Para la promoción del lanzamiento, el grupo colaboró en la creación del videojuego de 16 bits “Torche vs Robots: Annihilation Affair”. A nivel comercial, el trabajo supuso un hito para la banda al alcanzar el puesto 133 en la lista Billboard 200.

Musicalmente, el disco recupera una faceta más pesada y cruda cercana al sludge, distanciándose de la luminosidad de su anterior entrega, Harmonicraft. La crítica destacó canciones como “Annihilation Affair” por su densidad sonora y cortes como “Blasted” o “Loose Men” por mantener su característica estructura melódica.

El álbum cierra con el tema homónimo “Restarter”, una tema de ocho minutos que define esta etapa del cuarteto y nos recuerda porque Torche es una banda muy a tener en cuenta.

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El líder de Soundgarden, Chris Cornell, había sido compañero de cuarto de Andrew y se acercó a los ex miembros de Mother Love Bone, Stone Gossard y Jeff Ament, para trabajar en el material que había escrito cuando estaba de gira con Soundgarden en Europa.

La formación finalmente incluyó al baterista de Soundgarden Matt Cameron y a los recién llegados Mike McCready (guitarra principal) y Eddie Vedder (coros). McCready y Vedder aparecieron en el disco por su participación en el siguiente proyecto de Ament y Gossard, proyecto que terminaría convirtiéndose en Pearl Jam.

El nombre Temple of the Dog surge de la letra inicial de la canción de Mother Love Bone “Man of Golden Words”: “Quiero mostrarte algo, como la alegría dentro de mi corazón. Parece que he estado viviendo en el templo del perro”. Un disco de culto para los amantes del grunge y el rock alternativo de los 90.

La última edición europea en vinilo de The Temple of The Dog, se publico en 2016 y literalmente voló, provocando que la reventa del disco llegara en muchos casos a las tres cifras. Si quieres tenerlo en tu colección, no te lo pienses mucho. La edición en doble CD incluye 3 bonus tracks con nuevas mezclas en el CD1 y el CD2 incluye demos, rarezas y algunos temas que no habían sido publicados hasta edición deluxe 25 aniversario.

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Se encargo del sonido de la grabación Mike Shumaker, mientras que Eric Stenman lo hizo de la mezcla y la masterización. El álbum consta de 24 canciones que abarcan su discografía desde Identity Crisis (2001) hasta Major/Minor (2011).

El diseño de la portada utiliza un mapa antiguo de las carreteras de Orange County, California. En su lanzamiento, alcanzó el puesto número 4 en la lista Billboard Hard Rock Albums y el número 13 en Independent Albums.

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Concebido durante los años de aislamiento, el vocalista Jay Buchanan definió el álbum como una representación del “mitosis cultural de la pandemia y el debilitamiento del tejido social estadounidense”. Este trasfondo emocional impregna las ocho canciones del disco, que exploran la resiliencia, la pérdida y la reconstrucción personal.

Entre los sencillos más destacados se encuentran “Nobody Wants to Die” que es un temarral, que sí siguiera habiendo tugurios de rock como en los 80 o los 90 no pararía de sonar en todos y cada uno de los que salieran minímamente de las bandas clásicas. Destacan tambien temas como Bird in the Hand o Raptura, ambos ejemplos del equilibrio entre la intensidad del rock clásico y la energía moderna característica de la banda.

El álbum fue recibido con entusiasmo por la crítica: Classic Rock Magazine le otorgó cuatro estrellas, destacando que Rival Sons suenan “más agudos, profundos e intensos que nunca”, mientras que Metal Injection lo calificó con un 7,5/10, señalando que el grupo logra equilibrar composiciones directas con temas más complejos.

Darkfighter abre con la potente “Mirrors” y culmina con la envolvente “Darkside”, componiendo un viaje emocional y sonoro que confirma el excelente estado creativo de la banda. El disco alcanzó posiciones destacadas en Europa, llegando al nº15 en Alemania, nº7 en Escocia y nº10 en Suiza, el numero 2 en la UK Rock & Metal Albums o el 9 en la US Heatseekers Albums, consolidando a Rival Sons como una de las formaciones más sólidas del rock contemporáneo.

