A nivel conceptual y lírico, el álbum se posiciona contra la mercantilización de la música y el circuito de los macrofestivales. Las letras de las canciones abordan problemáticas sociales como la especulación de la vivienda, las fronteras, el machismo y la lucha de clases, apostando por la organización colectiva frente al individualismo.

Musicalmente, el grupo transita por diferentes vertientes musicales. Con temas como Si casa meva es cremés o Brooklyng Airlines que cuentan con bases de punk rápido y agresivo, a cortes como Tate donde experimentan introduciendo ritmos funk. Un gran debut para una banda que derrocha personalidad, estilo propio y actitud.

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Fue producido íntegramente por los integrantes del grupo, JuJu y Psycho Les, consolidando su reputación como arquitectos del sonido boom bap usando samples de jazz y funk. Aunque hay un par de beats que son de Lucien en el track Ya Don’t Stop y otro de V.I.C. para el corte Are You Ready.

La grabación se realizó en los Greene St. Recording y en Soundtrack Studios de Nueva York. El álbum cuenta con colaboraciones de Grand Puba, Gab Gotcha, Missjones y Lenny Underwood además de scratches de DJ Sinister. El debut se colo en últimas posiciones del Bilboard 200 y llego al número 28 en el Top R&B/Hip Hop Albums.

En 2012, fue incluido en el puesto número 23 de la lista de Los 50 mejores álbumes debut en la historia del hip-hop confeccionada por la revista Complex y en 2014, el álbum fue incluido en el puesto número 19 de la lista de Vibe “Los 50 mejores álbumes de rap de 1994”. Sin lugar a dudas un disco que ya forma parte de la historia de la cultura hip hop.

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El resultado es una pieza mayoritariamente instrumental que fusiona psicodelia, soul y surf rock, destacando temas como White Gloves o Two Fish and an Elephant, que posicionaron a la banda como un referente de la música ambiental y exótica contemporánea. En 2025 y coincidiendo con su décimo aniversario el grupo decide regrabarlo y editarlo nuevamente como The Universe Smiles Upon You II.

En esta nueva edición la banda reinventa sus canciones y les aporta la experiencia de una decada de nuevas grabaciones y cientos de conciertos. Esta nueva versión del disco es grabada de nuevo por Steve Christensen que además lo produce junto al resto de Khruangbin.

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Grabado entre los estudios Capitol y Eldorado por Judie Clapp con producción de Michael Beinhorn, el grupo endureció su propuesta respecto a sus entregas anteriores, alejándose ligeramente del funk puro para abrazar una actitud punk más agresiva y directa con influencias del reggae o el heavy metal.

Temas emblemáticos como Fight Like a Brave, Me and My Friends o Behind the Sun capturan la química explosiva y la energía juvenil de un cuarteto que se disolvería trágicamente poco después tras el fallecimiento de Slovak, convirtiendo este disco en un testimonio irrepetible de sus raíces californianas.

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Esa experiencia vital marcó el tono del disco: un viaje de vulnerabilidad, renacimiento y fuerza interior. El título Mood Valiant hace referencia a los dos coches Valiant Safari que tenía su madre: uno blanco y otro negro y que conducía según su estado de ánimo.

Grabado entre Melbourne, Byron Bay y Río de Janeiro, el álbum contó con la producción de la propia banda y la colaboración del legendario arreglista brasileño Arthur Verocai, que aporta su característico color orquestal en piezas como “Get Sun” o “Flight of the Tiger Lily”. La grabación se realizó en estudios como Rockinghorse, Grove Studios, Found Heads o Cia.

Dos Técnicos, y fue masterizada por Dan Ellison en Optimal Media GmbH. Con un sonido que combina neo-soul, jazz, funk y R&B progresivo, Mood Valiant deslumbra por sus texturas cálidas, armonías impredecibles y una producción exquisita. El grupo formado por Nai Palm, Paul Bender, Simon Mavin y Perrin Moss alcanza aquí su punto más maduro y ambicioso, sin perder el alma libre que los caracteriza.

El disco fue ampliamente elogiado por la crítica internacional y obtuvo varias nominaciones, entre ellas Mejor Álbum Progresivo R&B en los Grammy Awards 2022, además de reconocimientos en los premios ARIA, Music Victoria y AIR. Con Mood Valiant, Hiatus Kaiyote consolidó su lugar como una de las formaciones más originales y creativas del soul contemporáneo.

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Esto les genero algunas criticas entre la base de seguidores más de la vieja escuela. Visto en retrospectiva fue un disco arriesgado en el que trataron de ir un paso más allá y en el que experimentaron ganando mucha experiencia.

