El título de la obra es una referencia directa y compartida, ya que marca exactamente el año de nacimiento de sus tres jóvenes componentes. El disco funciona como un crisol de influencias donde convergen la actitud del rock alternativo de los noventa, la cadencia rítmica del funk y el peso del hard blues de los setenta.

Todo ello hilado a través de letras en castellano que, lejos de estancarse en un único género, recogen matices líricos que beben tanto de cantautores clásicos como de la escena del rap nacional. Para trasladar fielmente al estudio la intensa energía que la banda despliega en sus directos, las sesiones de grabación contaron con la supervisión técnica del productor Ricardo Escassi.

Con el objetivo de lograr un sonido intencionadamente crudo, cálido y real, el grupo decidió grabar toda la base instrumental tocando en directo a lo largo de once jornadas de intenso trabajo. El resultado es un repertorio de diez pistas entre las que destacan cortes como Almas, Sin Rumbo o el homónimo 1995 que huye de la sobreproducción digital para apostar firmemente por la tracción humana, el groove y la contundencia de las guitarras.

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Históricamente, este lanzamiento marcó el final de la primera etapa del grupo, siendo su último trabajo antes de separarse dos años más tarde y el registro final que incluiría a la bajista fundadora Kim Deal. A nivel compositivo, el repertorio fue escrito casi en su totalidad por el vocalista Black Francis, inclinando el sonido general hacia texturas más pesadas y cercanas al heavy rocken cortes como Planet of Sound o Subbacultcha.

La grabación recayó sobre la alineación formada por Francis a la guitarra rítmica, Joey Santiago en la guitarra solista, Kim Deal al bajo y David Lovering en la batería. A este núcleo se sumó la colaboración especial de Eric Drew Feldman aportando teclados y sintetizadores, además de Jef Feldman tocando la tabla y el derbake en un par de pistas.

Entre los quince cortes destaca también la inclusión de Head On, una enérgica versión del tema original de The Jesus and Mary Chain. Alcanzó el séptimo puesto en las listas británicas y superó las 359.000 copias vendidas en Estados Unidos, obteniendo además certificaciones de plata en Reino Unido y oro en Francia. Para el 11 de septiembre de 2026 está programada la salida de una nueva reedición remasterizada que renueva el sonido clásico de la banda.

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Como excepción, el tema Blown Away fue registrado durante una sesión especial en los Hansa Tonstudio de Berlín. La masterización del álbum corrió a cargo del ingeniero Howie Weinberg. A diferencia de sus trabajos anteriores, gran parte del material fue compuesto por Black Francis directamente en el estudio de grabación, trabajando casi sin maquetas previas ni grandes periodos de ensayo.

La ejecución de las catorce pistas recayó sobre la formación clásica del cuarteto con el propio Francis a la voz y guitarra rítmica, Joey Santiago en la guitarra solista, Kim Deal al bajo y coros, y David Lovering en la batería, sumando únicamente la aportación externa de Robert F. Brunner tocando el theremin.

Dentro del repertorio destacan sencillos con gran rotación radiofónica como Velouria y Dig for Fire, además de la pista de apertura Cecilia Ann, original del grupo de música surf The Surftones. Comercialmente, el disco logró un notable desempeño internacional. Alcanzó el tercer puesto en la lista de álbumes del Reino Unido y escaló hasta el número 70 en el Billboard 200 estadounidense.

Superó las 281.000 copias en el mercado norteamericano, consiguiendo además certificaciones de disco de oro tanto en Francia como en territorio británico. En septiembre de 2026 se publicará una nueva reedición cuyo audio ha sido remasterizado por el ingeniero Kevin Vanbergen partiendo de las cintas analógicas originales, logrando un sonido que revela nuevas capas instrumentales de la obra original.

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El disco vera la luz en el otoño de 2026 y reafirma el inquebrantable compromiso político del legendario guitarrista de Rage Against The Machine, abordando temáticas como el antifascismo y los derechos de los inmigrantes sobre una base de contundentes riffs y su característica experimentación sonora.

Para dar forma a este trabajo, Morello ha contado con un amplio equipo de productores formado por Tyler Smyth, Carl Restivo, Zakk Cervini, Dan Carey y Sam Nelson Harris. Destaca muy especialmente en el apartado compositivo e instrumental la participación de su hijo de quince años, Roman Morello, quien coescribe y graba guitarras en cinco de los doce temas que componen el repertorio, incluyendo el riff principal del sencillo Date Night, inspirado en la resistencia holandesa durante la Segunda Guerra Mundial.

A lo largo del disco colaboran tambien Serj Tankian de System of a Down en el tema Adjourn It, el trío de rap irlandés Kneecap en Unconquered y la banda de metalcore Beartooth en el corte Everything Burns.

