Esa experiencia vital marcó el tono del disco: un viaje de vulnerabilidad, renacimiento y fuerza interior. El título Mood Valiant hace referencia a los dos coches Valiant Safari que tenía su madre: uno blanco y otro negro y que conducía según su estado de ánimo.

Grabado entre Melbourne, Byron Bay y Río de Janeiro, el álbum contó con la producción de la propia banda y la colaboración del legendario arreglista brasileño Arthur Verocai, que aporta su característico color orquestal en piezas como “Get Sun” o “Flight of the Tiger Lily”. La grabación se realizó en estudios como Rockinghorse, Grove Studios, Found Heads o Cia.

Dos Técnicos, y fue masterizada por Dan Ellison en Optimal Media GmbH. Con un sonido que combina neo-soul, jazz, funk y R&B progresivo, Mood Valiant deslumbra por sus texturas cálidas, armonías impredecibles y una producción exquisita. El grupo formado por Nai Palm, Paul Bender, Simon Mavin y Perrin Moss alcanza aquí su punto más maduro y ambicioso, sin perder el alma libre que los caracteriza.

El disco fue ampliamente elogiado por la crítica internacional y obtuvo varias nominaciones, entre ellas Mejor Álbum Progresivo R&B en los Grammy Awards 2022, además de reconocimientos en los premios ARIA, Music Victoria y AIR. Con Mood Valiant, Hiatus Kaiyote consolidó su lugar como una de las formaciones más originales y creativas del soul contemporáneo.

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Las canciones fueron compuestas en su mayoría tres años antes de la grabación de las voces, mientras Mike Patton estaba centrado en su trabajo con el grupo Mr. Bungle. Duane Denison definió el resultado como “rock cinematográfico”, con temas como Doomsday Fatigue inspirados en el ambiente de los westerns, o Eureka, influido por la ciudad natal de Patton.

El disco refleja y a la vez busca escapar de la tensión del momento histórico en el que se gestó, en plena pandemia de COVID-19. Precedido por los sencillos Business Casual y Dog Eat Dog, este último acompañado de videoclip, Tonic Immobility fue bien recibido por la crítica y alcanzó el número 1 en la UK Independent Album Breakers Chart, el número 5 en la UK Rock & Metal Album Chart, el 18 en las listas australianas ARIA y el 34 en la Swiss Hitparade. Un disco que no hace más que reafirmar la capacidad del supergrupo para fusionar creatividad y atmósferas en cada composición.

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En este nuevo trabajo consiguen fusionar la veteranía de llevar 28 años en activo con su estilo hardcore habitual con guiños punk y thrash metal con la frescura de un sonido actual y melodías adaptadas a los tiempos que corren. Destacan en lo musical temas como Diamantes y Miseria, Un Mundo Nuevo, La Puta Vida o Emergencia.

En las letras siguen tan incisivos como siempre con cortes como Ni Un Paso Atrás, Entre España y La Pared o la explícita Fuck You Donald Trump con la que no podemos estar más de acuerdo: “Cerdo fascista, cerdo capitalista, cerdo machista, cerdo racista, cerdo millonario, … puto bastardo!! Fuck You Donald Trump, Fuck You Donald Trump”.

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Empezó a escuchar a los Ramones, Misfits y otras bandas de punk rock a los 12 años. Se hizo su primer tatuaje a los 14 y dejó la escuela a los 16 para dedicarse al tatuaje. Desde pequeña, Kat pasaba horas al piano, reforzada por una formación clásica y una pasión inquebrantable por la música. Tomó clases de canto casi a diario con Ken Tamplin y en 2012 empezó a componer junto a Linda Perry, leyenda nominada a los Grammy. Tras esta colaboración, Kat continuó escribiendo en solitario, construyendo un universo sonoro íntimo y visceral.

En 2014, se trasladó a Londres para grabar las primeras mezclas del álbum, cuya mezcla final corrió a cargo de Dan Haigh (Gunship), aportando el toque retro-futurista característico. El disco ofrece un viaje emocional a través de sintetizadores analógicos, paisajes post-punk, tintes góticos y una sensibilidad pop melancólica. Destacan temas como “Exorcism” (primer single), “Protected” con la colaboración especial de Peter Murphy (Bauhaus), coescrita y coproducida con Danny Lohner (Nine Inch Nails, A Perfect Circle), y “The Calling”, que incorpora la colaboración de la legendaria actriz Vampira y de Robert Harvey de The Music.

