Históricamente, este lanzamiento marcó el final de la primera etapa del grupo, siendo su último trabajo antes de separarse dos años más tarde y el registro final que incluiría a la bajista fundadora Kim Deal. A nivel compositivo, el repertorio fue escrito casi en su totalidad por el vocalista Black Francis, inclinando el sonido general hacia texturas más pesadas y cercanas al heavy rocken cortes como Planet of Sound o Subbacultcha.

La grabación recayó sobre la alineación formada por Francis a la guitarra rítmica, Joey Santiago en la guitarra solista, Kim Deal al bajo y David Lovering en la batería. A este núcleo se sumó la colaboración especial de Eric Drew Feldman aportando teclados y sintetizadores, además de Jef Feldman tocando la tabla y el derbake en un par de pistas.

Entre los quince cortes destaca también la inclusión de Head On, una enérgica versión del tema original de The Jesus and Mary Chain. Alcanzó el séptimo puesto en las listas británicas y superó las 359.000 copias vendidas en Estados Unidos, obteniendo además certificaciones de plata en Reino Unido y oro en Francia. Para el 11 de septiembre de 2026 está programada la salida de una nueva reedición remasterizada que renueva el sonido clásico de la banda.

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La producción musical estuvo realizada por Underground Railroad, colectivo vinculado a Digital Underground. Entre sus beatmakers figuran Big D the Impossible, Shock G, Pee-Wee, J-Z, Raw Fusion y Live Squad.

Las labores de ingeniería de sonido en el estudio estuvieron a cargo de Darrin Harris, Steve Counter. Marc Senasac y Matt Kelley participaron en la ingeniería. La masterización final fue ejecutada por Kenneth K. Lee Jr. El disco cuenta con colaboraciones de artistas como Stretch, Shock G, Angelique, Pogo, Ray Luv y Dave Hollister.

En lo que a letras se refiere este trabajo tiene un alto enfoque de crítica social, abordando problemáticas del entorno urbano como el racismo, la pobreza o la violencia policial, un contenido que generó un intenso debate institucional tras su lanzamiento.

La promoción del trabajo se apoyó en sencillos como Trapped, Brenda’s Got a Baby e If My Homie Calls, logrando la certificación de disco de oro por la RIAA tras superar las 500.000 copias vendidas solo en Estados Unidos.

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Tom Morris estuvo en la mesa sonido y fue el responsable de la mezcla del disco. La alineación de la banda para este álbum estaba compuesta por David Vincent a la voz y el bajo, Trey Azagthoth en la guitarra solista y teclados, Richard Brunelle a la guitarra ritmica y Pete Sandoval a la batería.

Tras su debut Altars of Madness (1989), este trabajo introdujo un enfoque musical que alternaba la velocidad habitual del género con desarrollos más pausados e influencias de la música clásica, incluyendo una dedicatoria explícita de Azagthoth que dedicaba este disco a Wolfgang Amadeus Mozart.

El tracklist recupera y vuelve a grabar tres temas pertenecientes a su demo de 1986 Abominations of Desolation: Unholy Blasphemies, Abominations y The Ancient Ones. A lo largo del disco se intercalan diversos pasajes instrumentales como Doomsday Celebration, In Remembrance y la pieza para guitarra acústica Desolate Ways compuesta por Richard Brunelle.

Las letras del disco, son escritas en su mayoría por David Vincent, aunque exploran conceptos e ideas desarrollados por Azagthoth. La ilustración de la portada corresponde a la pintura Les Trésors de Satan del artista simbolista Jean Delville.

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La formación compuesta por MC Serch (Michael Berrin), Prime Minister Pete Nice (Peter Nash) y DJ Richie Rich (Richard Lawson) contó con colaboraciones de KMD, Chubb Rock y Nice & Smooth. El trabajo incluye el sencillo Pop Goes the Weasel y alcanzó el puesto número 19 en la lista Billboard 200, siendo certificado disco de oro por la RIAA tras superar las 500.000 copias vendidas.

