Solo un año más tarde repiten jugada y vuelven con Teeth, otro EP de 7 cortes que tambien publican en CD y que ganó un premio a Álbum del Año en Austin. Con este segundo lanzamiento la banda empieza a tocar más frecuentemente y junto al sello Try Hard en 2023 publican un vinilo con estos dos trabajos titulado Evangeline + Teeth.

Sale en dos ediciones diferentes y tras agotarlas rápidamente lo reeditan de nuevo en 2024 y por tercera vez en 2025. Tras abrir giras para grupos del calibre de Amyl and the Sniffers, Off! o Sleater-Kinney en 2025 tras su gira por Inglaterra atrajeron la atención del medio Metal Hammer, que calificó a Die Spitz como “la mejor banda nueva del mundo”.

En ese mismo año firman con Third Man Records y tienen la posibilidad de trabajar con el productor Will Yip (Lauryn Hill, Turnstile o Angel Du$t) para su primer disco de larga duración Something to Consume, que se lanzó en septiembre de ese año. En general el album ha tenido muy buenas criticas y con una distribución global, la banda apunta maneras para convertirse en una banda que tener en el radar, sus mejores canciones aún no están escritas.

El escritor de Stereogum, Brad Sanders, las incluyó en su “Nuevo canon de películas de heavy metal”, afirmando que “A veces Die Spitz suenan como Megadeth o High On Fire; a veces suenan como L7 o Babes In Toyland, Tool o Soundgarden. A menudo, suenan como una combinación de todos los anteriores”.

Sus letras están influenciadas por el activismo político, lo que ha llevado a algunos periodistas a establecer comparaciones con el movimiento riot grrl de la década de 1990. Aún necesitas más argumentos para darlas una oportunidad? Dale al play ya!!

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El líder de Soundgarden, Chris Cornell, había sido compañero de cuarto de Andrew y se acercó a los ex miembros de Mother Love Bone, Stone Gossard y Jeff Ament, para trabajar en el material que había escrito cuando estaba de gira con Soundgarden en Europa.

La formación finalmente incluyó al baterista de Soundgarden Matt Cameron y a los recién llegados Mike McCready (guitarra principal) y Eddie Vedder (coros). McCready y Vedder aparecieron en el disco por su participación en el siguiente proyecto de Ament y Gossard, proyecto que terminaría convirtiéndose en Pearl Jam.

El nombre Temple of the Dog surge de la letra inicial de la canción de Mother Love Bone “Man of Golden Words”: “Quiero mostrarte algo, como la alegría dentro de mi corazón. Parece que he estado viviendo en el templo del perro”. Un disco de culto para los amantes del grunge y el rock alternativo de los 90.

La última edición europea en vinilo de The Temple of The Dog, se publico en 2016 y literalmente voló, provocando que la reventa del disco llegara en muchos casos a las tres cifras. Si quieres tenerlo en tu colección, no te lo pienses mucho. La edición en doble CD incluye 3 bonus tracks con nuevas mezclas en el CD1 y el CD2 incluye demos, rarezas y algunos temas que no habían sido publicados hasta edición deluxe 25 aniversario.

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Repion esta liderado por las hermanas Marina Iñesta, encargada de la voz y la guitarra, y Teresa Iñesta (Aiko El Grupo) en la batería y coros. El álbum esta formado por 11 canciones, entre las que destacan singles como Brillante, Pronto y Qué soy yo para ti.

El sonido del disco se caracteriza por una estética grunge-pop y rock alternativo que define la etapa de madurez de la banda tras sus anteriores trabajos autoeditados.

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Buscando una textura que se sintiera enraizada en el mundo analógico pero unida por hilos de realidad digital, la banda decidió grabar en los estudios Electrical Audio bajo la ingeniería del legendario Steve Albini.

Esta decisión técnica resulta en un sonido más crudo y orgánico, alejándose de la compresión excesiva habitual en el metal moderno y permitiendo que la dinámica del directo respire en la mezcla final.

El álbum navega por un espectro que va desde el rock industrial hasta el grunge de los 90, legitimando sus aspiraciones melódicas en temas clave como “Take Shape”, que cuenta con la colaboración vocal de Billy Corgan (The Smashing Pumpkins).

Además de la evolución estilística, el álbum presenta novedades en la alineación, siendo el primer registro con el batería Max Portnoy, quien se integra en esta nueva dinámica de groove metal oscuro.