Love Made Me Do It es una carta de presentación audaz y oscura, un reflejo directo de la personalidad magnética y transgresora de Kat Von D, que se adentra en su propio universo para mostrar una faceta artística tan vulnerable como poderosa.

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Este no es un libro sólo sobre música, aunque la atraviesa en cada página; es un viaje por los márgenes del sistema: furgonetas destartaladas, conciertos imposibles, okupas, curritos, gasolineras, horas soldando bajantes y mucha, muchísima calle.

Pero también es un recorrido por la construcción del pensamiento crítico, la militancia marxista y la cultura popular que alimentó las letras afiladas de Los Chikos del Maíz. Con prólogo de Cristina Fallarás y epílogo de Toni Mejías (compañero inseparable en la banda), Nega desgrana los inicios del grupo, sus contradicciones, sus principios inquebrantables y el orgullo del extrarradio sin edulcorantes ni épicas impostadas. Escrito con rabia, humor y una brutal sinceridad, el libro también cuestiona el papel de la música en la industria, la hipocresía cultural y el cinismo político.

No importa si conoces o no la trayectoria de Los Chikos del Maíz: este libro es para quienes buscan una historia real, contada sin filtros y con un lenguaje que golpea como un verso bien escupido. Política, rap, militancia y vida cotidiana se mezclan en estas páginas cómo se mezclaban los beats y las rimas en las salas con el peor sonido del país.

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Azerrad, periodista y autor de referencia de la escena indie norteamericana (Nuestro Grupo Podría Ser Tu Vida), tuvo acceso directo a Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl, así como a amigos, ex miembros y colaboradores clave de Nirvana. El resultado es una obra íntima, honesta y profundamente humana que retrata tanto el ascenso meteórico del grupo como las sombras que acechaban a su líder: la depresión, el dolor físico y la adicción.

A través de casi 500 páginas, Azerrad traza no solo la historia de Nirvana, sino también la de una generación: la Generación X, marcada por el desencanto y la búsqueda de identidad a través del grunge y el rock alternativo. Además de narrar los inicios del grupo en Aberdeen, sus días en Sub Pop y su explosión global con Geffen, el libro analiza en profundidad los tres álbumes fundamentales del grupo y repasa con detalle canciones icónicas como Smells Like Teen Spirit, Lithium, Heart-Shaped Box o All Apologies.

Esta edición incluye más de cien fotografías, flyers, posters y letras manuscritas, así como un capítulo adicional escrito tras el suicidio de Cobain en abril de 1994. Casi tres décadas después, sigue siendo una lectura imprescindible para comprender el impacto cultural y musical de Nirvana, y conocer algo más de cerca a su alma, Kurt Cobain.

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Pasa jeringas a Kurt Cobain, se chuta con Layne Staley, y sobrevive a duras penas mientras su banda explota en medio del huracán del grunge. Todo contado con una prosa afilada, sucia y honesta. Entre las anécdotas más salvajes, los destellos de humor oscuro y la autodestrucción sin un ápice de épica, se dibuja el retrato de alguien que nunca estuvo en el lado luminoso de nada.

Lanegan no baja al barro, nació allí. El resultado es uno de los libros más duros y auténticos jamás escritos por un músico. Un relato de supervivencia contado sin heroísmo. Aquí algunas palabras de figuras de la industria tras su lectura: «Mark Lanegan: primitivo, brutal y apocalíptico. ¿Cómo no íbamos a quererlo?» Nick Cave. «El exlíder de Screaming Trees no omite absolutamente nada en el relato crudo de su vida antes de desintoxicarse. A lo largo de este libro, pasa heroína a Kurt Cobain, se chuta con Layne Staley y se retuerce en el suelo víctima del mono.

Entre su adicción a las drogas y al sexo, uno se pregunta cómo pudo vivir para contar su historia o cómo pudo ser capaz de recordarla. En comparación con cualquiera de sus colegas, no hay nadie más chungo que Lanegan, pero su capacidad de enfrentarse a sus demonios y no pocas anécdotas divertidísimas (como cuando puso a Liam Gallagher de Oasis en su sitio) hacen de este libro una de las memorias del rock más absorbentes y reveladoras de todos los tiempos.» Kory Grow, Rolling Stone. «Sing Backwards and Weep es la biografía incendiaria definitiva del rock que prometía ser pero también mucho más que eso.