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La formación clásica compuesta por J Mascis a la voz y guitarra, Lou Barlow al bajo y voz, y Murph a la batería, cuentan de forma puntual con las aportaciones al piano y órgano del músico Ken Mauri. Para moldear el sonido de estas nuevas grabaciones, J Mascis utilizó un amplificador Mesa Boogie MK 1 de los años setenta, buscando replicar intencionadamente la sonoridad técnica que el productor Chris Dixon capturó en el álbum debut del grupo.

El repertorio resultante supone un retorno a la melodía pop envuelta en distorsión, apartándose del enfoque más pulido de sus entregas recientes para abrazar la imperfección y la crudeza.

En el tracklist, formado por once canciones, Barlow asume la autoría y la voz principal en dos cortes (Blowin’ Up y No One’s Ready), mientras que Mascis despliega sus habituales progresiones melancólicas y solos de guitarra en temas como Put It Down, No Friends, Everything at Once o Read the Room.

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El repertorio está compuesto por nueve canciones cuyas letras han sido escritas por Josh Homme y la música compuesta por la banda en su totalidad. Entre las pistas se incluyen los sencillos de adelanto Easy Street, que cuenta con la colaboración de Nikki Lane y es el primer tema nuevo grabado en estudio en el que grupo colabora con una artista que no pertenece al grupo.

El segundo adelanto es Insignificant Other, pieza central del disco cuyo videoclip promocional fue dirigido por Chapman Baehler. El concepto del título altera la palabra “perfect” para reflejar la visión de Homme de que la perfección es deshonesta, explorando a nivel lírico emociones como el amor, el deseo y la insensatez.

El lanzamiento se edita en formato CD, vinilo negro estándar y una versión en vinilo transparente para tiendas independientes, las reinas de la edad de piedra están de vuelta.

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Con formación de power trío grabaron este trabajo Greg Sage a la voz y guitarras, Brad Davidson al bajo y Steve Plouf en la batería. Compuesto por 9 cortes el álbum profundiza en un sonido algo más duro que en trabajos anteriores y en ellos se respira esa atmósfera oscura que consolidó el sonido de culto de la formación.

Todos los temas estas escritos y compuestos por Greg Sage destacando la pista homónima Land of the Lost, Just a Dream Away, Way of Love, Fair Weather Friends, Nothing Left to Lose o Let Me Know, corte que fue seleccionado para formar parte de la banda sonora oficial de la película River’s Edge. La ilustración de la portada es un trabajo artístico de Chris Newman.

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A día de hoy debe acumular más de 1,9 millones de copias vendidas solo en Estados Unidos, alcanzando la certificación de disco de platino otorgada por la RIAA. La producción del álbum corrió a cargo de Jack Endino, y el coste de su grabación fue de 606,17 dólares financiados por Jason Everman (quien figura acreditado y fotografiado como segundo guitarrista en el encarte para integrarle en el grupo, aunque no participó instrumentalmente en las sesiones).

La alineación principal de esta grabacion estaba formada por Kurt Cobain en la voz principal y guitarra, Krist Novoselic en el bajo y Chad Channing en la batería y pandereta, sumando la presencia de Dale Crover (baterista de Melvins) en las percusiones de los cortes Floyd the Barber, Paper Cuts y Downer.

El diseño del álbum contó con una fotografía para la portada realizada por Tracy Marander durante un concierto en el Olympia. Tras el éxito de Nevermind, el disco alcanzó el puesto 33 en la lista UK Albums Chart del Reino Unido y la casilla 89 de la lista US Billboard 200 en Estados Unidos. Sin duda un debut que forma parte de la historia del rock mundial y en especial del grunge o rock alternativo.

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Para la promoción del lanzamiento, el grupo colaboró en la creación del videojuego de 16 bits “Torche vs Robots: Annihilation Affair”. A nivel comercial, el trabajo supuso un hito para la banda al alcanzar el puesto 133 en la lista Billboard 200.

Musicalmente, el disco recupera una faceta más pesada y cruda cercana al sludge, distanciándose de la luminosidad de su anterior entrega, Harmonicraft. La crítica destacó canciones como “Annihilation Affair” por su densidad sonora y cortes como “Blasted” o “Loose Men” por mantener su característica estructura melódica.

El álbum cierra con el tema homónimo “Restarter”, una tema de ocho minutos que define esta etapa del cuarteto y nos recuerda porque Torche es una banda muy a tener en cuenta.

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El líder de Soundgarden, Chris Cornell, había sido compañero de cuarto de Andrew y se acercó a los ex miembros de Mother Love Bone, Stone Gossard y Jeff Ament, para trabajar en el material que había escrito cuando estaba de gira con Soundgarden en Europa.