Aunque la accesibilidad de ciertos cortes supone un desafío para los puristas de los sonidos más extremos, la crítica especializada ha valorado positivamente el riesgo, considerando este trabajo como la prueba de que Code Orange no teme quemar sus propias bases para construir algo nuevo.

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Producido por Nick Raskulinecz en los Henson Recording Studios de Los Ángeles, el disco mantiene la densidad sonora característica del cuarteto, explorando texturas de sludge metal y armonías vocales oscuras que recuerdan a sus trabajos más clásicos, pero con una producción moderna y pulida.

El título del álbum, cargado de ironía, hace referencia a ciertas creencias fundamentalistas, temática que se refleja en letras críticas y mordaces a lo largo de los 12 cortes. La recepción por parte de la prensa especializada fue mayoritariamente positiva, destacando la solidez de la formación y la capacidad de Jerry Cantrell para seguir creando riffs memorables.

Medios como Pitchfork, Rolling Stone o Metal Injection elogiaron la consistencia del trabajo, señalando temas como Stone, Hollow o Voices como ejemplos perfectos del sonido pesado y melódico que define a la banda. Las reseñas coincidieron en que, lejos de ser un ejercicio de nostalgia, el álbum demuestra que el grupo ha sabido envejecer con dignidad, ofreciendo una colección de canciones que encajan perfectamente junto a sus himnos de los 90 sin perder vigencia ni fuerza.

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Temas como “Black Hole Sun”, “Spoonman”, “Fell on Black Days” o “The Day I Tried to Live” se convirtieron en himnos de una generación que encontró en la voz de Chris Cornell una gran conexión, una fuente de introspección y rebeldía. El disco fue aclamado tanto por su riqueza compositiva como por su ambición sonora, incorporando afinaciones graves, tempos irregulares y una producción envolvente que rompió con los estándares del género.

Superunknown alcanzó el número 1 en el Billboard 200, ganó dos Premios Grammy y consolidó a Soundgarden como una de las bandas más innovadoras y poderosas de su tiempo. Más de tres décadas después, sigue siendo una obra maestra imprescindible del grunge y un testimonio eterno del talento de Cornell y su banda.

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Con más de 500.000 copias vendidas, se convirtió rápidamente en un disco esencial tanto para seguidores fieles como para nuevos oyentes. Además de repasar clásicos como Plush, Interstate Love Song, Big Empty, Creep, Trippin’ on a Hole in a Paper Heart o Sour Girl, el recopilatorio incorpora un tema inédito, All in the Suit That You Wear.

Esta canción fue pensada originalmente para la banda sonora de la película Spider-Man (2002), aunque finalmente no se incluyó y acabo en este disco. La crítica recibió el álbum con entusiasmo. La producción corrió a cargo de Stone Temple Pilots y Brendan O’Brien, colaborador habitual en sus discos de estudio.

Este recopilatorio no solo funciona como puerta de entrada al universo del grupo, sino también como un repaso a una década de himnos que definieron a los Stone Temple Pilots y dejaron una marca duradera en la historia del rock de los noventa. Esta edición en doble vinilo incluye un grabado de un girasol en la cara D.

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El álbum fue precedido por la versión de Cornell de “Patience” de Guns N ‘Roses, lanzada como sencillo el 20 de julio de 2020, en honor a su 56 cumpleaños. El sencillo se convirtió en la primera canción en solitario de Cornell en alcanzar el número 1 en la lista Mainstream Rock de Billboard.

En resumen el disco reúne 10 versiones cuidadosamente seleccionadas que resaltan el impresionante rango vocal y la profundidad emocional de Cornell; es un homenaje personal a las canciones y artistas que marcaron su vida musicalmente hablando.

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El álbum alcanzó el puesto 117 en la lista Billboard 200 y llegó al número 2 en la clasificación Heatseekers, confirmando a L7 como una de las formaciones más potentes de la escena. Uno de sus cortes más destacados, “Fuel My Fire”, se basó en el tema Lost Cause de Cosmic Psychos y más tarde sería versionado por The Prodigy en su exitoso The Fat of the Land (1997), lo que impulso de nuevo el reconocimiento del grupo.

El título Hungry for Stink surgió de un anuncio visto en la revista Bear Magazine, un medio gay dirigido a hombres corpulentos y velludos, demostrando la ironía y provocación características del cuarteto. Con el paso del tiempo, Hungry for Stink se ha consolidado como uno de los trabajos más duros y crudos de la banda angelina, marcando el final de una etapa antes de su largo parón posterior.

