Posteriormente, Federico C Sik Lopez se encargó de la mezcla en las instalaciones de The Drug Lab, dejando la masterización en manos de L-Rox desde Red Secta Mastering. El diseño visual y la ilustración de la portada son obra del artista Joseph Martínez.

El álbum está compuesto por veinte cortes de material totalmente inédito y destaca por una inmensa lista de colaboraciones, reuniendo al micrófono a Prodigy, Planet Asia, Strong Arm Steady, Step Brothers, Chace Infinite, Imani, LMNO & 2Mex, MED, Oh No, Fashawn, Pac Div, Co$$ o Definite Mass por citar algunos y scratches de DJs como
DJ Rhettmatic o DJ Exile.

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Producido integramente por la propia banda, la grabación se desarrolló en los estudios Northstar Headquarters, Homeless Records y Warmaudio Studio bajo los mandos de los ingenieros Eva-B, Thibault Bernard y Florent Salfati. Este último también se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización.

La formación para este registro cuenta con Victor Vithia Leroy a las voces, Brice Eva-B Gauthier en la guitarra principal, Erwan Air One Menez en la guitarra rítmica, Alexis Yoru Lieu al bajo y Kevin Phantom Foley en la batería, sumando además un bloque de coros adicionales acreditados al colectivo ROTN Clan.

A nivel de letras e imagen, el propio vocalista Vithia se encargó de la dirección de arte y el diseño de la portada, inspirándose en la película y el manga Akira, así como en clásicos de la animación japonesa de mechas como Gundam, Macross o Patlabor. El disco cuenta con las colaboraciones de Florent Salfati de Landmvrks en Back 2 Basics y de Aaron Matts de ten56. en el corte Nemesis.

Rise of the Northstar promociono el disco con apoyo de videoclips para las canciones Neo Paris, Falcon y Back 2 Basics. Los dos primeros contaron con secuencias animadas desarrolladas en colaboración con el estudio Hotu, lo que llevo a que el video de Neo Paris ganara el premio a la mejor creación audiovisual en la edición inaugural de los French Metal Awards.

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La producción del disco fue asumida por Andreas Lutz y Pepe Bao. El apartado visual incluye una fotografía de portada obra de Ana González Sosa y un diseño ejecutado por Ale Rodríguez y Rafa Lozano. El disco cuenta con numerosas colaboraciones, destacando a Josemi Carmona de Ketama en la canción O’funk’illoterapia, Carlos Tarque de M Clan en Estás en modo avión, Kutxi Romero de Marea en Buscando likes, y Morodo y Gordo Master en Fiesta, Siesta (Dub Remix) y DJ Kilian en Nos Vamos Pa’l Kely (Jungle Remix).

Además, incluye una versión de la canción Stayin’ Alive de Bee Gees bajo el título Tengo que madurar.

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Este trabajo compila las canciones de sus lanzamientos compartidos previamente con las bandas Gnob y Benümb, además de incluir versiones de las canciones Down In The Streets de The Stooges, In The Meantime de Helmet y una versión alternativa de Fuck You Up And Get High de Dwarves.

Para la portada contaron con una ilustración del artista Chris Taylor de Pg. 99. J. R. Hayes comentó en una ocasión que no recordaba la letra de las primeras siete canciones y que no podía descifrarla. Tardo unos años en encontrarlas y ponerlas a disposición de sus base de fans online. Las reediciones que puedes pillar aquí son de 2024 y estan publicadas por el sello estadounidense Relapse Records.

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Las labores técnicas de grabación y mezcla corrieron a cargo de Evan Frederiksen, mientras que la masterización fue completada por Anthony Focx. El album esta compuesto por diez canciones entre las que destaca la inclusión de arreglos de viento a cargo del guitarrista Stevie Dacanay en el sexto corte, I Go Boom!.