El tema que es un beef puro a Vanilla Ice, produjo un inesperado éxito comercial. El video musical presenta al exlíder de Black Flag, Henry Rollins, interpretando a Ice. Tambien se despacharon con el grupo X Clan en el tema Herbalz in Your Mouth.

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Para la concepción de este trabajo, Schuldiner renovó la alineación de la banda incorporando al bajista Steve Di Giorgio y a los músicos de sesión Paul Masvidal en la guitarra y Sean Reinert en la batería, ambos miembros de la formación Cynic.

Durante la fase de mezcla, Scott Carino tuvo que registrar pistas adicionales de bajo para el corte instrumental Cosmic Sea debido a problemas técnicos, y posteriormente fue el encargado de acompañar al grupo en las giras de 1991 y 1992. Este lanzamiento marcó una transición en la trayectoria del grupo hacia el death metal técnico y el metal progresivo, integrando métricas irregulares y una mayor complejidad instrumental con influencias del jazz fusión.

En el apartado lírico, las composiciones abandonan temáticas anteriores para explorar conceptos introspectivos, el existencialismo y el abuso de poder. Destaca la pista Lack of Comprehension, inspirada en el proceso judicial al que se enfrentó la banda Judas Priest por acusaciones de incitación al suicidio, la cual contó con un videoclip promocional que logró rotación en la cadena MTV.

El apartado visual corrió a cargo de René Miville en el diseño artístico, bajo la dirección de David Bett. Human se consolidó como el trabajo más vendido del catálogo histórico de la formación, superando las 94.000 copias comercializadas en Estados Unidos según los registros de Soundscan.

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Con el logotipo de la banda en blanco sobre un fondo negro, la portada de este disco dio la vuelta al mundo volando la cabeza tanto de la escena punk como de la metalera en una especie de sonido crossover que bebía principalmente de esos dos mundos. Muy adelantado a su época el disco puso el listón muy alto en la escena estatal, registrando un disco que ha pasado a la historia y que es uno de los discos de referencia de este que os esta escribiendo.

Este disco originalmente fue grabado por Jesus Suinaga y producido por Kaki Arkarazo en los estudios IZ de San Sebastian. Pero no nos vengamos arriba, porque venimos a hablar de Sesion#2 un disco que se lanzo cuando el original cumplía su mayoría de edad con los aprendizajes de esos 18 años y con mejores medios para hacerlo.

En la formación, ya no estaba Pedro ni Sako de Huesos, que dejo su puesto a Pirulo y Jimmy se encargo de todas las guitarras. Esta vez el disco se regrabo en Music Lan Recording Studios, mezclado y producido por Tue Madsen (Sick of It All, The Haunted, Born From Pain). En esta acertada regrabación que suena como un tiro, aprovecharon tambien para rescatar los temas de su demo: Intoxikazión Etílika, Padre Black & Decker y La Última Partida.

Uno de los cambios más significativos fue el cambio en la letra de Nos Vimos en Berlin, donde cambiaron Judío Cabrón por Jodido Cabrón, tras acusaciones de antisemitismo. Aunque los seguidores de la banda siempre hemos sabido que la condena era contra el sionismo y no contra el pueblo judio. Si te gusto su debut, te gustara Sesion#2, sino te gusto, no se como has llegado hasta aquí leyendo.

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El resultado fue rotundo, Efil4zaggin el segundo disco del grupo con el titulo Niggaz4Life leído al revés, se publico el 28 de mayo de 1991, haciendo historia al convertirse en el primer trabajo de rap en alcanzar el número uno de ventas en la lista Billboard 200, un hito comercial absoluto para un lanzamiento independiente.

Fue el último disco del grupo, y sale publicado tras las salidas de Ice Cube y Arabian Prince. Tras el lanzamiento Dr. Dre y el compositor y miembro no oficial The D.O.C. tambien abandonan el grupo para fundar Death Row Records. El CD incluye al final del tracklist del disco los 4 temas del EP 100 Miles and Runnin’ publicado originalmente en 1990.

