito a raíz del asesinato de George Floyd. Un regreso sólido que demuestra cómo su transición desde el rap hacia una narrativa más cercana al blues sigue madurando a la perfección.

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Así la portada muestra a una anciana colgando bebés por los pies en una cuerda de tender que parece interminable, en referencia a la frase de la canción que da titulo al trabajo. Es segundo trabajo sin Vic Rattlehead en la portada. Youthanasia recibió críticas positivas tras su lanzamiento y tambien fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 4 en la lista Billboard 200.

En 1995 obtuvo la certificación de platino por vender un millón de copias solo en Estados Unidos. Dave Mustaine ha reconocido en alguna entrevista que toda la formación había compuesto «Youthanasia». Entre sus temas más destacados se encuentran Recockning Day, Train of Consequences, The Killing Road, la propia Youthanasia o su balada más conocida A Tout Le Monde. Un disco que ha envejecido bien y que entrados los 90 hizo que Megadeth siguiera siendo un grupo muy respetado por la comunidad metalera.

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En el se encuentran algunos de los temas más escuchados y tocados en sus conciertos como Symphony of Destruction, Sweating Bullets o Skin o’ My Teeth. El album debuto en el numero 2 de la lista Billboard 200, lo que supone la posición más alta que Megadeth ha conseguido por uno de sus trabajos.

Tambien fue nominado a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1993, mientras que la canción que da título al disco ganó el Premio Génesis de la Humane Society por su labor de concienciación sobre los derechos de los animales. En algunas declaraciones Mustaine declaro que: “…fue un gran logro que los cuatro miembros de Megadeth contribuyeran con material al álbum, a diferencia de sus lanzamientos anteriores, que eran compuestos practicamente por Mustaine”.

Añadio que el productor Max Norman tuvo una participación significativa en el álbum al hacer “muchas sugerencias e ideas artísticas geniales”. A su vez, el guitarrista Marty Friedman dijo que: “…a diferencia de Rust in Peace, la creación de este disco fue “completamente diferente”. Afirmó además que la banda había cambiado las canciones: “un millón de veces” antes de grabar una demo y entrar al estudio.”

A pesar del éxito algunos seguidores inicialmente rechazaron el trabajo como paso con el disco homónimo de Metallica. El motivo era claro, el disco era menos contundente y se abría a un publico mayor. En cuanto a letras Mustaine no bajo el liston y muchas de ellas siguen teniendo connotaciones politicas y sociales.

Para nuestro gusto y pesar de ser un discarral, no supera a Rust In Peace, pero sin lugar a dudas uno de los tantos grandes discos que nos ha dado Megadeth y que para bien o para mal hemos tenido la suerte de ser coetáneos. Aun recuerdo, la primera vez que escuche el single de Symphony of Destruction y como se colaba esa melodia de la intro por la radio cuando pusieron el tema por primera vez y el impacto que causo la canción en su momento. Si como nosotros aún no tenias este clásico en vinilo, es el momento de hacerse con el.

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Los hitos no han parado desde entonces. En marzo de 2026, Angine de Poitrine apareció en el popular programa de entrevistas de Quebec, Tout le monde en parle, que tiene una audiencia promedio de casi un millón de personas. Durante una entrevista para el podcast Logan Sounds Off, Dave Grohl, líder de Foo Fighters, elogió a la banda, diciendo que lo habían “dejado absolutamente alucinado” y describiéndolos como “completamente locos”.

Sean Lennon comentó sobre ellos a través de su cuenta de X, afirmando: “Nunca había visto a una banda instrumental tan extraña volverse viral como Angine de Poitrine. Nunca había visto nada igual. Es una locura. En los últimos tres meses, todos mis conocidos me han enviado su video al menos una vez”. La banda ya tiene programada una gira europea y otra por Estados Unidos.

Para este segundo volumen, graban con Glegg De Poitrine, mezclan y masterizan con Tek De Poitrine, para la producción repiten ellos junto al trabajo de Fabien Peterson, que ya produjo su Volumen I. Las ediciones físicas cuentan con ilustraciones de Arielle Corbeau y fotografias de Annie LeBlanc y Samuel Snow.