Grabado entre Los Ángeles y Nueva York, el disco contó con la producción de Scott Storch, Beanie Sigel, DJ Nu-Mark y Soup, e incluyó colaboraciones de Dave Matthews Band, Brick & Lace o el guitarrista Kent Hitchcock.

Canciones como “Work It Out”, “Radio”, “Back 4 U” o “Brown Girl” demuestran la capacidad del grupo para evolucionar sin perder su equilibrio mezclando su flow clásico con letras conscientes.

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Producido por Flying Lotus, Ronald “Flippa” Colson, Sounwave, Stephen “Thundercat” Bruner, Terrace Martin, Fredrik “Tommy Black” Halldin, Rahki, Larance Dopson, Taz Arnold AKA Ti$a, Whoarei, Pharrell Williams, Knxwledge, Tae Beast, Thundercat, LoveDragon, Antydote, Boi-1da y Koz. Las letras de To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar no se quedan en lo anecdótico: entrelazan registro íntimo y análisis social para pintar un retrato de identidad, culpa y resistencia.

Abordan la explotación de la cultura negra, la presión de la fama, el desgarro interno por la autovaloración y la duda (“Who am I?”, “Can I love myself?”) de una manera honesta y sin filtros. Cada verso, cada metáfora funciona como espejo y altavoz: reflexionan sobre el valor propio, denuncian el sistema opresivo y proponen un camino hacia la liberación de un mundo que le pide sacrificios.

Canciones como “Alright”, “King Kunta” y “The Blacker the Berry” se convirtieron en himnos culturales, mientras que el álbum fue aclamado universalmente por su profundidad poética y su innovación musical. Ganó cinco premios Grammy, incluido el de Mejor Álbum de Rap, y es considerado uno de los discos más influyentes del siglo XXI. Con To Pimp A Butterfly, Kendrick Lamar consolidó su estatus como uno de los narradores más lúcidos y comprometidos de su generación.

El disco cuenta además con colaboraciones de artistas como: George Clinton, Thundercat, Anna Wise, Bilal, Snoop Dogg, SZA, Rapsody, James Fauntleroy o Ronald Isley.

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El trío formado por Laura Lee (bajo y voz), Mark Speer (guitarra y voz) y Donald “DJ” Johnson (batería) amplió su paleta musical con influencias que van desde el funk, al soul o la psicodelia con toques de música latina. El disco incluye temas destacados como “Time (You and I)”, “Pelota” o “So We Won’t Forget”, que se convirtieron en los más representativos de esta nueva etapa.

En cuanto a la recepción, Mordechai obtuvo 79/100 en Metacritic, siendo valorado de manera positiva por medios como Clash, Exclaim!, The Line of Best Fit y MusicOMH. Aunque algunas críticas como la de Pitchfork fueron más tibias, el consenso general destacó que la banda alcanzó una mayor consolidación artística al incorporar voz y narrativa a su característico sonido instrumental.

El álbum tuvo también una gran acogida en las listas internacionales: alcanzó el #4 en Australia y Bélgica, el #5 en Países Bajos, el #7 en Reino Unido y llegó al #31 del Billboard 200 en Estados Unidos.

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La banda había surgido originalmente en 1964 como grupo de acompañamiento del conjunto doo-wop The Parliaments, liderado por Clinton. Con el tiempo, su estilo musical evolucionó hacia un sonido más eléctrico y psicodélico, influenciado por figuras como Jimi Hendrix, Sly Stone, MC5 o Vanilla Fudge. En su primera aparición televisiva, en octubre de 1969, interpretaron un set improvisado que ya dejaba entrever la dirección musical que tomarían.

En los créditos del álbum figuran Mickey Atkins, Tiki Fulwood, Eddie Hazel, Billy “Bass” Nelson, Tawl Ross y George Clinton, junto a otros músicos y cantantes de The Parliaments (sin acreditar por cuestiones contractuales), miembros de sesión de Motown, Ray Monette (Rare Earth) y un joven Bernie Worrell.

El resultado fue una obra que rompía moldes: una mezcla cruda y expansiva de rock psicodélico, gospel, blues y soul, con improvisaciones y atmósferas que contrastaban con el sonido pulido de Motown. Con el tiempo, ha sido reconocida como una pieza clave en el nacimiento de la mitología P-Funk, el universo conceptual que Clinton desarrollaría en la década siguiente junto a Parliament y Funkadelic.

Hoy se considera un debut visionario que ayudó a redefinir los límites del funk y el rock. Como parte de la serie de reediciones Westbound Records de Org Music, esta edición recupera todo el impacto del álbum en múltiples formatos. El doble LP de lujo, masterizado directamente desde la cinta analogica y prensado a 45 RPM por Dave Gardner, ofrece la experiencia auditiva más impresionante hasta la fecha.