La formación finalmente incluyó al baterista de Soundgarden Matt Cameron y a los recién llegados Mike McCready (guitarra principal) y Eddie Vedder (coros). McCready y Vedder aparecieron en el disco por su participación en el siguiente proyecto de Ament y Gossard, proyecto que terminaría convirtiéndose en Pearl Jam.

El nombre Temple of the Dog surge de la letra inicial de la canción de Mother Love Bone “Man of Golden Words”: “Quiero mostrarte algo, como la alegría dentro de mi corazón. Parece que he estado viviendo en el templo del perro”. Un disco de culto para los amantes del grunge y el rock alternativo de los 90.

La última edición europea en vinilo de The Temple of The Dog, se publico en 2016 y literalmente voló, provocando que la reventa del disco llegara en muchos casos a las tres cifras. Si quieres tenerlo en tu colección, no te lo pienses mucho. La edición en doble CD incluye 3 bonus tracks con nuevas mezclas en el CD1 y el CD2 incluye demos, rarezas y algunos temas que no habían sido publicados hasta edición deluxe 25 aniversario.

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Se encargo del sonido de la grabación Mike Shumaker, mientras que Eric Stenman lo hizo de la mezcla y la masterización. El álbum consta de 24 canciones que abarcan su discografía desde Identity Crisis (2001) hasta Major/Minor (2011).

El diseño de la portada utiliza un mapa antiguo de las carreteras de Orange County, California. En su lanzamiento, alcanzó el puesto número 4 en la lista Billboard Hard Rock Albums y el número 13 en Independent Albums.

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Concebido durante los años de aislamiento, el vocalista Jay Buchanan definió el álbum como una representación del “mitosis cultural de la pandemia y el debilitamiento del tejido social estadounidense”. Este trasfondo emocional impregna las ocho canciones del disco, que exploran la resiliencia, la pérdida y la reconstrucción personal.

Entre los sencillos más destacados se encuentran “Nobody Wants to Die” que es un temarral, que sí siguiera habiendo tugurios de rock como en los 80 o los 90 no pararía de sonar en todos y cada uno de los que salieran minímamente de las bandas clásicas. Destacan tambien temas como Bird in the Hand o Raptura, ambos ejemplos del equilibrio entre la intensidad del rock clásico y la energía moderna característica de la banda.

El álbum fue recibido con entusiasmo por la crítica: Classic Rock Magazine le otorgó cuatro estrellas, destacando que Rival Sons suenan “más agudos, profundos e intensos que nunca”, mientras que Metal Injection lo calificó con un 7,5/10, señalando que el grupo logra equilibrar composiciones directas con temas más complejos.

Darkfighter abre con la potente “Mirrors” y culmina con la envolvente “Darkside”, componiendo un viaje emocional y sonoro que confirma el excelente estado creativo de la banda. El disco alcanzó posiciones destacadas en Europa, llegando al nº15 en Alemania, nº7 en Escocia y nº10 en Suiza, el numero 2 en la UK Rock & Metal Albums o el 9 en la US Heatseekers Albums, consolidando a Rival Sons como una de las formaciones más sólidas del rock contemporáneo.

El proyecto se completa con su disco hermano, “Lightbringer”, editado en octubre del mismo año, formando un díptico conceptual sobre la oscuridad y la redención.

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Temas como “Black Hole Sun”, “Spoonman”, “Fell on Black Days” o “The Day I Tried to Live” se convirtieron en himnos de una generación que encontró en la voz de Chris Cornell una gran conexión, una fuente de introspección y rebeldía. El disco fue aclamado tanto por su riqueza compositiva como por su ambición sonora, incorporando afinaciones graves, tempos irregulares y una producción envolvente que rompió con los estándares del género.

Superunknown alcanzó el número 1 en el Billboard 200, ganó dos Premios Grammy y consolidó a Soundgarden como una de las bandas más innovadoras y poderosas de su tiempo. Más de tres décadas después, sigue siendo una obra maestra imprescindible del grunge y un testimonio eterno del talento de Cornell y su banda.

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Con influencias del rock alternativo, el space rock y el art rock, este lanzamiento se convirtió en un puente hacia el rumbo más melódico y atmosférico que consolidarían en su siguiente álbum de estudio, Jupiter. El EP contiene cinco cortes originales, entre los que destacan “Luminance” y “Sonata Brodsky”, además de una versión del Magnified de Failure.

La formación que lo registró estuvo compuesta por Stephen Brodsky en voz y guitarra, Adam McGrath en guitarra, Caleb Scofield al bajo y John-Robert Conners en batería. La portada y la dirección artística corrieron a cargo de Jacob Bannon (Converge), aportando un diseño distintivo a la edición.

En 2025 su sello actual Relapse Records, reedita todo su discografía incluyendo este trabajo que siempre se había publicado con Hydra Head Records.