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¿Hemos dicho que Angine de Poitrine son conocidos? Quizás sería más correcto decir que se han pasado internet. El tema de los disfraces se concibió inicialmente para poder dar dos conciertos semanales en un local donde solo les dejaban dar uno, engañando a la sala al hacerse pasar por otra banda. Al final, esta puesta en escena tuvo tanto éxito que se convirtió en el proyecto principal del dúo.

Alcanzaron la fama viral en febrero de 2026 cuando una sesión en directo grabada para la emisora ​​de radio estadounidense KEXP acumuló millones de visualizaciones. Vol. 1 es su disco debut y fue autoeditado por la banda en 2024. La publicación y posterior gira le hizo ganó popularidad en el circuito de festivales de Quebec, culminando con el premio a Artista del Año en los premios GAMIQ de 2025.

Este primer volumen fue grabado por Gabriel Gagné Gaudreault, mezclado por Dany Lemay y producido por Fabien Peterson junto a los propios Angina de pecho.

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Paralelamente, Janus Records lo publico ese mismo año en el mercado estadounidense. En junio de 1971, recibió la distinción de “4 estrellas” de Billboard. Su estilo musical se ha descrito principalmente como rock progresivo, soul psicodélico o funk, así como acid rock, jazz fusión o jazz rock. Además de por su calidad musical el disco destaca por que su grabación se realizo íntegramente en una noche y en una primera toma en Pye Studios bajo la producción de Barry Murry.

La banda estuvo activa entre 1968 y 1972, formada en su totalidad por músicos inmigrantes de países de la Commonwealth, liderados por el saxofonista Paddy Corea. El sonido de este disco esta fuertemente influenciado por por los ritmos y escalas musicales arabes que Corea descubrió en un viaje a Marruecos con su anterior banda Blue Rivers & The Maroons.

El lineup completo de esta grabación seria: Paddy Corea en Flauta, Congas, Saxofón Tenor, y Saxofón Soprano además de los arreglos, Sleepy Jack Joseph en el bajo, Steven John en la bateria, W. Raphael Joseph a la guitarra, Smokey Adams a la voz, Clarance Brooms Crosdale al trombon, Ray Rhoden en organos y piano y Ayinde Folarin en las congas. Un disco considerado por muchos amantes de la música como de culto y que es muy usado como material de sampleo por DJs y productores desde los 90 a la actualidad.

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Tras la publicación sorpresa del album Chuck D y Flavor Flav declararon a los medios: “¡Queremos agradecer a los fans, este álbum es nuestra forma de devolverles su apoyo!”. Publicado cinco años después de su anterior disco de estudio What You Gonna Do When The Grid Goes Down? y formado por 12 nuevos cortes, continúa la exploración de Public Enemy de temas políticos y sociales, centrándose en la vida urbana, la desigualdad y la resistencia.

El album cuenta con algunas producciones de M-Rok, JP Hesser, Sam Farrar, Grant Michaels, Carl Ryder, Nigel Sanders o Sam Hollander a la vez tambien se encargan de la mezcla Felony Muzik o C-Doc que es responsable de los scratches.

Se podría decir que es uno de los trabajos más guitarreros de Public Enemy ya que varios de los beats cuentan con guitarras o incluso solos como en Sexegenarian Vape. Varios de los cortes tambien cuentan con las baterias de Mario Calire o Tre Cool. El artwork así como la ilustración de la portada se los ha currado el propio Chuck D.

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La masterización se llevo a cabo en A&M Studios y el responsable de la misma fue Alan Yoshida. Este trabajo supuso el debut discográfico del vocalista de Hate Eternal, Erik Rutan que se encargo de la guitarra y algunos teclados. Entro junto al resto de la formación clásica compuesta por Trey Azagthoth (guitarra y teclados), David Vincent (voz y bajo) y Pete Sandoval (batería).

El disco se caracteriza por alternar ritmos extremadamente rápidos basados en los blast beats de Sandoval con pasajes más lentos y densos de corte experimental. Tras las sesiones de grabación y la posterior gira mundial, este álbum marcó el final de la primera etapa de David Vincent en el grupo. El disco fue apoyado por el video grabado por Where the Slime Live y principalmente esta escrito por Trey Azagthoth con letras de David Vincent.

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Técnicamente, el álbum destaca por el uso pionero de arreglos orquestales de viento fundidos con riffs pesados, especialmente en su éxito Race with the Devil. El single se colo en el top ten en las listas del Reino Unido, llegando a número 1 en algunos territorios y al puesto 35 en los charts australianos.