Las ediciones en vinilo sencillo, una de ellas en color, están prensadas a partir de transferencias de cinta de alta resolución. Una revolución sonora en su época y una influencia perdurable desde entonces, Funkadelic sigue siendo un innovador testimonio de música sin reglas y libertad sin límites.

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Grabado principalmente en los míticos Electric Lady Studios de Nueva York, estudio personal de Jimi Hendrix, que ya se había utilizado para registrar álbumes emblemáticos de David Bowie, Stevie Wonder o John Lennon.

Fue grabado en su mayoría en sistema analogico, lo que da al disco una calidez que no tienen la tecnologías digitales. Incluye colaboraciones de varios miembros del grupo Soulquarians, del cual Badu era miembro.

También cuenta con invitados como la cantante de soul Betty Wright o el trompetista Roy Hargrove por citar algunos colaboradores más. «Mama’s Gun» recibió críticas generalmente positivas y a pesar de que tuvo menos éxito comercial que «Baduizm», llegó a recibir la certificación de disco de platino en Estados Unidos.

La revista Rolling Stone lo nombró uno de los 10 mejores álbumes del 2000 y en 2020 en su listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, además de en la lista que se creo para el libro: Los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.

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Aquí no hay miedo al exceso ni al groove: cada corte es una jam extendida, en la que el ritmo manda y las melodías fluyen entre trompetas, saxos y breaks de batería. Funk de calle, brass de club, espíritu de marcha urbana, pero sin desfile: de ahí el título. Este disco captura esa etapa en la que The Soul Rebels aún no habían compartido escenario con Metallica, Nas, GZA o Katy Perry, ni habían salido en Tiny Desk o en el show de Stephen Colbert.

Pero ya tenían todo el potencial. “More Jams…” es una radiografía sonora de ese ADN rebelde, ecléctico y potente, que los ha llevado a romper moldes y géneros por igual. Una joya para los que quieren escuchar a la banda en estado puro, antes del reconocimiento global. Un viaje de ida al corazón de Nueva Orleans…

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De hecho el sir Elton John llegó a decir que Jalen se convertirá en una gran estrella de la música. Jalen, firmó con Daptone Records, un sello discográfico independiente de funk y soul con sede en Brooklyn, Nueva York. Si te gusta el soul, no dejes pasar la oportunidad de escuchar su talento. El disco está grabado y mezclado en Hive Mind Recording con la producción de Michael Buckley y Vincent Chiarito. La masterización se realizo en Golden Mastering.

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Editado en junio de 2024 por Delpalo Records en formato digital y unos meses más tarde en físico, con una edición muy limitada en vinilo doble de color azul que incluye como extras “#GiulianiSeason” el primer track que grabaron juntos estos cracks, “Tipos con Método” y “4 Your Love” en total 3 temarrales exclusivos, 2 de ellos inéditos. El disco está masterizado en MMLD Studio y han contado para el diseño gráfico con el prolífico artista Chokone que trabaja con fotos de Charles Jover.

En esta casa siempre hemos pensado que Griffi ha estado adelantado a su época, y ahora vuelve a demostrarlo con un disco que rezuma funk. Unos beats que vuelven a subir el listón y facilitan el camino de Juli Giuliani que aprovecha con soltura esta ventaja y se desenvuelve con un flow que ya quisieran muchos boomers. Tan solo esperamos que este no sea el último trabajo en conjunto de este tamdem.

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Tras el fallecimiento de Sharon Jones en 2016, la banda lanzó el álbum póstumo Soul of a Woman en 2017 y un disco de versiones en 2020. The Dap-Kings, la banda de Daptone, son conocidos por sus colaboraciones con Mark Ronson, incluyendo sus contribuciones al Back to Black de Amy Winehouse. Naturally es el segundo disco de la banda y fue lanzado el 25 de enero de 2005 con nueve temas propios y una versión de This Land Is Your Land de Woody Guthrie. El disco fue compuesto y producido por Bosco Mann y tiene a Lee Fields colaborando en el tercer tema: Stranded in Your Love.

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Las letras de los 10 temas del primer disco de downset son socialmente conscientes. El disco fue grabado y mezclado en Silver Cloud Studios y Goodnight LA Studios producido por Roy Z junto a la propia banda. Esta edición de Music On Vinyl sale en vinilo de 180g y con un díptico que incluye foto de la banda, letras de los temas y agradecimientos del disco.