El proyecto se completa con su disco hermano, “Lightbringer”, editado en octubre del mismo año, formando un díptico conceptual sobre la oscuridad y la redención.

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Temas como “Black Hole Sun”, “Spoonman”, “Fell on Black Days” o “The Day I Tried to Live” se convirtieron en himnos de una generación que encontró en la voz de Chris Cornell una gran conexión, una fuente de introspección y rebeldía. El disco fue aclamado tanto por su riqueza compositiva como por su ambición sonora, incorporando afinaciones graves, tempos irregulares y una producción envolvente que rompió con los estándares del género.

Superunknown alcanzó el número 1 en el Billboard 200, ganó dos Premios Grammy y consolidó a Soundgarden como una de las bandas más innovadoras y poderosas de su tiempo. Más de tres décadas después, sigue siendo una obra maestra imprescindible del grunge y un testimonio eterno del talento de Cornell y su banda.

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Con influencias del rock alternativo, el space rock y el art rock, este lanzamiento se convirtió en un puente hacia el rumbo más melódico y atmosférico que consolidarían en su siguiente álbum de estudio, Jupiter. El EP contiene cinco cortes originales, entre los que destacan “Luminance” y “Sonata Brodsky”, además de una versión del Magnified de Failure.

La formación que lo registró estuvo compuesta por Stephen Brodsky en voz y guitarra, Adam McGrath en guitarra, Caleb Scofield al bajo y John-Robert Conners en batería. La portada y la dirección artística corrieron a cargo de Jacob Bannon (Converge), aportando un diseño distintivo a la edición.

En 2025 su sello actual Relapse Records, reedita todo su discografía incluyendo este trabajo que siempre se había publicado con Hydra Head Records.

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El álbum fue precedido por la versión de Cornell de “Patience” de Guns N ‘Roses, lanzada como sencillo el 20 de julio de 2020, en honor a su 56 cumpleaños. El sencillo se convirtió en la primera canción en solitario de Cornell en alcanzar el número 1 en la lista Mainstream Rock de Billboard.

En resumen el disco reúne 10 versiones cuidadosamente seleccionadas que resaltan el impresionante rango vocal y la profundidad emocional de Cornell; es un homenaje personal a las canciones y artistas que marcaron su vida musicalmente hablando.

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El álbum alcanzó el puesto 117 en la lista Billboard 200 y llegó al número 2 en la clasificación Heatseekers, confirmando a L7 como una de las formaciones más potentes de la escena. Uno de sus cortes más destacados, “Fuel My Fire”, se basó en el tema Lost Cause de Cosmic Psychos y más tarde sería versionado por The Prodigy en su exitoso The Fat of the Land (1997), lo que impulso de nuevo el reconocimiento del grupo.

El título Hungry for Stink surgió de un anuncio visto en la revista Bear Magazine, un medio gay dirigido a hombres corpulentos y velludos, demostrando la ironía y provocación características del cuarteto. Con el paso del tiempo, Hungry for Stink se ha consolidado como uno de los trabajos más duros y crudos de la banda angelina, marcando el final de una etapa antes de su largo parón posterior.

Aunque menos inmediato que Bricks Are Heavy (1992), hoy se reconoce como una pieza fundamental para entender la evolución de L7 y su legado en el grunge y el rock alternativo de los años noventa.

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Ofrece seis cortes imbuidos de rockabilly, country-punk y humor ácido como All Fucked Out y Karma Too Close. The Mississippi Medicals cuenta en su formación con Laura Jane Grace, Matt Patton, Mike Yannich y París Campbell Grace.

Dial Back Sound lo edita en CD y vinilo en Estados Unidos y en Europa sale esta edición limitada a 500 copias en vinilo rojo de la mano del sello Big Scary Monsters.

