El cuarteto está integrado por Mario Hernández (bajo), Eneko Díaz (guitarra), Carolina Viedma (voz) y Diego Fernández (batería). Puedes escuchar los primeros avances de este trabajo viendo los videoclips de los sencillos Al Despertar y Vivir En Ti que cuenta con la colaboración de Andy Martínez de Headon.

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La camiseta se lanza como apoyo a la creación de esta nueva banda que ya esta trabajando en lo que será su primer disco de estudio. Un trabajo del que ya han lanzado dos adelantados: Al Despertar y Vivir En Ti.

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Así la portada muestra a una anciana colgando bebés por los pies en una cuerda de tender que parece interminable, en referencia a la frase de la canción que da titulo al trabajo. Es segundo trabajo sin Vic Rattlehead en la portada. Youthanasia recibió críticas positivas tras su lanzamiento y tambien fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 4 en la lista Billboard 200.

En 1995 obtuvo la certificación de platino por vender un millón de copias solo en Estados Unidos. Dave Mustaine ha reconocido en alguna entrevista que toda la formación había compuesto «Youthanasia». Entre sus temas más destacados se encuentran Recockning Day, Train of Consequences, The Killing Road, la propia Youthanasia o su balada más conocida A Tout Le Monde. Un disco que ha envejecido bien y que entrados los 90 hizo que Megadeth siguiera siendo un grupo muy respetado por la comunidad metalera.

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En el se encuentran algunos de los temas más escuchados y tocados en sus conciertos como Symphony of Destruction, Sweating Bullets o Skin o’ My Teeth. El album debuto en el numero 2 de la lista Billboard 200, lo que supone la posición más alta que Megadeth ha conseguido por uno de sus trabajos.

Tambien fue nominado a Mejor Interpretación de Metal en los Premios Grammy de 1993, mientras que la canción que da título al disco ganó el Premio Génesis de la Humane Society por su labor de concienciación sobre los derechos de los animales. En algunas declaraciones Mustaine declaro que: “…fue un gran logro que los cuatro miembros de Megadeth contribuyeran con material al álbum, a diferencia de sus lanzamientos anteriores, que eran compuestos practicamente por Mustaine”.

Añadio que el productor Max Norman tuvo una participación significativa en el álbum al hacer “muchas sugerencias e ideas artísticas geniales”. A su vez, el guitarrista Marty Friedman dijo que: “…a diferencia de Rust in Peace, la creación de este disco fue “completamente diferente”. Afirmó además que la banda había cambiado las canciones: “un millón de veces” antes de grabar una demo y entrar al estudio.”

A pesar del éxito algunos seguidores inicialmente rechazaron el trabajo como paso con el disco homónimo de Metallica. El motivo era claro, el disco era menos contundente y se abría a un publico mayor. En cuanto a letras Mustaine no bajo el liston y muchas de ellas siguen teniendo connotaciones politicas y sociales.

Para nuestro gusto y pesar de ser un discarral, no supera a Rust In Peace, pero sin lugar a dudas uno de los tantos grandes discos que nos ha dado Megadeth y que para bien o para mal hemos tenido la suerte de ser coetáneos. Aun recuerdo, la primera vez que escuche el single de Symphony of Destruction y como se colaba esa melodia de la intro por la radio cuando pusieron el tema por primera vez y el impacto que causo la canción en su momento. Si como nosotros aún no tenias este clásico en vinilo, es el momento de hacerse con el.

Actualización: La salida de esta preventa se ha retrasado. Esperamos confirmación de fecha de salida esta semana, seguiremos informando. 

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El trabajo fue íntegramente grabado, mezclado y masterizado por Iker Bengoa en los Silverstar Studios de Vitoria-Gasteiz. Esta entrega marca el regreso del grupo con una formación renovada que integra a Yerko Ortiz en la guitarra principal, en sustitución de Iker Martínez de Zuazo, junto a los miembros originales Aitor Uriarte (voz y guitarra), Joxemari Azpitarte (bajo) y Gorka Lazkano (batería).

Consta de diez canciones que combinan el heavy metal característico de Latzen con alguna pincelada de thrash y matices de rock alternativo. La producción técnica se centró en obtener un sonido actualizado para composiciones que varían desde el single “Memento Mori” hasta la pieza instrumental homónima. El diseño artístico y visual corrió a cargo de Nestor Urdanpilleta, mientras que las fotografías promocionales fueron realizadas por Iñigo Malvido.