La formación que registró el trabajo incluye a Josh Todd en las voces, Stevie D. y Billy Rowe en las guitarras, Kelly Lemieux al bajo y Francis Ruiz en la batería. La promoción del lanzamiento fue apoyada por tres sencillos previos: el tema homónimo Roar Like Thunder, Come On y Set It Free.

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El libro sirve como archivo histórico de una de las formaciones más importantes de la escena hip hop del estado, detallando giras, grabación de discos y la gestión independiente de su carrera. Con 245 páginas de 170g, plastificado anti rayaduras, forrado al cromo; esta primera edición limitada en tapa dura contiene el legado historico de una de las bandas con más repercusión de la escena.

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La banda buscó en esta entrega recuperar la energía inmediata de sus primeros años, evitando elementos electrónicos y apostando por la producción orgánica de rock clásico. El disco es grabado por Jun Murakawa en The Bastard Ranch, con mezcla de Joe Barresi en Joe’s House Of Compression siendo producido por su propio guitarrista Keith Nelson.

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Este trabajo cuenta en las sesiones de grabación con diversas colaboraciones vocales, destacando la aparición de Tim McIlrath de Rise Against en el corte Harem of Scorpions, Wade MacNeil de Alexisonfire en Deathsmarch, y Ben Kowalewicz de Billy Talent que pone su voz para Smiling Politely. El tema que da titulo al disco apareció brevemente en la película de ciencia ficción y terror Splice, estrenada en 2009.

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El resultado fue rotundo, Efil4zaggin el segundo disco del grupo con el titulo Niggaz4Life leído al revés, se publico el 28 de mayo de 1991, haciendo historia al convertirse en el primer trabajo de rap en alcanzar el número uno de ventas en la lista Billboard 200, un hito comercial absoluto para un lanzamiento independiente.

Fue el último disco del grupo, y sale publicado tras las salidas de Ice Cube y Arabian Prince. Tras el lanzamiento Dr. Dre y el compositor y miembro no oficial The D.O.C. tambien abandonan el grupo para fundar Death Row Records. El CD incluye al final del tracklist del disco los 4 temas del EP 100 Miles and Runnin’ publicado originalmente en 1990.

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The Fragile Art of Existence es el único disco de estudio que publicaron y el último trabajo grabado por Chuck Schuldiner antes de su fallecer en diciembre de 2001. Fue editado a nivel mundial el 30 de noviembre de 1999 por el sello Nuclear Blast.

El album presenta una clara evolución técnica que fusiona las complejas estructuras instrumentales de la última etapa de Death con elementos del power metal y la voz limpia del cantante Tim Aymar. La base instrumental que completó las primeras sesiones en abril de 1999 era prácticamente idéntica a la que registró el disco The Sound of Perseverance de Death.

Sin embargo, tras la salida del bajista Scott Clendenin ese mismo mes, Schuldiner reclutó a Steve Di Giorgio para que regrabara gran parte de las pistas de bajo pero Di Giorgio conservó algunas de las líneas de bajo grabadas por Clendenin; lo consideró una forma de “devolver el favor”, ya que Clendenin había conservado algunas de las líneas de bajo que Di Giorgio había tocado en las demos de The Sound of Perseverance.

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Este trabajo logró el triple disco de platino, alcanzó el número 9 en la lista Billboard 200 y le valió un gran reconocimiento internacional con temas como What It’s Like. Su extensa trayectoria incluye un premio Grammy en el año 2000 por su colaboración con Santana en Put Your Lights On, una nominación a los premios Emmy y su participación activa en el supergrupo de rap La Coka Nostra entre 2006 y 2012. Ocho años después de su último lanzamiento, Everlast presenta su octavo disco de estudio titulado Embers to Ashes, editado a través de Martyr Inc Records en asociación con Thirty Tigers y Regime Music Group.

