La masterización la llevo a cabo Efrén López en las instalaciones de To Katekhon, Mas de Flors. El trabajo presenta las colaboraciones de el músico estadounidense de Neurosis: Steve Von Till, que graba las voces en el tema homónimo Xuntas, y la de Germán Díaz que aporta su zanfona en el extenso corte Unha das peores cousas que escoitéi no 2019 foi “Pedir perdón é un acto de debilidade”.

Además de las piezas originales compuestas por Ursusson, la obra incluye una adaptación de la canción tradicional gallega Foliada de Tenorio. El apartado visual, diseño y maquetación de este trabajo es obra de Kaska Niemiro.

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El sonido de este trabajo profundiza en la atmósfera oscura característica de Wolfe, fusionando elementos del dark folk con texturas pesadas propias del doom metal y el gothic rock. Fue grabado buscando capturar una sensación de aislamiento y claustrofobia que define toda la narrativa del álbum.

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Este trabajo logró el triple disco de platino, alcanzó el número 9 en la lista Billboard 200 y le valió un gran reconocimiento internacional con temas como What It’s Like. Su extensa trayectoria incluye un premio Grammy en el año 2000 por su colaboración con Santana en Put Your Lights On, una nominación a los premios Emmy y su participación activa en el supergrupo de rap La Coka Nostra entre 2006 y 2012. Ocho años después de su último lanzamiento, Everlast presenta su octavo disco de estudio titulado Embers to Ashes, editado a través de Martyr Inc Records en asociación con Thirty Tigers y Regime Music Group.

La base conceptual de este trabajo refleja una etapa personal y vital sumamente dura para el artista, marcada por la destrucción de su casa en Los Ángeles durante los graves incendios de Woolsey en 2018, la pandemia y su propio divorcio. El músico canaliza todos estos eventos para dar forma a composiciones honestas que exploran la pérdida, el desamor y la resiliencia, cimentando su sonido sobre las raíces de la música americana y el roots rock, pero sin abandonar la actitud de la cultura urbana.

El titulo del disco podría traducirse como: De brasas a cenizas y creemos que no es algo casual. Las sesiones de grabación de este nuevo álbum se llevaron a cabo en Nashville. La producción del disco recae íntegramente en el rapero y productor Yelawolf, mientras que el proceso de mezcla ha sido ejecutado por el reconocido ingeniero de sonido Chris Lord-Alge.

El álbum incluye también aportaciones creativas del compositor David Ray. A lo largo de sus pistas, Everlast muestra su visión más descarnada: critica la falsa fachada de la fama en el sencillo principal My Hollywood, disecciona el dolor personal en cortes como Stones o Love Don’t Heal, y deja espacio para la protesta social en Rubber Bullets, tema escrito a raíz del asesinato de George Floyd. Un regreso sólido que demuestra cómo su transición desde el rap hacia una narrativa más cercana al blues sigue madurando a la perfección.

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Tras haber consolidado su autodenominado adventure rock con trabajos como Conundrum o Isle of Wisdom, la banda apuesta aquí por una producción orgánica de estética vintage que busca expandir los límites del hard rock progresivo de los años 70. La grabación destaca por la inclusión de Above the Continuum, una suite de veintiún minutos que se posiciona como su composición más ambiciosa, estructurada a través de una introducción atmosférica con sintetizadores y voces en italiano, para evolucionar hacia pasajes de hard rock técnico con matices de jazz-rock en su epílogo.

El álbum muestra una paleta sonora más amplia que en entregas anteriores, con incursiones en otros estilos, como se aprecia en el corte Face of an Angel, donde adoptan una estructura de pop-rock con influencias de los 80 y ritmos más directos. En contraste, The Emissary recupera el equilibrio clásico de la banda entre el sinfonismo y el hard rock con reminiscencias a bandas como Rush o Deep Purple, mientras que la faceta más íntima se reserva para la balada Bestiaus, interpretada únicamente con piano y voz.

El cierre del álbum con At the Summit refuerza el carácter narrativo de la obra, comenzando con una instrumentación folk de guitarras acústicas que desemboca en un desarrollo épico presidido por el órgano, siguiendo la estela de formaciones como Uriah Heep o Kansas. Con este lanzamiento, Hällas se aleja de las estructuras más tradicionales de sus primeros discos para ofrecer un trabajo variado donde el sinfonismo y la psicodelia ganan terreno frente al heavy rock de cotre más tradicional, manteniendo el lirismo y la atmósfera mística que definen su propuesta.

