A nivel de estudio, revolucionó el sonido al ser el primero en utilizar cajas de ritmos, samplers y loops, consolidándose también como el primer gran productor de beats para música rap. Todo este impacto técnico y alcance comercial le llevaron a grabar el primer videoclip del género o salir en un anuncio de la bebida Sprite, algo impensable en la epoca para un artista de una cultura aún en pañales.

Collected es un disco recopilatorio de Kurtis Blow que fue lanzado el 28 de junio de 2024 por el sello Music On Vinyl en formato de doble vinilo de 180g. El trabajo reúne los mayores éxitos del artista a lo largo de su carrera e incluye colaboraciones acreditadas con músicos como The Fat Boys, Run D.M.C., Sheila E, René and Angela o Kool & The Gang. Entre los temas seleccionados se encuentran clásicos del rap como Christmas Rappin, The Breaks, Basketball o If I Ruled The World.

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Este registro supuso un punto de inflexión importante en su carrera, ya que es el único disco de toda su discografía grabado con el batería Dan Richardson y el último antes de la salida temporal de su voz principal. Musicalmente, las composiciones se alejaron algo del sonido más metalero de sus inicios, introduciendo elementos de corte más psicodélico y dando luz a “My Mind Is Dangerous”, considerada la primera balada de su trayectoria.

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Técnicamente, el álbum destaca por el uso pionero de arreglos orquestales de viento fundidos con riffs pesados, especialmente en su éxito Race with the Devil. El single se colo en el top ten en las listas del Reino Unido, llegando a número 1 en algunos territorios y al puesto 35 en los charts australianos.

El sonido del álbum, caracterizado por una distorsión avanzada para su época y estructuras complejas, situó a la banda como un nexo de unión entre la psicodelia de finales de los 60 y la inminente explosión del hard rock de los 70. Otro dato relevante es su portada, que supuso el primer trabajo acreditado del ilustrador Roger Dean que más tarde trabajaría en portadas de bandas como Yes, Uriah Heep o Asia.

Algunas curiosidades sobre Race with the Devil es que ha sido versioneada y grabada por bandas como Judas Priest, Girlschool, Church of Misery o Black Oak Arkansas. Aunque tambien es conocido que Jimi Hendrix reprodujo su riff principal en su actuación en el Festival de la Isla de Wight en 1970 incluyendolo en su tema Machine Gun. En febrero de 2026 salía esta reedición en vinilo de 180g de color Smokey Marble en una cuidada edición limitada a 1.000 copias numeradas.

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Desde niño mostró un talento excepcional para la percusión y pronto comenzó a tocar profesionalmente con bandas latinas de Nueva York. Dance Mania de Tito Puente And His Orchestra, publicado originalmente en 1958 por el sello RCA Victor, es considerado el trabajo más influyente y exitoso en la carrera del percusionista.

Grabado entre noviembre y diciembre de 1957 en los estudios de RCA en Nueva York, el álbum se distingue técnicamente por ser uno de los primeros grandes lanzamientos latinos interpretados íntegramente en la lengua de Cervantes, contando con la voz del puertorriqueño Santos Colón.

En una época donde las orquestas de mambo solían grabar temas instrumentales o en inglés para el mercado angloparlante, Puente optó por un enfoque auténtico que integraba mambo, cha-cha-cha, son montuno, guaguancó, bolero y ritmos de raíz africana como el bembe.

La instrumentación destaca por una sección de percusión vibrante y arreglos de jazz orquestal en cortes como El Cayuco y la instrumental 3-D Mambo, diseñados específicamente para el dinamismo de los salones de baile. Su legado es tal que fue incluido en el National Recording Registry en 2002 y forma parte de la selección del libro Los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, situándose como el precursor estético del movimiento salsa que dominaría la escena neoyorquina en las décadas posteriores. Este disco es historia de la música del siglo 20.

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El proceso de masterización fue ejecutado por Kenneth Svensson en los estudios Bohus Mastering. El disco cuenta con la participación de la formación clásica compuesta por Jocke Berg, Martin Sandvik, Magnus Andreasson (Adde) y Thomas Silver.

En lo musical, el álbum marcó un punto de inflexión al abandonar el sonido más garagero de su trabajo anterior para abrazar el Hard Rock. El disco alcanzó el puesto número 4 en las listas oficiales de ventas de Suecia (Sverigetopplistan). El artwork es de Martin Westerstrand (vocalista de Lillasyster) y se complementa con fotografías de Daniel Lagerlöf.

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Se encarga del sonido y la mezcla Adam Kviman en los estudios Soundtrade de Estocolmo. En 2006, el trabajo fue editado en Estados Unidos por el sello Liquor and Poker Music y, en 2025, se edita por primera vez en vinilo por Music On Vinyl.

Se plancha en una edición limitada y numerada de 666 copias en vinilo amarillo y se agota muy rápidamente. Ahora en 2026, tienes la oportunidad de hacerte con este concierto de Backyard Babies en otra edición limitada y numerada de 750 copias en vinilo de color negro y verde con un libreto de 4 páginas.

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El álbum es una explosión de hardcore punk a toda ostia en que los diecisiete cortes que rara vez superan el minuto y medio se pasan volando. El disco capturó la energía cruda y frenética que definió a la formación liderada por Blind Marky Felchtone.

El sonido sucio y acelerado de temas como “Law and Order” o “Dogfight” consolidó a Zeke como uno de los referentes del punk más agresivo de finales de los noventa, distanciándolos en el sonido de la tendencia noventera de hardcore melocido o skate punk. Edición limitada de 250 copias numeradas en vinilo de color rojo con marmoleado negro.