Aunque menos inmediato que Bricks Are Heavy (1992), hoy se reconoce como una pieza fundamental para entender la evolución de L7 y su legado en el grunge y el rock alternativo de los años noventa.

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Este álbum surgió en un momento crítico: tras el fracaso comercial de su debut homónimo en 1992, Interscope Records perdió la fe en ellos y les negó recursos para grabar nuevo material. Decididos a no detenerse, No Doubt se autofinanció, grabando y produciendo el álbum por su cuenta y completandolo en sesiones rápidas en estudios como Clear Lake Audio, Total Access Recording y York Street Studios.

Con un sonido más crudo, enérgico y cercano al punk y ska, The Beacon Street Collection sirvió de puente entre el optimismo colorido de su debut y el éxito masivo que alcanzaría el grupo meses después con Tragic Kingdom (1995). Los sencillos “Squeal” y “Doghouse”, ambos escritos por Eric Stefani, se publicaron inicialmente en vinilos de 7” y reflejaron esa nueva independencia creativa.

El disco vendió más de 100.000 copias, triplicando las cifras de su primer trabajo, y su éxito convenció a Interscope de financiar el siguiente paso de la banda. Tras el fenómeno mundial de Tragic Kingdom, este álbum se reeditó en 1997 dentro de su catálogo oficial.

Críticamente, fue recibido con comentarios positivos: AllMusic lo describió como “más fino que el debut” y con un sonido más auténtico, mientras que Entertainment Weekly lo calificó como “más enfocado que Tragic Kingdom”, destacando la energía ska y la voz de Gwen Stefani en plena efervescencia. Con el tiempo, The Beacon Street Collection se convirtió en un testimonio de resistencia artística: un disco que documenta cómo No Doubt se reinventó y forjó el camino hacia la consagración internacional.

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A partir de esas grabaciones, se ensamblaron las cinco piezas del álbum, manteniendo elementos creados fruto de la espontaneidad e interacción en tiempo real entre los músicos. El resultado es una obra que combina pasajes extensos como “Pain Equals Funny”, el tema que abre el disco que se acerca a los 20 minutos de duración, con fragmentos más breves pero igualmente desafiantes.

Las capas rítmicas, los cambios de sonidos y la incorporación de elementos melódicos en medio de estructuras complejas definen un trabajo que evita categorizaciones fáciles. Cuentan con Gary Chester como guitarrista adicional y cuya participación añade registros inesperados en los momentos más densos del álbum.

Tarantula Heart transita por terrenos vinculados al doom metal, al noise y a la experimentación rock, manteniendo la tensión entre estructura y caos, y evitando los patrones convencionales del género. El disco cuenta con ilustraciones y artwork realizado por Mackie Osborne, continuando la línea de exploración abierta por la banda en sus trabajos más recientes. A más de cuatro décadas de su formación, Melvins sigue operando como una entidad abierta a la mutación, reafirmando su lugar inclasificable dentro del panorama del rock alternativo.

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Corgan, por su parte, luchaba con bloqueos creativos, depresión y pensamientos suicidas, convirtiendo el proceso de grabación en una auténtica prueba de resistencia emocional y física. El álbum se grabó principalmente entre diciembre de 1992 y marzo de 1993 en Triclops Studios (Marietta, Georgia), con la producción de Butch Vig y el propio Corgan. La banda se trasladó allí para evitar distracciones y mantener a Chamberlin alejado de sus conexiones con las drogas.

La obsesión de Corgan por el perfeccionismo lo llevó a grabar él mismo gran parte de las guitarras y bajos, repitiendo secciones durante días hasta lograr el sonido exacto que buscaba. El resultado fue un disco ambicioso y cargado de capas, donde los muros de guitarras distorsionadas se mezclan con melodías emotivas y letras profundamente personales. Temas como “Cherub Rock”, “Today”, “Disarm” y “Rocket” se convirtieron en clásicos instantáneos y reflejan tanto la vulnerabilidad como la rabia de Corgan.

A pesar de los contratiempos y el presupuesto excedido, Siamese Dream debutó en el puesto número 10 del Billboard 200 y fue certificado cuádruple platino en Estados Unidos, vendiendo más de seis millones de copias en todo el mundo. Con el paso de los años, se ha consolidado como uno de los mejores álbumes de los 90 y una obra maestra del rock alternativo, aclamado tanto por crítica y como por público.