El disco esta grabado y mezclado en Matchtown Studio con su teclista Nicklas Malmqvist como productor además de encargarse de los arreglos orquestales. La masterización tiene lugar en Svenska Grammofonstudion y es realizada por Frida Claeson Johansson. En este trabajo cuentan con la colaboración de músicos de cuerdas o metales como: Ulrika Holm, Jake Sheehan, Fredrik Hempel o Julia Sandwall.

El disco esta diseñado por uno de nuestros estudios gráficos favoritos, Branca Studio regido por el catalán Pol Abran, que se apoya en ilustración de Maldo Illustration para la portada y complementa su trabajo con fotografias de Marcus Carlsson.

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Grabado en estudios de Milán, Madrid y Barcelona bajo la producción de Piluca Villafañe, el trabajo mantiene una instrumentación de metales, guitarras acústicas y acordeones en la linea del artista. El álbum integra rumba y canción popular italiana, contando con colaboraciones de Manu Chao, Gogol Bordello o el grupo italiano Bandabardò.

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Un mundo de imperios, leyendas y rutas marítimas que se pierden en la Historia. Mar Negro no es solo una canción.

Es una travesía: Embárcate con la banda y navega en las aguas del Mar Negro en el viaje más especial de todos: El viaje de la vida. Las ilustraciones y la portada son obra de @bictorbarbecho.

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Grabado y mezclado por Tobias Häussler en The Fire Vessel, el disco mantiene el espíritu artesanal y emocional del proyecto, tejiendo un neofolk de raíz gallega cargado de misticismo, melancolía y belleza natural. En este álbum, las guitarras acústicas, la zanfona, los violines y las flautas dialogan con voces en gallego que invocan la memoria ancestral y el poder curativo de la música.

Temas como “Almas Errantes”, “O Lume” o la pieza titular expresan la unión entre lo humano y lo silvestre, entre la herida y el viento que la calma. Editado en varias ediciones en vinilo y CD con un diseño muy cuidado. La ilustración de la portada es obra del artista Rocco Lombardi. O Vento Que Lambe As Miñas Feridas es una obra profunda y honesta que reafirma a Sangre de Muérdago como una de las voces más singulares y auténticas del folk europeo contemporáneo.

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Producido por Martin Feveyear junto al propio McKagan, Lighthouse combina sensibilidad acústica y atmósferas melancólicas con letras centradas en la sanación, el amor y la redención personal tras décadas de excesos.

En el álbum participan Slash y Jerry Cantrell (Alice In Chains), además de Iggy Pop, que aporta su voz inconfundible en el tema “Lighthouse (Reprise)”. Canciones como “Longfeather”, “Hope” o “Fallen” revelan a un artista maduro y autoconsciente, que canaliza la crudeza del punk y la emoción del folk para construir uno de sus discos más honesto y emocional.

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Con el cuervo como emblema de transformación y poder, esta camiseta no solo viste, sino que transmite la energía de una nueva etapa para Kinnia, marcada por la incorporación de Rubén Kelsen como vocalista y un sonido más profundo y contundente.

Atención: Los pedidos de algunos modelos de camisetas podrían tener un plazo de entrega de unos 15 días. Por favor, tenlo en cuenta si incluyes esta en tu pedido. 

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Es decir, el disco logra aunar en las mismas canciones instrumentos tradicionales como zanfonas o nyckelharpas con cajas de ritmos y sintetizadores. Canciones como “Cantiga da Rainha das Aguas” y “Cantiga de Folhas e Agulhas” evocan lo ancestral y lo natural, mientras que piezas como “Lars Persson” o “Murmurios a Correr” ofrecen respiros introspectivos cargados de sensibilidad. Estas tres ediciones se lanzan en vinilo de 180g con tiradas limitadas a 250 copias cada variante de color.

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La grabación, mezcla y masterización las realiza Tobias Häussler manteniendo la esencia artesanal que caracteriza a la banda, con un despliegue de instrumentos que va desde guitarras acústicas y violines hasta zanfonas, mandolinas y flautas, creando un universo sonoro íntimo y profundo. Cada canción está impregnada de una melancolía luminosa, capaz de conectar lo ancestral con lo contemporáneo, siempre con un fuerte arraigo a Galicia y a la tradición oral europea.