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El grupo esta compuesto por Philip Graves y Javier Bono en las guitarras, Pau Correas en la voz, Chris Carrest en el bajo y Alan Llano en la batería. La grabación y producción fueron realizadas por Jaume Perna en los Capricorn Studios de Barcelona durante el invierno de 2024-2025, aunque la batería se grabo en en La Atlántida Studio por Edgar Beltri.

El proceso de mezcla y masterización se llevó a cabo en Moontower Studios por Javi Félez. El trabajo cuenta con diez pistas de heavy/speed metal en las que el grupo sigue perfeccionando su metal clásico dotando a los temas de mayor profundidad que en su debut.

Para el artwork de la portada vuelven a confiar en el ilustrador Stanislav Atanasov que repite con ese tiburón rojo que da al grupo de una personalidad propia de grandes referentes como el propio Eddie de los Maiden.

La banda declaraba a los medios sobre este disco: “Queríamos que sonara como un puñetazo en la cara, pero con la melodía justa para que quieras volver a escucharlo”, objetivo cumplido.

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La mezcla fue realizada por Juan Urteaga en los Trident Studios de Pacheco, California, y masterizado por Ken Lee. La formación para este concierto conto con Chuck Billy (voz), Eric Peterson (guitarra), Alex Skolnick (guitarra), Greg Christian (bajo) y Gene Hoglan (batería).

El disco, que incluye 19 temas, alcanzó el puesto 52 en las listas de ventas de Alemania y el 80 en las de España tras su lanzamiento.

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Un mundo de imperios, leyendas y rutas marítimas que se pierden en la Historia. Mar Negro no es solo una canción.

Es una travesía: Embárcate con la banda y navega en las aguas del Mar Negro en el viaje más especial de todos: El viaje de la vida. Las ilustraciones y la portada son obra de @bictorbarbecho.

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Con Johnny Solinger a la voz, el grupo exploró un sonido que mezclaba su hard rock característico con influencias de punk rock y country rock en temas como “Shut Up Baby, I Love You”. A pesar de ser un trabajo más experimental en cuanto a géneros, mantiene la contundencia de las guitarras de Dave Sabo y Scotti Hill, buscando una identidad propia para la formación en el nuevo milenio.

Es el primer disco y único disco de la banda en el que participa el baterista Dave Gara, su último álbum completo con el vocalista Johnny Solinger y también su último trabajo de estudio en dieciséis años racha que se rompió con The Gang’s All Here de 2022.

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A diferencia de sus predecesores de 2017, que eran trabajos conceptuales cerrados, este disco funciona como una colección de canciones que, aunque se gestaron durante las sesiones de los álbumes anteriores, no encajaban en temáticas específicas.

Fue producido íntegramente por Stu Mackenzie y grabado en diversos estudios como los Flightless HQ en Melbourne o los Rada Studios en Perth, además de incluir tomas registradas “en la carretera” durante sus giras. El álbum destaca por su eclecticismo, saltando del soft rock psicodélico de “Beginner’s Luck” al heavy metal de “The Great Chain of Being” o el microtonalismo de “All Is Known”. Un disco de King Gizzard siendo King Gizzard.

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El disco destaca por una producción orgánica donde las armonías de guitarras dobladas recuerdan a veces a grandes como Thin Lizzy o Iron Maiden. A diferencia de trabajos anteriores, el grupo optó por un enfoque más oscuro y cinemático en la composición, influenciado por el aislamiento durante la pandemia, lo que resulta en temas más elaborados instrumentalmente sin perder el gancho de sus estribillos característicos.

Algunos medios han calificado este lanzamiento como uno de los más sólidos de su carrera. Así Blabbermouth y Metal Hammer han elogiado la energía contagiosa del quinteto, destacando la labor de los guitarristas Arve Isdal y Thomas Tofthagen.

Las reseñas señalan que cortes como el tema homónimo Devil’s Bell, Animal o Break Out son himnos instantáneos que demuestran una maestría técnica envidiable. En general, la crítica coincide en que es un disco que revitaliza el sonido del rock de estadios de los 80 con una ejecución moderna y apasionada, consolidándolos como una de las bandas europeas que mantienen viva la llama del hard rock.

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Este trabajo es considerado una obra maestra dentro del hard rock melódico y el AOR, destacando por una alineación de lujo que incluía al legendario guitarrista Neal Schon de Journey, quien también se encargó de la producción, junto a los hermanos Johnny y Joey Gioeli y el batería Deen Castronovo.