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El álbum fue precedido por la versión de Cornell de “Patience” de Guns N ‘Roses, lanzada como sencillo el 20 de julio de 2020, en honor a su 56 cumpleaños. El sencillo se convirtió en la primera canción en solitario de Cornell en alcanzar el número 1 en la lista Mainstream Rock de Billboard.

En resumen el disco reúne 10 versiones cuidadosamente seleccionadas que resaltan el impresionante rango vocal y la profundidad emocional de Cornell; es un homenaje personal a las canciones y artistas que marcaron su vida musicalmente hablando.

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El álbum alcanzó el puesto 117 en la lista Billboard 200 y llegó al número 2 en la clasificación Heatseekers, confirmando a L7 como una de las formaciones más potentes de la escena. Uno de sus cortes más destacados, “Fuel My Fire”, se basó en el tema Lost Cause de Cosmic Psychos y más tarde sería versionado por The Prodigy en su exitoso The Fat of the Land (1997), lo que impulso de nuevo el reconocimiento del grupo.

El título Hungry for Stink surgió de un anuncio visto en la revista Bear Magazine, un medio gay dirigido a hombres corpulentos y velludos, demostrando la ironía y provocación características del cuarteto. Con el paso del tiempo, Hungry for Stink se ha consolidado como uno de los trabajos más duros y crudos de la banda angelina, marcando el final de una etapa antes de su largo parón posterior.

Aunque menos inmediato que Bricks Are Heavy (1992), hoy se reconoce como una pieza fundamental para entender la evolución de L7 y su legado en el grunge y el rock alternativo de los años noventa.

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Ofrece seis cortes imbuidos de rockabilly, country-punk y humor ácido como All Fucked Out y Karma Too Close. The Mississippi Medicals cuenta en su formación con Laura Jane Grace, Matt Patton, Mike Yannich y París Campbell Grace.

Dial Back Sound lo edita en CD y vinilo en Estados Unidos y en Europa sale esta edición limitada a 500 copias en vinilo rojo de la mano del sello Big Scary Monsters.

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El proceso de creación comenzó a principios de 2020 con el productor Sam Petts-Davies, pero la pandemia obligó a las cuatro integrantes a completar la grabación desde estudios caseros improvisados. Aunque el trabajo estaba terminado tiempo atrás, decidieron retrasar su salida hasta poder girar para promocionarlo.

Este intervalo les permitió reconstruir y pulir cada canción hasta su versión final. Con una duración de algo más de 41 minutos, el álbum mantiene la identidad etérea y atmosférica del grupo, con capas melódicas, armonías vocales y un pulso rítmico muy cuidado. Radiate Like This obtuvo críticas mayoritariamente favorables, con una puntuación media de 79 sobre 100 en Metacritic, consolidando a Warpaint como una de las propuestas más personales dentro del indie rock contemporáneo.

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Las canciones fueron compuestas en su mayoría tres años antes de la grabación de las voces, mientras Mike Patton estaba centrado en su trabajo con el grupo Mr. Bungle. Duane Denison definió el resultado como “rock cinematográfico”, con temas como Doomsday Fatigue inspirados en el ambiente de los westerns, o Eureka, influido por la ciudad natal de Patton.

El disco refleja y a la vez busca escapar de la tensión del momento histórico en el que se gestó, en plena pandemia de COVID-19. Precedido por los sencillos Business Casual y Dog Eat Dog, este último acompañado de videoclip, Tonic Immobility fue bien recibido por la crítica y alcanzó el número 1 en la UK Independent Album Breakers Chart, el número 5 en la UK Rock & Metal Album Chart, el 18 en las listas australianas ARIA y el 34 en la Swiss Hitparade. Un disco que no hace más que reafirmar la capacidad del supergrupo para fusionar creatividad y atmósferas en cada composición.

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Supuso el primer trabajo tras la salida de Nick Oliveri y la incorporación definitiva de Joey Castillo a la batería y Troy Van Leeuwen a la guitarra. Josh Homme, es acompañado aún por Mark Lanegan en varias pistas, firmó un disco cargado de oscuridad, erotismo y tensión, dejando de lado la furia rabiosa de su antecesor para adentrarse en atmósferas más viscosas.

El título se inspira en la frase final de “Mosquito Song”, y funciona como puente conceptual entre dos mundos: la locura de Songs for the Deaf y las pesadillas melódicas de este nuevo capítulo. El álbum debutó en el número 5 del Billboard 200 y fue disco de oro en Reino Unido. Pese a estar rodeado de rumores y cambios en la formación, Lullabies to Paralyze fue considerado por Pitchfork como “un trabajo compacto, peligroso y embriagador” (7.5/10), y por NME como uno de los discos del año (8/10).

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