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El proceso de creación comenzó a principios de 2020 con el productor Sam Petts-Davies, pero la pandemia obligó a las cuatro integrantes a completar la grabación desde estudios caseros improvisados. Aunque el trabajo estaba terminado tiempo atrás, decidieron retrasar su salida hasta poder girar para promocionarlo.

Este intervalo les permitió reconstruir y pulir cada canción hasta su versión final. Con una duración de algo más de 41 minutos, el álbum mantiene la identidad etérea y atmosférica del grupo, con capas melódicas, armonías vocales y un pulso rítmico muy cuidado. Radiate Like This obtuvo críticas mayoritariamente favorables, con una puntuación media de 79 sobre 100 en Metacritic, consolidando a Warpaint como una de las propuestas más personales dentro del indie rock contemporáneo.

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Las canciones fueron compuestas en su mayoría tres años antes de la grabación de las voces, mientras Mike Patton estaba centrado en su trabajo con el grupo Mr. Bungle. Duane Denison definió el resultado como “rock cinematográfico”, con temas como Doomsday Fatigue inspirados en el ambiente de los westerns, o Eureka, influido por la ciudad natal de Patton.

El disco refleja y a la vez busca escapar de la tensión del momento histórico en el que se gestó, en plena pandemia de COVID-19. Precedido por los sencillos Business Casual y Dog Eat Dog, este último acompañado de videoclip, Tonic Immobility fue bien recibido por la crítica y alcanzó el número 1 en la UK Independent Album Breakers Chart, el número 5 en la UK Rock & Metal Album Chart, el 18 en las listas australianas ARIA y el 34 en la Swiss Hitparade. Un disco que no hace más que reafirmar la capacidad del supergrupo para fusionar creatividad y atmósferas en cada composición.

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Supuso el primer trabajo tras la salida de Nick Oliveri y la incorporación definitiva de Joey Castillo a la batería y Troy Van Leeuwen a la guitarra. Josh Homme, es acompañado aún por Mark Lanegan en varias pistas, firmó un disco cargado de oscuridad, erotismo y tensión, dejando de lado la furia rabiosa de su antecesor para adentrarse en atmósferas más viscosas.

El título se inspira en la frase final de “Mosquito Song”, y funciona como puente conceptual entre dos mundos: la locura de Songs for the Deaf y las pesadillas melódicas de este nuevo capítulo. El álbum debutó en el número 5 del Billboard 200 y fue disco de oro en Reino Unido. Pese a estar rodeado de rumores y cambios en la formación, Lullabies to Paralyze fue considerado por Pitchfork como “un trabajo compacto, peligroso y embriagador” (7.5/10), y por NME como uno de los discos del año (8/10).

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Corgan, por su parte, luchaba con bloqueos creativos, depresión y pensamientos suicidas, convirtiendo el proceso de grabación en una auténtica prueba de resistencia emocional y física. El álbum se grabó principalmente entre diciembre de 1992 y marzo de 1993 en Triclops Studios (Marietta, Georgia), con la producción de Butch Vig y el propio Corgan. La banda se trasladó allí para evitar distracciones y mantener a Chamberlin alejado de sus conexiones con las drogas.

La obsesión de Corgan por el perfeccionismo lo llevó a grabar él mismo gran parte de las guitarras y bajos, repitiendo secciones durante días hasta lograr el sonido exacto que buscaba. El resultado fue un disco ambicioso y cargado de capas, donde los muros de guitarras distorsionadas se mezclan con melodías emotivas y letras profundamente personales. Temas como “Cherub Rock”, “Today”, “Disarm” y “Rocket” se convirtieron en clásicos instantáneos y reflejan tanto la vulnerabilidad como la rabia de Corgan.