El sonido del álbum, caracterizado por una distorsión avanzada para su época y estructuras complejas, situó a la banda como un nexo de unión entre la psicodelia de finales de los 60 y la inminente explosión del hard rock de los 70. Otro dato relevante es su portada, que supuso el primer trabajo acreditado del ilustrador Roger Dean que más tarde trabajaría en portadas de bandas como Yes, Uriah Heep o Asia.

Algunas curiosidades sobre Race with the Devil es que ha sido versioneada y grabada por bandas como Judas Priest, Girlschool, Church of Misery o Black Oak Arkansas. Aunque tambien es conocido que Jimi Hendrix reprodujo su riff principal en su actuación en el Festival de la Isla de Wight en 1970 incluyendolo en su tema Machine Gun. En febrero de 2026 salía esta reedición en vinilo de 180g de color Smokey Marble en una cuidada edición limitada a 1.000 copias numeradas.

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La formación en este trabajo estuvo compuesta por Podri (voz), Pinky (bajo), Javi (guitarra) y Xabi (batería), consolidando su estilo que mezcla el punk con el metal de corte acelerado. Rock And Roll Para Hijos de Perra incluye la colaboración de Brigi Duque de Koma en el tema L.E.Y. y de Evaristo en Tu Serás Nuestro Dios.

El disco se cierra con el cover del mítico Ace of Spades de Motörhead que han convertido en un clásico de su repertorio con renombrado como Teneis Speed.

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Desde niño mostró un talento excepcional para la percusión y pronto comenzó a tocar profesionalmente con bandas latinas de Nueva York. Dance Mania de Tito Puente And His Orchestra, publicado originalmente en 1958 por el sello RCA Victor, es considerado el trabajo más influyente y exitoso en la carrera del percusionista.

Grabado entre noviembre y diciembre de 1957 en los estudios de RCA en Nueva York, el álbum se distingue técnicamente por ser uno de los primeros grandes lanzamientos latinos interpretados íntegramente en la lengua de Cervantes, contando con la voz del puertorriqueño Santos Colón.

En una época donde las orquestas de mambo solían grabar temas instrumentales o en inglés para el mercado angloparlante, Puente optó por un enfoque auténtico que integraba mambo, cha-cha-cha, son montuno, guaguancó, bolero y ritmos de raíz africana como el bembe.

La instrumentación destaca por una sección de percusión vibrante y arreglos de jazz orquestal en cortes como El Cayuco y la instrumental 3-D Mambo, diseñados específicamente para el dinamismo de los salones de baile. Su legado es tal que fue incluido en el National Recording Registry en 2002 y forma parte de la selección del libro Los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, situándose como el precursor estético del movimiento salsa que dominaría la escena neoyorquina en las décadas posteriores. Este disco es historia de la música del siglo 20.

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Tras su anterior trabajo Qubits, esta nueva entrega presenta un tapiz sonoro más cinematográfico, atmosférico y analogico, donde la producción ha sido liderada principalmente por Harto Rodríguez. En el apartado de producción también colaboran sus aliados habituales Zar1 y Merca Bae, además de Louis Amoeba, logrando un lenguaje que integra influencias del grime, el jungle y el universo sound system.

El álbum se abre con Noosfera, que utiliza un diseño sonoro inspirado en la icónica introducción de THX, y avanza a través de cortes como Gluones, que cuenta con la colaboración de Hoke, y termina con Eigengrau, donde colabora Suzzee. Técnicamente, el disco destaca por la incorporación de instrumentos poco convencionales en el género, como el theremin de Javier Díez o el sampleo del músico tradicional Germán Díaz (especializado en zanfona) en la pieza Nana del tiempo.

La narrativa del trabajo está profundamente influenciada por la filmografía de Andréi Tarkovski, utilizando conceptos como la “Zona” o la “niebla” para reflexionar sobre la incertidumbre, la conciencia y la resistencia creativa frente a la estandarización tecnológica. El diseño visual, marcado por un color amarillo radioactivo, es obra de Daniel Muñoz y Rodrigo Rojo (Chrome XYZ), quienes han desarrollado una estética de glitch y transfiguración que acompaña la edición en vinilo.