A pesar de publicarse en un momento en que el grunge comenzaba a dominar las listas, el disco ha resistido el paso del tiempo gracias a una ejecución instrumental impecable y la impresionante potencia vocal de Johnny Gioeli. Temas como Hot Cherie, Takin’ Me Down o la balada Can’t Find My Way son clásicos del género que combinan riffs potentes con estribillos diseñados para disfrutarse en conciertos de estadios.

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Este trabajo destaca por un cambio significativo en el sonido del grupo, alejándose del punk rock puro de sus inicios para adentrarse en terrenos más cercanos al heavy metal, una evolución marcada por la influencia del guitarrista Goar Iñurrieta.

Este trabajo incluye temas emblemáticos de Cicatriz como la propia “Colgado por ti” o “Wendy”.

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El álbum marcó un punto de inflexión para la banda británica: supuso la despedida de su bajista de toda la vida, Jamie Stewart (que se marcharía en 1990), y la llegada del batería de sesión Mickey Curry. Previamente, las demos del disco se habían grabado con Eric Singer (Kiss) y Chris Taylor (Rock and Hyde), aunque finalmente Bob Rock optó por contar con Curry para la grabación definitiva.

Musicalmente, Sonic Temple continuó la senda hard rock y heavy metal de Electric (1987), pero con un sonido más ambicioso, incorporando matices de arena rock, blues e incluso elementos progresivos. La guitarra de Billy Duffy adquirió un protagonismo renovado, con influencias claras de Mick Ronson, Thin Lizzy, Mick Ralphs o Jimmy Page, mientras que la voz de Ian Astbury alcanzaba su máxima expresividad dejando cortes épicos.

El álbum incluye algunos de los himnos más reconocibles de The Cult, como “Fire Woman”, “Edie (Ciao Baby)”, “Sun King” o “Sweet Soul Sister”, todos editados como singles entre 1989 y 1990. Con una duración total de 52 minutos, se convirtió en un clásico del hard rock de finales de los ochenta, consolidando a The Cult en escenarios de gran formato y tambien en las listas de ventas internacionales.

La portada, que muestra a Duffy empuñando su Les Paul frente a un fondo rojo y verde con la silueta de Astbury, buscaba representar “la esencia de lo que se siente al tocar un powerchord” o un acorde con quintas como se le dice por aquí. Una imagen icónica para un álbum que definió la identidad visual y sonora de la banda en su etapa de mayor éxito.

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Originariamente su nombre iba a ser War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica se cambió el nombre a Paranoid. Constituye el primer gran éxito de la banda, y hasta nuestros días es considerado uno de los discos más influyentes de la historia del heavy metal convirtiéndose en disco de culto.

Incluye temas que son auténticos himnos del metal como “Iron Man”, “War Pigs” o “Paranoid”, siendo este último el único sencillo de la banda que logró entrar en el Top 20 británico, alcanzando el número 4 en las listas del Reino Unido. Considerado una obra fundacional, Paranoid ha sido aclamado por la crítica y el público a lo largo de las décadas. En 2017, la revista Rolling Stone lo situó en el primer puesto de su lista de “Los 100 mejores discos de metal de todos los tiempos” y en 2020 lo incluyó en el número 139 de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos”.

Fue también el primer número uno de la banda en las listas de álbumes del Reino Unido, un hito que no volverían a repetir hasta la publicación de 13 en 2013. Su éxito catapultó a Black Sabbath a la escena internacional y contribuyó a sentar las bases de lo que sería la era dorada del metal en los años setenta, además de ser su trabajo con mayor ventas. Paranoid no solo definió a Black Sabbath como pioneros indiscutibles, sino que se erige como una piedra angular para entender la evolución del heavy metal en toda su magnitud.

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En el show de Copenhague, la banda recorre gran parte de su repertorio con la energía y la precisión que les caracteriza, contando con invitados como Lars-Göran Petrov (Entombed), Mille Petrozza (Kreator), Michael Denner (Mercyful Fate), Pernille Rosendahl (Swan Lee, The Storm) y el contrabajista Jacob Øelund, que aportan colaboraciones en voces, guitarras y contrabajo.