A pesar de los contratiempos y el presupuesto excedido, Siamese Dream debutó en el puesto número 10 del Billboard 200 y fue certificado cuádruple platino en Estados Unidos, vendiendo más de seis millones de copias en todo el mundo. Con el paso de los años, se ha consolidado como uno de los mejores álbumes de los 90 y una obra maestra del rock alternativo, aclamado tanto por crítica y como por público.

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Durante el proceso creativo se grabaron cerca de 20 canciones, pero el grupo decidió reducir el repertorio final a solo 10 cortes: directos, contundentes y sin concesiones. Como explicó Andy Cairns en diversas entrevistas, el objetivo era ofrecer una descarga de energía y catarsis tras el letargo pandémico, dejando fuera aquellos temas que consideraron demasiado sombríos para este momento de reencuentro con su público.

Hard Cold Fire transita con solvencia entre el metal alternativo y el rock alternativo, siguiendo la línea habitual del grupo: riffs cortantes, melodías retorcidas y letras incisivas. El primer adelanto, Joy, llegó acompañado de un videoclip el mismo día que se abrieron las pre ventas del disco, que se editó en varios formatos: CD, cassette y hasta seis ediciones diferentes en vinilo de colores. Lejos de vivir de rentas, Therapy? demuestra en este álbum que sigue siendo una de las propuestas más consistentes del rock europeo, manteniendo su espíritu crítico y su potencia intacta más de tres décadas después de sus inicios.

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En parte porque supone el debut de Graham Hopkins y Martin McCarrick como miembros oficiales, dando lugar a una nueva formación más estable y cohesionada. Con un enfoque más accesible pero sin perder su filo alternativo, Semi-Detached mezcla la distorsión con la melodía, dejando atrás parte de la crudeza de sus inicios y apostando por un sonido más redondo y emocionalmente denso. Producido por Chris Sheldon, junto a la propia banda y Matt Sime, el resultado es un álbum potente, melancólico y maduro.

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“Big Riff” fue la única canción de este trabajo que contenía voces guturales. Está grabado y producido por Brian McTernan (Battery, Ashes o Be Well) en su Salad Days Studio. En diciembre de 2009, la revista Decibel nombró a Jupiter como el segundo mejor álbum de metal de la década y en 2020, Metal Hammer lo situó como uno de los 20 mejores álbumes de metal del año 2000.

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A finales de 2023 se hizo pública la noticia de que iba a publicar Esc, su primer disco en solitario. Editado por Forbidden Colours nos ofrece 10 temas en los que Galder se encarga de escribir e interpretar todo los instrumentos como de la voz. En un ejercicio de autogestión completo el artwork del disco tambien es de su autoría. El disco está masterizado por Txufo Wilson.

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El quinto corte, la canción instrumental “Magnolia Caboose Babyshit” es una versión del tema de mismo título del grupo Blue Cheer, pero la canción todavía se acredita a Mudhoney. Ahora con motivo de 35 aniversario Sub Pop reedita este disco en vinilo verde o color petrol como indican en la nota de prensa. Una oportunidad única para tener este clásico en tu colección.

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Este nuevo trabajo llega justo tras la grabación de su extenso álbum conceptual de 33 pistas, titulado ‘Atum’. Con “Aghori Mhori Mei”, la banda se sumerge en las raíces de su icónico sonido de los años 90, un período en el que las guitarras distorsionadas y las voces intensas de Corgan eran el corazón de su música.

El disco está producido íntegramente por Billy Corgan. Tras el lanzamiento del álbum, la recepción de la crítica y los fans fue generalmente positiva. Muchos críticos elogiaron el álbum y a la banda por volver a un territorio familiar, incorporando un sonido más pesado que recuerda a sus primeros discos.

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The Colour and the Shape es considerado como un álbum definitorio del género post-grunge, con sus tres sencillos convirtiéndose en elementos básicos de la radio orientada al rock en los Estados Unidos. Fue uno de los álbumes de rock más vendidos de 1997 y 1998, y fue nominado a Mejor Álbum de Rock en la 40.ª edición de los Premios Grammy anuales

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