Críticos y músicos de la escena han destacado la capacidad de Sangre de Muérdago para transmitir sinceridad y alma en cada nota. Oliver S. Tyr (FAUN) llegó a definirlo como un disco mágico y conmovedor, perfecto para escuchar en un ambiente recogido, mientras que Don Anderson (Agalloch) subrayó la honestidad y la emoción que emergen de sus composiciones.

El álbum fue recibido como una pieza de referencia dentro del folk oscuro y del neofolk internacional, consolidando a la banda como uno de los nombres más respetados del género. O Camiño das Mans Valeiras. Todo el artwork de este trabajo es obra de la artista italiana Marina Girardi que ya ha trabajado con el grupo en otros discos suyos.

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Para llegar a cada sesión, los miembros se desplazaban en bicicleta entre Brooklyn y Manhattan, con el fin de reunirse en la acogedora sala de paneles de madera del estudio. Producido, mezclado y grabado en directo por Dom Monks, el álbum se gestó en base a largas sesiones de jam colectivo: tocar durante nueve horas al día con una comunidad de músicos afines entre ellos Alena Spanger, Mikel Patrick Avery, Laraaji y otros improvisando, experimentando arreglos y capturando momentos espontáneos con mínimas sobregrabaciones.

El resultado es un sonido orgánico, crudo y emocionalmente inmediato. Los dos primeros singles mostraron la amplitud emocional del álbum: “Incomprehensible”, un viaje psicodélico introspectivo, y “All Night All Day”, una exploración de la dualidad del amor. Medios como Pitchfork resaltaron el regreso del grupo como trío junto a este variado grupo de colaboradores, mientras Beats Per Minute calificó la propuesta de “exploratoria y apasionada”.

Double Infinity se perfila como uno de los lanzamientos más significativos del año, consolidando a Big Thief como una banda imprescindible de la escena independiente contemporánea, capaz de reinventarse sin perder su esencia de conexión emocional y espontaneidad creativa.

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Eril Eril Eril suena como un susurro en mitad del ruido. Es un disco que se ha tomado su tiempo y eso se nota en sus ritmos cálidos y las letras que miran hacia adentro sin perder el hilo de lo colectivo. Joan Pons, con la voz más clara que nunca, canta desde un lugar más consciente, más maduro, con canciones como “Aigua fosca” o “Ni rei, ni déu, ni pàtria”, que remueven sin necesidad de levantar la voz. Duda, identidad, tiempo: los temas de siempre, pero con otra perspectiva. El disco es también un pequeño manifiesto vital.

Como en la novela Sostiene Pereira, hay una invitación al descanso, a parar la maquinaria para entender desde dónde se vive y se crea. Eso se traduce no solo en las canciones, sino también en la puesta en escena: una gira dentro de un iglú inflable construido con telas de globos aerostáticos reutilizados por el artista Jordi Enrich, donde el grupo tocará ante 350 personas en cada concierto. Otra forma de estar en el mundo, y en la música. Una disco sereno que merece ser escuchada con atención y sin prisas.

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Foley analiza la evolución del artista desde sus inicios hasta convertirse en un ícono cultural que trascendió géneros musicales y fronteras políticas.​ Foley ofrece una visión profunda de cómo Johnny Cash usó su música y figura pública para defender causas sociales y dar voz a quienes no la tenían. Una lectura esencial para entender el vínculo entre cultura popular y compromiso político.

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El hijo importado favorito de Australia, publicó en 2005 A Weekend At The Greek, este set de 2 DVD que incluye un DVD con un concierto grabado en el Greek de Berkeley y un segundo DVD grabado en Japón. La parte más documental está dirigida por Brendan Malloy y Emmett Malloy.

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El disco es una reinterpretación acústica del anterior álbum homónimo de la banda publicado en 2022. Como suele ser habitual en los discos del grupo todas las letras están escritas por Cedric Bixler-Zavala y toda la música está compuesta por Omar Rodríguez-López.

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La portada del álbum muestra un árbol de mango, en referencia a Mango Tree, el estudio donde se grabó In Between Dreams. También hay una referencia al árbol de mango en el tema “Better Together”. El disco está producido por Mario Caldato, Jr. y masterizado por Bernie Grundman.

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Grabado en los Estudios IZ por Iñaki Beobide, Laboa arregla algunas canciones populares para hacerlas suyas y las acompaña de algunas de sus mejores composiciones. Esta reedición está cuidada hasta el último detalle en dos vinilos de 180 gramos, con los libretos revisados y corregidos, con fotos extras y los audios masterizados de nuevo en los estudios Elkar por Jean Phocas.

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