Con este lanzamiento, Erik Urano refuerza su posición como un artista que utiliza el rap como método de desviación constante, alejándose de las estructuras fijas del género para construir un paisaje sonoro cargado de matices industriales. En lo personal, llevamos años prendados de su obra y de su discurso en redes sociales, que desprende una personalidad y estilo único que tanto nos gusta en un artista. A la escena estatal la faltan más figuras como las de Erik Urano y le sobran copias de la copia de la copia, con discursos planos y vacíos.

Para comprar el vinilo, elige: Vinilo + Talla: No Aplica

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Este trabajo profundiza en la transición iniciada con su EP ambiental Timewave Zero (2022), integrando el death metal técnico con el rock progresivo y la música electrónica de los años 70. La instrumentación se expande notablemente mediante la colaboración de Thorsten Quaeschning de Tangerine Dream y Nicklas Malmqvist de Hällas, quienes aportan sintetizadores, órganos y pianos.

En el primer capítulo, la banda alterna pasajes de blast beats y riffs disonantes con secciones de flauta, guitarras acústicas y sintetizadores espaciales que remiten a la escuela de Berlín. El segundo capítulo, grabado y mezclado también en Redwood Studios, introduce voces limpias, armonías vocales y desarrollos rítmicos influenciados por bandas como Pink Floyd o Eloy, manteniendo la base técnica de formaciones como Gorguts o Morbid Angel.

En la parte lírica este trabajo explora una narrativa que explora la metafísica y la conciencia humana. El diseño artístico ha sido realizado por Steve R. Dodd, complementado con la tipografía de Rodney Matthews y la fotografía de Julian Weigand y Nissa Lai.

The post Blood Incantation – Absolute Elsewhere first appeared on Four Skulls.

Tras haber consolidado su autodenominado adventure rock con trabajos como Conundrum o Isle of Wisdom, la banda apuesta aquí por una producción orgánica de estética vintage que busca expandir los límites del hard rock progresivo de los años 70. La grabación destaca por la inclusión de Above the Continuum, una suite de veintiún minutos que se posiciona como su composición más ambiciosa, estructurada a través de una introducción atmosférica con sintetizadores y voces en italiano, para evolucionar hacia pasajes de hard rock técnico con matices de jazz-rock en su epílogo.

El álbum muestra una paleta sonora más amplia que en entregas anteriores, con incursiones en otros estilos, como se aprecia en el corte Face of an Angel, donde adoptan una estructura de pop-rock con influencias de los 80 y ritmos más directos. En contraste, The Emissary recupera el equilibrio clásico de la banda entre el sinfonismo y el hard rock con reminiscencias a bandas como Rush o Deep Purple, mientras que la faceta más íntima se reserva para la balada Bestiaus, interpretada únicamente con piano y voz.

El cierre del álbum con At the Summit refuerza el carácter narrativo de la obra, comenzando con una instrumentación folk de guitarras acústicas que desemboca en un desarrollo épico presidido por el órgano, siguiendo la estela de formaciones como Uriah Heep o Kansas. Con este lanzamiento, Hällas se aleja de las estructuras más tradicionales de sus primeros discos para ofrecer un trabajo variado donde el sinfonismo y la psicodelia ganan terreno frente al heavy rock de cotre más tradicional, manteniendo el lirismo y la atmósfera mística que definen su propuesta.

El disco esta grabado y mezclado en Matchtown Studio con su teclista Nicklas Malmqvist como productor además de encargarse de los arreglos orquestales. La masterización tiene lugar en Svenska Grammofonstudion y es realizada por Frida Claeson Johansson. En este trabajo cuentan con la colaboración de músicos de cuerdas o metales como: Ulrika Holm, Jake Sheehan, Fredrik Hempel o Julia Sandwall.

El disco esta diseñado por uno de nuestros estudios gráficos favoritos, Branca Studio regido por el catalán Pol Abran, que se apoya en ilustración de Maldo Illustration para la portada y complementa su trabajo con fotografias de Marcus Carlsson.

The post Hällas – Panorama first appeared on Four Skulls.

Aunque habían lanzado dos albums, Suffer sería el primer disco con el sonido que marcaría una época y que fue el germen del hardcore melodico que a tantas bandas ha influenciado. Aunque Suffer no entró en la lista Billboard 200, algunos críticos lo han citado como uno de los discos de punk rock más importantes de todos los tiempos.