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Las sesiones de grabación se llevaron a cabo en Doppler Studios y Bosstown Recording en Atlanta, Georgia. El cuarteto original estaba compuesto por Nathan Morris, Wanya Morris, Shawn Stockman y Michael McCary. El álbum fue un éxito comercial masivo, definiendo el sonido del R&B contemporáneo de los noventa al fusionar armonías vocales clásicas con ritmos de New Jack Swing.

Algunos medios lo elogiaron diciendo: “Fue una bocanada de aire fresco para el soul vocal, especialmente por la capacidad de los cuatro miembros para armonizar con una precisión técnica asombrosa” (Rolling Stone) o “Uno de los debuts de R&B más influyentes de la historia, …sentó las bases para el éxito de las boy bands vocales de los años siguientes” (AllMusic).

Tras su lanzamiento, el álbum debutó en el puesto número 58 de la lista Billboard 200 de Estados Unidos, alcanzando finalmente el tercer lugar. Su edición original produjo dos sencillos que llegaron al top 5 de la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos: Motownphilly y It’s So Hard to Say Goodbye to Yesterday.

En 1992, Cooleyhighharmony fue relanzado internacionalmente (1993 en Estados Unidos) con remezclas y la adición de dos sencillos exitosos: ” End of the Road “, que alcanzó el número uno en las listas mundiales y que además conto con una versión en castellano. El álbum ha sido certificado nueve veces Platino por la Recording Industry Association of America (RIAA), lo que significa que se han vendido más de nueve millones de unidades solo en los Estados Unidos.

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Grabado entre 1990 y 1991 en los Studios Grande Armée de París, bajo la producción de DJ S, DJ Spank y Fred Versailles, el álbum mezcla ritmos duros de rap hardcore con samples de soul y funk clásicos como el de “T Stands for Trouble” de Marvin Gaye en “Le Monde de Demain”.

El resultado fue un sonido sin precedentes en la escena francesa: beats secos, scratches afilados y un flow visceral, cargado de rabia y lucidez. El disco incluye temas que se convirtieron en auténticos manifiestos de época, como “Authentik”, “C’est Clair” o “Le Monde de Demain”, donde NTM denuncia el abandono de los barrios populares y la indiferencia política hacia la juventud.

También aparecen cortes icónicos como “L’Argent Pourrit les Gens” o “Blanc et Noir”, donde el grupo aborda la desigualdad, el racismo y la corrupción con una contundencia inédita en el rap francés de aquel momento. A pesar de las polémicas y la censura mediática inicial, Authentik logró vender 70.000 copias durante su primera gira y alcanzó finalmente el Disco de Oro en 1996.

Su éxito consolidó a NTM como los pioneros del rap con mensaje social en Francia, influyendo directamente en generaciones posteriores de artistas como IAM, Assassin o Sniper. La portada, obra de los grafiteros Mode 2, Kea y Colt, y las fotos de Wilfrid Azencoth, reflejan la estética del movimiento hip hop parisino de los 90, donde convivían música, danza, graffiti y reivindicación social. En 2016, para su 25º aniversario, el álbum fue reeditado con temas en vivo, remezclas, instrumentales y un libreto de Olivier Cachin, reafirmando su estatus como piedra angular del rap frances.

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Grabado entre 1990 y 1991 en The Music Palace (Long Island, Nueva York) y producido por The Bomb Squad junto a The Imperial Grand Ministers of Funk, el disco supuso un punto de inflexión en la carrera del grupo liderado por Chuck D, Flavor Flav y Terminator X. Tras el robo de los discos duros con años de material, la banda tuvo que reconstruir desde cero su sonido, apostando por una producción más directa, con instrumentación en vivo y un enfoque aún más combativo.

El resultado fue uno de los álbumes más incendiarios e influyentes del hip hop de los noventa, con himnos como “Can’t Truss It”, “By the Time I Get to Arizona”, “Shut ’Em Down” o “Nighttrain”, donde Public Enemy denuncian el racismo sistémico, la manipulación mediática y la desigualdad social.

El videoclip de “By the Time I Get to Arizona” generó polémica por su crítica al gobernador que se negó a reconocer el festivo de Martin Luther King Jr. La colaboración con Anthrax en “Bring tha Noize” consolidó la unión entre el hip hop y el metal, anticipando el auge del crossover noventero y abrió el camino a cientos de bandas que aún hoy siguen haciendo rap metal.