La base conceptual de este trabajo refleja una etapa personal y vital sumamente dura para el artista, marcada por la destrucción de su casa en Los Ángeles durante los graves incendios de Woolsey en 2018, la pandemia y su propio divorcio. El músico canaliza todos estos eventos para dar forma a composiciones honestas que exploran la pérdida, el desamor y la resiliencia, cimentando su sonido sobre las raíces de la música americana y el roots rock, pero sin abandonar la actitud de la cultura urbana.

El titulo del disco podría traducirse como: De brasas a cenizas y creemos que no es algo casual. Las sesiones de grabación de este nuevo álbum se llevaron a cabo en Nashville. La producción del disco recae íntegramente en el rapero y productor Yelawolf, mientras que el proceso de mezcla ha sido ejecutado por el reconocido ingeniero de sonido Chris Lord-Alge.

El álbum incluye también aportaciones creativas del compositor David Ray. A lo largo de sus pistas, Everlast muestra su visión más descarnada: critica la falsa fachada de la fama en el sencillo principal My Hollywood, disecciona el dolor personal en cortes como Stones o Love Don’t Heal, y deja espacio para la protesta social en Rubber Bullets, tema escrito a raíz del asesinato de George Floyd. Un regreso sólido que demuestra cómo su transición desde el rap hacia una narrativa más cercana al blues sigue madurando a la perfección.

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Así la portada muestra a una anciana colgando bebés por los pies en una cuerda de tender que parece interminable, en referencia a la frase de la canción que da titulo al trabajo. Es segundo trabajo sin Vic Rattlehead en la portada. Youthanasia recibió críticas positivas tras su lanzamiento y tambien fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 4 en la lista Billboard 200.

En 1995 obtuvo la certificación de platino por vender un millón de copias solo en Estados Unidos. Dave Mustaine ha reconocido en alguna entrevista que toda la formación había compuesto «Youthanasia». Entre sus temas más destacados se encuentran Recockning Day, Train of Consequences, The Killing Road, la propia Youthanasia o su balada más conocida A Tout Le Monde. Un disco que ha envejecido bien y que entrados los 90 hizo que Megadeth siguiera siendo un grupo muy respetado por la comunidad metalera.

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En el se encuentran algunos de los temas más escuchados y tocados en sus conciertos como Symphony of Destruction, Sweating Bullets o Skin o’ My Teeth. El album debuto en el numero 2 de la lista Billboard 200, lo que supone la posición más alta que Megadeth ha conseguido por uno de sus trabajos.

Tambien fue nominado a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1993, mientras que la canción que da título al disco ganó el Premio Génesis de la Humane Society por su labor de concienciación sobre los derechos de los animales. En algunas declaraciones Mustaine declaro que: “…fue un gran logro que los cuatro miembros de Megadeth contribuyeran con material al álbum, a diferencia de sus lanzamientos anteriores, que eran compuestos practicamente por Mustaine”.

Añadio que el productor Max Norman tuvo una participación significativa en el álbum al hacer “muchas sugerencias e ideas artísticas geniales”. A su vez, el guitarrista Marty Friedman dijo que: “…a diferencia de Rust in Peace, la creación de este disco fue “completamente diferente”. Afirmó además que la banda había cambiado las canciones: “un millón de veces” antes de grabar una demo y entrar al estudio.”

A pesar del éxito algunos seguidores inicialmente rechazaron el trabajo como paso con el disco homónimo de Metallica. El motivo era claro, el disco era menos contundente y se abría a un publico mayor. En cuanto a letras Mustaine no bajo el liston y muchas de ellas siguen teniendo connotaciones politicas y sociales.

Para nuestro gusto y pesar de ser un discarral, no supera a Rust In Peace, pero sin lugar a dudas uno de los tantos grandes discos que nos ha dado Megadeth y que para bien o para mal hemos tenido la suerte de ser coetáneos. Aun recuerdo, la primera vez que escuche el single de Symphony of Destruction y como se colaba esa melodia de la intro por la radio cuando pusieron el tema por primera vez y el impacto que causo la canción en su momento. Si como nosotros aún no tenias este clásico en vinilo, es el momento de hacerse con el.