Numerosas bandas de la tercera ola del punk citan a Suffer como una gran inspiración, incluyendo a Fat Mike de NOFX, quien lo describió como “el disco que lo cambió todo”. NOFX hizo referencia al álbum posteriormente en su EP Surfer de 2001.

Canciones como “You Are (The Government)”, “1000 More Fools”, “How Much Is Enough?”, “Land of Competition”, “Best For You”, “Suffer”, “What Can You Do?” o “Do What You Want” son todas favoritas de los fans, y algunas de ellas son habituales en sus conciertos, “Delirium of disorder” no se encuentra entre ellas, pero facilmente estaría en un top 5 del que suscribe estas lineas. Suffer es historia del punk rock y sin lugar a dudas uno de los trabajos más redondos de los míticos Bad Religion.

The post Bad Religion – Suffer first appeared on Four Skulls.

El proceso de grabación y mezcla se llevó a cabo íntegramente en los estudios Ultramarinos Costa Brava, en Sant Feliu de Guíxols, bajo la dirección técnica de Santi García, quien además de la producción aportó compuso las lineas de bajo y aporto arreglos para los sintetizadores.

La masterización fue realizada por Víctor García en Ultramarinos Mastering. El álbum consta de diez canciones compuestas entre junio de 2024 y marzo de 2025 en Camargo y Madrid, centrando su concepto en el retorno al origen, representado por la salida 201 de la autovía A-67 que conduce a su hogar familiar en Cantabria.

El arte del disco cuenta con fotografías de Paz Vallejo y un diseño gráfico desarrollado por ivoryxx.

The post Repion – 201 first appeared on Four Skulls.

Fue nominado en la categoría de Best Rap Album en la 66ª edición de los premios Grammy y tuvo un buen desempeño en su lanzamiento llegando al número diez de la lista Billboard 200 de EE.UU. y al 48 en la de UK en la que llego al 2º puesto en la lista de albums de hip hop y R&B.

En este trabajo no hay colaboraciones destacadas aunque cuenta con samples de Mary J. Blige en Reminisce donde la dedica un reconocimiento en forma de ‘shout out’. El disco esta compuesto por 17 cortes en los que el veterano rapero demuestra porque ha llegado donde ha llegado, una lección de cómo contar historias con propósito y envejecer con elegancia. Haciendo alusión a su portada un broche de oro para cerrar la trilogía King’s Disease.

The post Nas – King’s Disease III first appeared on Four Skulls.

El disco se registra con la formación clásica de la banda que cuenta en sus filas con Glen Benton que además de firmar todas las letras se encarga del bajo y la voz, Steve Asheim en la batería y los hermanos Brian y Eric Hoffman en las guitarras. La música de este trabajo es considerada más técnica y cuenta con tempos aun más rápidos que su album debut.

En el momento de su lanzamiento no tuvo muy buena critica y tal como Benton declaro en una entrevista ahora es un disco que hoy es considerado muy bueno por la amplia mayoría de seguidores y críticos. En cuanto a las letras no se quedan atrás ya que Glenton escupe toda su rabia contra la religión organizada dejando perlas como esta: “You know it can’t be done, No god, no lord shall live, What always has should never been, No god, no lord shall live, Behead the prophet and we win” que en lengua de Cervantes, vendría a decir algo como: “Sabes que no se puede hacer, Ningún dios, ningún señor vivirá, Lo que siempre ha sido nunca debió ser, Ningún dios, ningún señor vivirá, Decapiten al profeta y ganaremos”.

Glenton tambien fue responsable del concepto Trifixion que aparece en la portada, que ilustro Scheffer Computer Graphics en un artwork que se completa con fotografías de Shaun Clark. Sin lugar a dudas un disco que ya forma parte de la historia del Death Metal.

The post Deicide – Legion first appeared on Four Skulls.

La formación de este trabajo es Javi Ferrara a la voz y las letras, Carlos Jiménez al bajo, Javi Luengo a la guitarra y la trompeta, Marco Fernández en la guitarra acústica, los sintes y algunas voces y Santiago Núñez a la batería.

El álbum sigue la linea de su predecesor Talego Quini con una mezcla de punk-rock y spoken word con letras de marcada sátira social y política. El album es masterizado por Cem Oral, cuenta con un artwork diseñado por Unbuentipo que cuenta además con fotografías de Paula Palmer. Si te sorprendieron con su debut, no te van a defraudar.

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