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Ziklomorphosia es su tercer disco en solitario o el cuarto si contamos el publicado junto a Vice Presidentes. Editado en 2015 por Srgntx Koop en formato CD nos ofrece un álbum personal y quizá su disco más ecléctico. El título es una combinación de dos palabras: ciclotimia y metamorfosis. En concreto, se refiere a la metamorfosis o cambio de vida que experimentó la artista tras diagnosticarla ciclotimia.

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Arropado por la inmensa creatividad de Griffi construyeron un disco que se ha reeditado por primera vez en vinilo aprovechando el 20 aniversario del lanzamiento original. En el Tremendo no solo demuestra su talento lírico, sino que lo eleva a otro nivel con un flow preciso, introspectivo y lleno de matices. Griffi, a los mandos de la producción, construye un universo sonoro que bebe del funk, el soul y la experimentación, alejándose de los cánones más rígidos del rap que se hacía en la época.

Juntos, firman un álbum impecable, maduro y sin fisuras, donde las rimas de Tremendo se entrelazan con los beats con una naturalidad pasmosa. No hay artificios, no hay prisas: solo calidad. “Vidalogía” es una obra que trasciende su tiempo y sigue sonando fresca, profunda y poderosa. Colaboran en el disco: Quiroga, Eddy Drammeh y Sólo Los Solo.

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Por fin en octubre de 2024 se publicada Krewe el primer disco de Hip Horns Brass Collective y saciaba nuestro apetito de dos de nuestras pasiones, el hip hop y las raíces sonoras que nos evocan al tan añorado Nueva Orleans. Una propuesta tan original como arriesgada que les pone en el mapa como la única banda del estado en poner a prueba una mezcla con tanto gusto. Sus letras navegan entre el inglés, el castellano y el catalán mientras te bañan igual de bien con boom bap, brass, afrobeat, bounce, funk o incluso con ritmos latinos.

El título del disco nace de la crew de lo que significa un colectivo, una agrupación y del nombre que llevan las brass bands que tan bien ponen banda sonora a las calles de New Orleans. Con toda la música del disco escrita por los siete miembros de la banda y creada utilizando sólo instrumentos de viento, batería, percusiones y voz el resultado es un regalo para tus oídos que no te puedes perder.

Para la grabación del disco además han contando que nada menos con Hoss$ Benítez a la batería y Erik Castillo en la percusión. Para las voces del disco recurren a las nuevas incorporaciones a la banda con Mabreezee, un rapero y productor de origen angoleño-portugués y Aina Pla, una talentosa y jovencísima cantante y saxofonista catalana.

El disco además, cuenta con colaboraciones vocales de Escandaloso Xpósito, Juli Giuliani y la MC venezolana Cecé, con colaboraciones especiales como la de la banda cubana Tumbakin, trombonistas de renombre europeo como Dave Sear y Samuel Marthe o DJ Swet. Para el artwork del disco vuelven a colaborar con Hermes LeBleu que además cuenta con la materia prima de la fotógrafa chilena Inti Gajardo. El disco está grabado El Tercero Studios con la producción de Albert Costa & Àlvar Monfort.

En formato físico sale editado en CD y en una edición limitada a 200 copias editada por Say It Loud Records y Costa Futuro. Si, has leído bien, solo 200 copias si no te quieres quedar sin esta joya atemporal, no te lo pienses mucho.

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Un feminismo compartido que también se refleja en las letras de Mabel Flores y Ginestà, quienes saben combinar emoción y conciencia en sus mensajes. Mürfila, por su parte, desafía el pasado y se rehúsa a plegarse a las exigencias de una industria que solo busca rentabilidad: hace las cosas a su manera y se divierte en el proceso. Recorriendo el catálogo de Kasba, nos encontramos con Nakany Kanté, embajadora de la música mandinga, fusionando los sonidos tradicionales de Guinea Conakry con el pop contemporáneo.

También están las vibrantes melodías balcánicas de Xazzar, una banda liderada por Clara Peya en sus inicios, recién salida del conservatorio. Aiala, una de las voces más jóvenes, representa las raíces más urbanas y negras de Kasba, moviéndose sin esfuerzo entre el soul, rap y funk. La guinda final a este repaso a las mujeres que han pasado por Kasba la pone La Kinky Beat, con su estilo mestizo e imaginativo.

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Si además le sumas que detrás de ellos tienen el músculo de Universal Music, es una propuesta difícil de caer en saco roto. Formado en 2020 por los millenials: Ángel Cáceres al bajo y voz, Iker García a la guitarra y voces y Pablo Levin a la batería y voz. Su música camina entre el funk, el jazz, el rock progresivo, el metal o la música clásica todo aderezado con humor e irreverencia. Progresa adecuadamente es el segundo y nuevo disco de Gilipojazz, sale publicado en vinilo y CD. Si no los conoces, no hagas el Gilipojazz, …dale al play.

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