Colaboran tambien en el disco: Sister Souljah y True Mathematics. Musicalmente, el álbum combina bases de hardcore hip hop y rap político con una fuerza rítmica arrolladora, que ademas cuenta con beats de Gary G-Wiz, Cerwin “C-Dawg” Depper, Stuart Robertz y The JBL. Aclamado por la crítica, Apocalypse 91… recibió cinco estrellas en AllMusic y The Guardian, fue elegido segundo mejor álbum del año 1991 por The Village Voice, y se considera uno de los pilares de la golden era del hip hop.

En 1991 alcanzó el nº4 en Billboard 200 y fue certificado disco de platino en EE.UU. Esta reedición de 2025 conserva el sonido original remasterizado, fundas interiores impresas con letras y fotografías, y un acabado de lujo que reivindica uno de los álbumes más poderosos, visionarios y socialmente comprometidos de la historia del rap.

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El álbum cuenta con nombres como R.E.M., Nick Cave and the Bad Seeds, Pixies, Lloyd Cole, John Cale, Ian McCulloch, Robert Forster o The House of Love, entre otros. Cada artista aporta su visión sobre el universo Cohen, desde la fidelidad emocional hasta la deconstrucción más libre.

En ese sentido, destaca especialmente la versión de “Tower of Song” firmada por Nick Cave: un collage editado a partir de una jam de más de una hora, transformado en una interpretación radical y casi experimental. I’m Your Fan no es un simple disco de versiones: es un retrato colectivo del respeto (y también la libertad creativa) que el universo de Leonard Cohen ha generado entre músicos de distintas escenas y estilos. Folk, indie rock, post-punk o art pop se dan la mano para rendir homenaje a una obra inagotable.

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El medio AllMusic hablando de la música del álbum comentó “sorprendentemente elaborada y con pretensiones artísticas”. Como prueba de ello tenemos varias canciones con afinaciones alternativas, compases inusuales y las letras más poéticas a la vez que evocadoras. El enfoque en la escena grunge de Seattle ayudó a dar a conocer a Badmotorfinger, y los sencillos “Outshined” y “Rusty Cage” tuvieron una gran audiencia en la radio rock y en MTV.

Aqui en el estado tuvo mucha repercusión tambien el videoclip del tema Jesus Christ Pose. Badmotorfinger se convirtió en el álbum de la banda con mejor clasificación en aquel momento en el Billboard 200, donde alcanzó el puesto número 39. El álbum recibió elogios de la crítica, destacando las mejoras significativas con respecto a los lanzamientos anteriores y la evolución del sonido de la banda.

Soundgarden promociona el álbum con giras por Norteamérica y Europa, abriendo shows para Guns N’ Roses en el Use Your Illusion Tour. En 1992, Badmotorfinger fue nominado al Grammy a la Mejor Interpretación de Metal. Fue certificado doble platino por la Recording Industry Association of America en 1996. El disco se grabó en los estudios de A&M, Studio D, Bear Creek y fue producido por Terry Date junto a la propia banda.

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Para este concierto ya solo quedaba el cantante John Joseph y el bajista Harley Flanagan de su formación original. Inicialmente sólo fueron publicados en CD, aunque hay una edición en vinilo de 1998, en 2022 el sello inglés Back On Black vuelve a editarlos en vinilo con una portada diferente. Este primer volumen incluye 18 puñetazos entre los que destacan: We Gotta Know, Apocalypse Now, Age Of Quarrel o Hard Times.

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Para este concierto ya solo quedaba el cantante John Joseph y el bajista Harley Flanagan de su formación original. Inicialmente sólo fueron publicados en CD, aunque hay una edición en vinilo de 1998, en 2022 el sello inglés Back On Black vuelve a editarlos en vinilo con una portada diferente. Este volumen incluye 18 puñetazos entre los que destacan: We Gotta Know, Apocalypse Now, Age Of Quarrel o Hard Times.

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