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Azerrad, periodista y autor de referencia de la escena indie norteamericana (Nuestro Grupo Podría Ser Tu Vida), tuvo acceso directo a Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl, así como a amigos, ex miembros y colaboradores clave de Nirvana. El resultado es una obra íntima, honesta y profundamente humana que retrata tanto el ascenso meteórico del grupo como las sombras que acechaban a su líder: la depresión, el dolor físico y la adicción.

A través de casi 500 páginas, Azerrad traza no solo la historia de Nirvana, sino también la de una generación: la Generación X, marcada por el desencanto y la búsqueda de identidad a través del grunge y el rock alternativo. Además de narrar los inicios del grupo en Aberdeen, sus días en Sub Pop y su explosión global con Geffen, el libro analiza en profundidad los tres álbumes fundamentales del grupo y repasa con detalle canciones icónicas como Smells Like Teen Spirit, Lithium, Heart-Shaped Box o All Apologies.

Esta edición incluye más de cien fotografías, flyers, posters y letras manuscritas, así como un capítulo adicional escrito tras el suicidio de Cobain en abril de 1994. Casi tres décadas después, sigue siendo una lectura imprescindible para comprender el impacto cultural y musical de Nirvana, y conocer algo más de cerca a su alma, Kurt Cobain.

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Publicado el 23 de noviembre de 2018, el EP fue grabado y mezclado por Eñaut Gaztañaga en Gaztain Estudioak, y masterizado por Estanis Elorza en Doctor Master. Belén (voz y guitarra), Aitor (bajo) y María (batería) tejen un discurso sonoro visceral y contundente, en el que cada tema se erige como una pieza propia dentro del mismo engranaje.

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Pasa jeringas a Kurt Cobain, se chuta con Layne Staley, y sobrevive a duras penas mientras su banda explota en medio del huracán del grunge. Todo contado con una prosa afilada, sucia y honesta. Entre las anécdotas más salvajes, los destellos de humor oscuro y la autodestrucción sin un ápice de épica, se dibuja el retrato de alguien que nunca estuvo en el lado luminoso de nada.

Lanegan no baja al barro, nació allí. El resultado es uno de los libros más duros y auténticos jamás escritos por un músico. Un relato de supervivencia contado sin heroísmo. Aquí algunas palabras de figuras de la industria tras su lectura: «Mark Lanegan: primitivo, brutal y apocalíptico. ¿Cómo no íbamos a quererlo?» Nick Cave. «El exlíder de Screaming Trees no omite absolutamente nada en el relato crudo de su vida antes de desintoxicarse. A lo largo de este libro, pasa heroína a Kurt Cobain, se chuta con Layne Staley y se retuerce en el suelo víctima del mono.

Entre su adicción a las drogas y al sexo, uno se pregunta cómo pudo vivir para contar su historia o cómo pudo ser capaz de recordarla. En comparación con cualquiera de sus colegas, no hay nadie más chungo que Lanegan, pero su capacidad de enfrentarse a sus demonios y no pocas anécdotas divertidísimas (como cuando puso a Liam Gallagher de Oasis en su sitio) hacen de este libro una de las memorias del rock más absorbentes y reveladoras de todos los tiempos.» Kory Grow, Rolling Stone. «Sing Backwards and Weep es la biografía incendiaria definitiva del rock que prometía ser pero también mucho más que eso.

Es tan honesta, preciosa y profundamente conmovedora… Toda la alegría y el dolor de vivir están aquí.» Irvine Welsh. «Una historia oscura de normalidad disfuncional y realidad enferma. En guerra con el mundo y consigo mismo, Mark Lanegan escribe como canta, desde el corazón dolorido de un alma quebrada, con una honestidad brutal.» Bobby Gillespie. «Sing Backwards and Weep tiene una potencia arrolladora; es brutal y aterradoramente honesto. Lo primero que me vino a la mente fue: “Mark Lanegan le confiere al término ‘chico malo’ un significado completamente nuevo”.

Además de historias crudas y salvajes de drogas duras, sexo y grunge, es también el relato de un artista conmovedor que rechazó la oscuridad cuando esta trató de engullirlo y que encontró la redención a través de la gracia y el poder de una música única y brillante.» Lucinda Williams.