El concierto de Anaheim muestra a Volbeat en un entorno más íntimo en el que incluso se animan con versiones del Angelfuck de Misfits con la colaboración especial de Rob Caggiano (Anthrax) y del I Only Wanna Be With You que popularizo Dusty Springfield, en el que colabora Scott Ian (Anthrax). El disco sale publicado en formato físico en CD, DVD, Blu-Ray y en esta edición en triple vinilo rojo.

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El disco está producido por Dan Johnson y se grabó en Morrisound Recording en Florida. Leprosy es su primer trabajo con Bill Andrews en las baquetas y el único disco de estudio con el guitarrista Rick Rozz.

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El álbum introduce una propuesta mucho más compleja y ambiciosa que su debut, combinando riffs acerados, estructuras más cambiantes en las que destaca la descomunal amplitud vocal de Rob Halford, que alterna registros graves y agudos con una soltura nunca antes escuchada. El núcleo emocional y musical del álbum es “Victim of Changes”, una suite de casi ocho minutos que ejemplifica todas las virtudes del grupo: guitarras pesadas y melódicas, secciones vocales dramáticas y una intensidad creciente que culmina en una sección final lenta y atmosférica.

Otros momentos destacados del disco incluyen “The Ripper”, una ráfaga de rock potente y siniestro con una letra inspirada en Jack el Destripador, y “Tyrant”, una pieza feroz cargada de giros estructurales y solos afilados. Por otra parte, temas como “Genocide” y “Island of Domination” refuerzan el lado más agresivo y técnico del disco, mientras que canciones como “Epitaph” –acompañada solo por piano– y la melancólica “Dreamer Deceiver” demuestran la amplitud estilística de la banda, incorporando pasajes progresivos y melódicos poco comunes en el metal de la época.

Grabado en los Rockfield Studios de Gales bajo condiciones económicas extremadamente limitadas, el álbum fue producido por Jeffery Calvert, Max West y los propios Judas Priest. Las penurias económicas llevaron a los miembros del grupo a sobrevivir con una comida al día y realizar trabajos esporádicos mientras componían y grababan.

Esta situación empujó a la banda a romper su contrato con Gull y firmar con CBS Records para su siguiente disco, Sin After Sin (1977), pero como consecuencia, los derechos de Sad Wings of Destiny y sus demos quedaron en manos de su antigua discográfica.

Aunque sus ventas iniciales fueron modestas, el legado del álbum ha crecido hasta convertirlo en una piedra angular del heavy metal. Su impacto fue decisivo no solo para el sonido futuro de Judas Priest, sino también para el desarrollo de subgéneros como el speed metal, el power metal y el NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal), ejerciendo influencia directa sobre bandas como Iron Maiden, Metallica, Helloween o Mercyful Fate. Edición limitada en vinilo de 180g de color plateado.

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Con un sonido fiel a su esencia, Motörizer continúa la senda del heavy rock directo, rugoso y sin concesiones que caracteriza a Lemmy Kilmister, Phil Campbell y Mikkey Dee. El álbum contiene once cortes en poco menos de 39 minutos, donde la fórmula clásica de Motörhead sigue funcionando sin fisuras: riffs pegadizos, bases contundentes y letras cargadas de ironía, crítica social y humor ácido.

Entre sus temas destacan Rock Out, utilizado como tema oficial del evento WWE Unforgiven y en películas como Hesher y Nitro Circus: The Movie o The Thousand Names of God, en la que Lemmy denuncia cómo los soldados son manipulados por intereses económicos disfrazados de causas nobles. También sobresalen cortes como Runaround Man y When the Eagle Screams, que podrían haber salido de la etapa clásica del grupo.

La portada, obra de Mark De Vito, rompe con la tradición de Joe Petagno y presenta un escudo de armas personalizado para cada miembro: los Royal Arms of England para Lemmy, el Draig Goch de Gales para Phil Campbell, el Tre Kronor sueco para Mikkey Dee y el icónico Snaggletooth representando a la banda en conjunto.

A nivel comercial, Motörizer fue su disco más exitoso en el Reino Unido desde 1916 (1991), alcanzando el puesto 32 en las listas británicas y el número 82 en el Billboard estadounidense. Aunque no supuso un gran impacto global, sí mantuvo la fidelidad de su base de seguidores, especialmente en Europa y EE.UU. Motörhead no reinventan nada en Motörizer, pero entregan una dosis de rock salvaje, honesto y sin florituras, justo como cabía esperar. Porque como Lemmy solía decir: “si funciona, no lo toques”.

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