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Los hitos no han parado desde entonces. En marzo de 2026, Angine de Poitrine apareció en el popular programa de entrevistas de Quebec, Tout le monde en parle, que tiene una audiencia promedio de casi un millón de personas. Durante una entrevista para el podcast Logan Sounds Off, Dave Grohl, líder de Foo Fighters, elogió a la banda, diciendo que lo habían “dejado absolutamente alucinado” y describiéndolos como “completamente locos”.

Sean Lennon comentó sobre ellos a través de su cuenta de X, afirmando: “Nunca había visto a una banda instrumental tan extraña volverse viral como Angine de Poitrine. Nunca había visto nada igual. Es una locura. En los últimos tres meses, todos mis conocidos me han enviado su video al menos una vez”. La banda ya tiene programada una gira europea y otra por Estados Unidos.

Para este segundo volumen, graban con Glegg De Poitrine, mezclan y masterizan con Tek De Poitrine, para la producción repiten ellos junto al trabajo de Fabien Peterson, que ya produjo su Volumen I. Las ediciones físicas cuentan con ilustraciones de Arielle Corbeau y fotografias de Annie LeBlanc y Samuel Snow.

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¿Hemos dicho que Angine de Poitrine son conocidos? Quizás sería más correcto decir que se han pasado internet. El tema de los disfraces se concibió inicialmente para poder dar dos conciertos semanales en un local donde solo les dejaban dar uno, engañando a la sala al hacerse pasar por otra banda. Al final, esta puesta en escena tuvo tanto éxito que se convirtió en el proyecto principal del dúo.

Alcanzaron la fama viral en febrero de 2026 cuando una sesión en directo grabada para la emisora ​​de radio estadounidense KEXP acumuló millones de visualizaciones. Vol. 1 es su disco debut y fue autoeditado por la banda en 2024. La publicación y posterior gira le hizo ganó popularidad en el circuito de festivales de Quebec, culminando con el premio a Artista del Año en los premios GAMIQ de 2025.

Este primer volumen fue grabado por Gabriel Gagné Gaudreault, mezclado por Dany Lemay y producido por Fabien Peterson junto a los propios Angina de pecho.

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La masterización se llevo a cabo en A&M Studios y el responsable de la misma fue Alan Yoshida. Este trabajo supuso el debut discográfico del vocalista de Hate Eternal, Erik Rutan que se encargo de la guitarra y algunos teclados. Entro junto al resto de la formación clásica compuesta por Trey Azagthoth (guitarra y teclados), David Vincent (voz y bajo) y Pete Sandoval (batería).

El disco se caracteriza por alternar ritmos extremadamente rápidos basados en los blast beats de Sandoval con pasajes más lentos y densos de corte experimental. Tras las sesiones de grabación y la posterior gira mundial, este álbum marcó el final de la primera etapa de David Vincent en el grupo. El disco fue apoyado por el video grabado por Where the Slime Live y principalmente esta escrito por Trey Azagthoth con letras de David Vincent.

The post Morbid Angel – Domination first appeared on Four Skulls.

La formación en este trabajo estuvo compuesta por Podri (voz), Pinky (bajo), Javi (guitarra) y Xabi (batería), consolidando su estilo que mezcla el punk con el metal de corte acelerado. Rock And Roll Para Hijos de Perra incluye la colaboración de Brigi Duque de Koma en el tema L.E.Y. y de Evaristo en Tu Serás Nuestro Dios.

El disco se cierra con el cover del mítico Ace of Spades de Motörhead que han convertido en un clásico de su repertorio con renombrado como Teneis Speed.