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En parte porque supone el debut de Graham Hopkins y Martin McCarrick como miembros oficiales, dando lugar a una nueva formación más estable y cohesionada. Con un enfoque más accesible pero sin perder su filo alternativo, Semi-Detached mezcla la distorsión con la melodía, dejando atrás parte de la crudeza de sus inicios y apostando por un sonido más redondo y emocionalmente denso. Producido por Chris Sheldon, junto a la propia banda y Matt Sime, el resultado es un álbum potente, melancólico y maduro.

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Su single “No Rain” (con su inolvidable videoclip de la chica abeja) los catapultó a la fama internacional. La historia de la banda comienza cuando Shannon Hoon se traslada de Indiana a Los Ángeles en 1990, donde conoce a Rogers Stevens y Brad Smith, dos músicos de Mississippi que llevaban tiempo intentando formar una banda. Pronto se les unió Christopher Thorn a la guitarra y, tras una búsqueda fallida de batería local, convencieron a Glen Graham para que se trasladara desde Mississippi.

Después de grabar un par de maquetas y de una frustrada primera sesión de estudio con David Briggs, el grupo se refugia en una casa alquilada en Durham (Carolina del Norte), apodada Sleepyhouse, donde ensayan, graban y terminan de dar forma a su estilo. Más tarde viajarían a Seattle para grabar el grueso del álbum junto al productor Rick Parashar, conocido por haber trabajado con Pearl Jam en Ten. Blind Melon rechazó los efectos de producción modernos y apostó por una estética más cálida, con amplificadores antiguos y tecnología analógica, buscando la pureza sonora de los discos de los primeros Rolling Stones.

La mezcla también respetó la disposición en directo de las guitarras: Stevens suena en el canal derecho y Thorn en el izquierdo. Más que un álbum de estudio, Blind Melon es un testimonio sonoro de una banda que se descubría a sí misma mientras se alejaba de los focos de la industria. Un disco sincero, atemporal y emocional, que sigue resonando más de 30 años después.

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La canción se benefició de ser incluida en la banda sonora original de la película Singles que llegó a convertirse en disco de platino e incluía entre otros a muchos artistas más populares de la escena de Seattle de la época. Durante la grabación del álbum, el baterista original de la banda, Mark Pickerel, abandonó el grupo y fue reemplazado por Barrett Martin. Pasaron casi cuatro años entre Sweet Oblivion y su siguiente trabajo, Dust, una decisión que perjudicó en gran medida el impulso comercial de la banda.

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En Parasites, el trío ofrece una mezcla dinámica de grunge, stoner y rock alternativo, en la que destaca su riqueza melódica y estructuras variadas. Temas como “You Never Learn” y “S.O.S.” muestran una faceta más melódica, mientras que “Shout to Forget” y “Set Me Free” mantienen la energía cruda característica de la banda.

La producción de Dani Salat aporta una calidad sonora que realza cada matiz del álbum.​ Este trabajo ha sido bien recibido por la crítica, destacando su capacidad para fusionar influencias noventeras con una identidad propia. Según Science of Noise, Parasites es “un híbrido dinámico y ligero que tiene la obligación de gustar a un amplio abanico de fans de la vieja escuela norteamericana”.​ El disco está co editado por: Demons Punk, Glory Or Death, Discos Macarras, Violence In The Veins y Hombre Montaña.

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El medio AllMusic hablando de la música del álbum comentó “sorprendentemente elaborada y con pretensiones artísticas”. Como prueba de ello tenemos varias canciones con afinaciones alternativas, compases inusuales y las letras más poéticas a la vez que evocadoras. El enfoque en la escena grunge de Seattle ayudó a dar a conocer a Badmotorfinger, y los sencillos “Outshined” y “Rusty Cage” tuvieron una gran audiencia en la radio rock y en MTV.

Aqui en el estado tuvo mucha repercusión tambien el videoclip del tema Jesus Christ Pose. Badmotorfinger se convirtió en el álbum de la banda con mejor clasificación en aquel momento en el Billboard 200, donde alcanzó el puesto número 39. El álbum recibió elogios de la crítica, destacando las mejoras significativas con respecto a los lanzamientos anteriores y la evolución del sonido de la banda.

Soundgarden promociona el álbum con giras por Norteamérica y Europa, abriendo shows para Guns N’ Roses en el Use Your Illusion Tour. En 1992, Badmotorfinger fue nominado al Grammy a la Mejor Interpretación de Metal. Fue certificado doble platino por la Recording Industry Association of America en 1996. El disco se grabó en los estudios de A&M, Studio D, Bear Creek y fue producido por Terry Date junto a la propia banda.

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