Es tan honesta, preciosa y profundamente conmovedora… Toda la alegría y el dolor de vivir están aquí.» Irvine Welsh. «Una historia oscura de normalidad disfuncional y realidad enferma. En guerra con el mundo y consigo mismo, Mark Lanegan escribe como canta, desde el corazón dolorido de un alma quebrada, con una honestidad brutal.» Bobby Gillespie. «Sing Backwards and Weep tiene una potencia arrolladora; es brutal y aterradoramente honesto. Lo primero que me vino a la mente fue: “Mark Lanegan le confiere al término ‘chico malo’ un significado completamente nuevo”.

Además de historias crudas y salvajes de drogas duras, sexo y grunge, es también el relato de un artista conmovedor que rechazó la oscuridad cuando esta trató de engullirlo y que encontró la redención a través de la gracia y el poder de una música única y brillante.» Lucinda Williams.

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En la mezcla encontramos pasajes cercanos al shoegaze, líneas vocales que juegan entre lo etéreo y lo carnal, y una base instrumental que se mueve entre el post-rock y el alt-rock con sabor a los últimos coletazos del siglo XX. El artwork de este trabajo es obra de Error! Design y tiene una de sus ilustraciones impresa en la cara B del disco convirtiendo esta edición limitada a 300 copias en un vinilo único.

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11 nuevos temas en los que mezclan estilos como el eurodisco, el eurobeat, el synth pop o hasta el K-Pop. Hikikomori toma su nombre del fenómeno japonés que describe a las personas que se aíslan de la sociedad en sus habitaciones, una metáfora que Onki Xin convierte en vehículo para reflexionar sobre la alienación contemporánea.

En general un álbum muy bailable, escrito desde dentro con mensajes muy poderosos que se van sucediendo camuflados en la bailabilidad. “Porque un pueblo que baila nunca morirá, y el baile con electrónica tampoco”.

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Cuenta con colaboraciones de la guitarrista Kim Thayil, Jody Sanders (madre del bajista Troy Sanders) en la trompa y Scott Kelly que no cantaba en un disco de Mastodon desde su disco Remission publicado en 2022. La producción del disco corre a cargo de David Bottrill, conocido por sus trabajos con Tool o King Crimson. “Hushed and Grim” debutó en el puesto 20 del Billboard 200 y recibió críticas mixtas, destacando su complejidad musical y profundidad emocional.

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Contaron con el productor estadounidense Mike Elizondo y es el primer disco en el que cuenta con una colaboración vocal, en concreto la del cantante, compositor y productor británico Blood Orange. Con este disco consiguieron perder a gran parte de su base de fans inicial, pero por contra llegaron masivamente a un público de todo el mundo.

Sin duda es un disco tan bueno como arriesgado para lo que venían haciendo y que ha confirmado a la banda como un de las propuestas más originales y frescas que ha salido en mucho tiempo. Si aún no escuchaste Glow On, dale una pasada.

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Con influencias del hardcore punk y el rapcore, el disco destaca por la contundencia de las guitarras de Mr. Chifly y David Langa, la base rítmica firme de José al bajo y Antonio Rebato a la batería, y la voz incendiaria de M.A.R.S., que dispara cada frase con una claridad y rabia características. “Sociedad Mecanizada” no solo sentó las bases del estilo de Habeas Corpus, sino que abrió un camino de compromiso político y actitud inconformista que sería su sello durante más de dos décadas.

Una obra esencial para entender la primera mitad de los años 90 en el hardcore estatal, donde la protesta y la energía iban de la mano. En 2002 el sello Lengua Armada regentado por Nano Vegano, reeditó en CD el disco con una nueva portada y en 2021 Potencial Hardcore decide lanzarlo por primera vez en vinilo con una edición limitada en vinilo amarillo y otra en vinilo de color negro que fue masterizada en Corleone Studio (Madrid) por Mr. Chifly para la ocasión, esta nueva edición tambien lleva una portada diferente a la original y a la edición en CD de 2002.

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