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Tras haber consolidado su autodenominado adventure rock con trabajos como Conundrum o Isle of Wisdom, la banda apuesta aquí por una producción orgánica de estética vintage que busca expandir los límites del hard rock progresivo de los años 70. La grabación destaca por la inclusión de Above the Continuum, una suite de veintiún minutos que se posiciona como su composición más ambiciosa, estructurada a través de una introducción atmosférica con sintetizadores y voces en italiano, para evolucionar hacia pasajes de hard rock técnico con matices de jazz-rock en su epílogo.

El álbum muestra una paleta sonora más amplia que en entregas anteriores, con incursiones en otros estilos, como se aprecia en el corte Face of an Angel, donde adoptan una estructura de pop-rock con influencias de los 80 y ritmos más directos. En contraste, The Emissary recupera el equilibrio clásico de la banda entre el sinfonismo y el hard rock con reminiscencias a bandas como Rush o Deep Purple, mientras que la faceta más íntima se reserva para la balada Bestiaus, interpretada únicamente con piano y voz.

El cierre del álbum con At the Summit refuerza el carácter narrativo de la obra, comenzando con una instrumentación folk de guitarras acústicas que desemboca en un desarrollo épico presidido por el órgano, siguiendo la estela de formaciones como Uriah Heep o Kansas. Con este lanzamiento, Hällas se aleja de las estructuras más tradicionales de sus primeros discos para ofrecer un trabajo variado donde el sinfonismo y la psicodelia ganan terreno frente al heavy rock de cotre más tradicional, manteniendo el lirismo y la atmósfera mística que definen su propuesta.

El disco esta grabado y mezclado en Matchtown Studio con su teclista Nicklas Malmqvist como productor además de encargarse de los arreglos orquestales. La masterización tiene lugar en Svenska Grammofonstudion y es realizada por Frida Claeson Johansson. En este trabajo cuentan con la colaboración de músicos de cuerdas o metales como: Ulrika Holm, Jake Sheehan, Fredrik Hempel o Julia Sandwall.

El disco esta diseñado por uno de nuestros estudios gráficos favoritos, Branca Studio regido por el catalán Pol Abran, que se apoya en ilustración de Maldo Illustration para la portada y complementa su trabajo con fotografias de Marcus Carlsson.

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Aunque habían lanzado dos albums, Suffer sería el primer disco con el sonido que marcaría una época y que fue el germen del hardcore melodico que a tantas bandas ha influenciado. Aunque Suffer no entró en la lista Billboard 200, algunos críticos lo han citado como uno de los discos de punk rock más importantes de todos los tiempos.

Numerosas bandas de la tercera ola del punk citan a Suffer como una gran inspiración, incluyendo a Fat Mike de NOFX, quien lo describió como “el disco que lo cambió todo”. NOFX hizo referencia al álbum posteriormente en su EP Surfer de 2001.

Canciones como “You Are (The Government)”, “1000 More Fools”, “How Much Is Enough?”, “Land of Competition”, “Best For You”, “Suffer”, “What Can You Do?” o “Do What You Want” son todas favoritas de los fans, y algunas de ellas son habituales en sus conciertos, “Delirium of disorder” no se encuentra entre ellas, pero facilmente estaría en un top 5 del que suscribe estas lineas. Suffer es historia del punk rock y sin lugar a dudas uno de los trabajos más redondos de los míticos Bad Religion.

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El proceso de grabación y mezcla se llevó a cabo íntegramente en los estudios Ultramarinos Costa Brava, en Sant Feliu de Guíxols, bajo la dirección técnica de Santi García, quien además de la producción aportó compuso las lineas de bajo y aporto arreglos para los sintetizadores.

La masterización fue realizada por Víctor García en Ultramarinos Mastering. El álbum consta de diez canciones compuestas entre junio de 2024 y marzo de 2025 en Camargo y Madrid, centrando su concepto en el retorno al origen, representado por la salida 201 de la autovía A-67 que conduce a su hogar familiar en Cantabria.

El arte del disco cuenta con fotografías de Paz Vallejo y un diseño gráfico desarrollado por ivoryxx.

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