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Este trabajo fue un éxito masivo que fusionó de forma magistral el R&B, el New Jack Swing y el Soul, impulsado por singles icónicos como “My Lovin’ (You’re Never Gonna Get It)” y la versión de “Free Your Mind” inspirada en la canción de Funkadelic “Free Your Mind and Your Ass Will Follow”.

çCon una producción sofisticada y unas armonías vocales impecables, el álbum no solo dominó las listas de ventas, sino que redefinió la imagen de los grupos femeninos de los años noventa hacia una propuesta más empoderada y estilosa.

El disco obtuvo una nominación al Grammy en la categoria Mejor interpretación de R&B de un dúo o grupo con voces, pero ganó el premio al álbum favorito de Soul/R&B en los American Music Awards de 1993 y el premio Sammy Davis Jr. al artista del año en los Soul Train Music Awards de 1993.

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Es el primer disco del grupo en un sello de la envergadura de CBS y originalmente tenía previsto llamarse Silver Missiles And Nightingales. El productor del álbum, Bob Ezrin, había trabajado anteriormente con artistas de renombre como Pink Floyd, Kiss y Alice Cooper, lo cual fue una de las principales razones por las que Hanoi Rocks quería que él produjera el álbum.

Ezrin quería que el álbum tuviera una atmósfera más pesada y una guitarra más oscura que los trabajos anteriores de la banda, manteniéndolo melódico y punk.

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Algunas curiosidades que rodean a este álbum fue por ejemplo que en los meses previos al lanzamiento del disco, el grupo estaba girando y ya tocaban 9 de las 10 canciones del lanzamiento original, y precisamente era Flowers by the Door el que no tocaban por considerarlo flojo, sin saber que seria el tema que más lejos les llevaría.

Para esa gira el grupo estuvo girando en una furgoneta que les prestaron los Dead Kennedys y no fue lo único, porque ante la negativa de varios sellos para financiar la grabación del disco fueron ellos los que les dejaron el dinero suficiente para pagar algo de tiempo en estudio.

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Con este álbum, Prong empezó a crear un estilo más definido, combinando thrash metal, speed metal y hardcore con un enfoque más disciplinado y técnico. El tema “Lost and Found” fue utilizado en los cortes publicitarios del programa Headbangers Ball de MTV a principios de los noventa.

El disco está considerado uno de los primeros ejemplos de groove metal, incluso anterior a Cowboys from Hell de Pantera, que fue editado cuatro meses después. El propio Tommy Victor lo definió años más tarde como “el primer disco de groove metal”, reconociendo que su aportación a este subgénero ha quedado muchas veces eclipsada. La recepción crítica fue en general positiva.

AllMusic subrayó la solidez y la disciplina de su propuesta, destacando la base rítmica de Parsons. Publicaciones posteriores como Metal Digest lo han reivindicado como un trabajo esencial y uno de los más infravalorados de su época, situando a Prong junto a Exhorder como pioneros y responsables de sentar las bases que poco después consolidarían el groove metal.

Edición limitada a 1.500 para todo el mundo en vinilo amarillo translúcido de 180g. Incluye encarte con letras y créditos, presentado en funda de lujo con acabado laminado.

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El álbum alcanzó el puesto 117 en la lista Billboard 200 y llegó al número 2 en la clasificación Heatseekers, confirmando a L7 como una de las formaciones más potentes de la escena. Uno de sus cortes más destacados, “Fuel My Fire”, se basó en el tema Lost Cause de Cosmic Psychos y más tarde sería versionado por The Prodigy en su exitoso The Fat of the Land (1997), lo que impulso de nuevo el reconocimiento del grupo.

El título Hungry for Stink surgió de un anuncio visto en la revista Bear Magazine, un medio gay dirigido a hombres corpulentos y velludos, demostrando la ironía y provocación características del cuarteto. Con el paso del tiempo, Hungry for Stink se ha consolidado como uno de los trabajos más duros y crudos de la banda angelina, marcando el final de una etapa antes de su largo parón posterior.

Aunque menos inmediato que Bricks Are Heavy (1992), hoy se reconoce como una pieza fundamental para entender la evolución de L7 y su legado en el grunge y el rock alternativo de los años noventa.

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Este recopilatorio pone el foco en su faceta más cercana al jazz y en especial a los temas en los que se acompañaba de big bands, reflejando tanto su versatilidad vocal como la búsqueda de un sonido propio. La selección ofrece un retrato de una artista en formación y en experimentación, con interpretaciones que van desde piezas intensamente emocionales hasta composiciones más ligeras y orquestadas.

Aunque Columbia recibió críticas por no haber aprovechado plenamente su talento en aquella época, recopilaciones como esta han servido para reivindicar y dar visibilidad a este capítulo inicial de su trayectoria. Fue publicado originalmente el 24 de septiembre de 2002 por Legacy Recordings. Aunque esta maravillosa edición de Music On Vinyl se publica en 2023 en triple vinilo de 180g color dorado con marmoleado negro. Hablamos de una edición limitada y numerada de 2.000 copias para todo el mundo.

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Producido ejecutivamente por Sen Dog (Cypress Hill) y Paul Stewart, el disco incluye colaboraciones de Mellow Man Ace, Rude, Big Pun, JuJu y del propio Sen Dog que aparece hasta en cuatro cortes. Con 15 canciones que casi llegan a la hora de duración, el álbum combina temas de fiesta con mensajes políticos y sociales, como el rechazo a la Proposición 187, y se apoya en samples de artistas como King Tee, Sade o Herb Alpert & The Tijuana Brass.

Entre los momentos más destacados están This Is L.A. y la propia Here Come The Horns, que contaron con videoclips oficiales, así como Western Ways y su segunda parte La Selección, donde el grupo explora su identidad cultural. Here Come The Horns consolidó a Delinquent Habits como pioneros del rap latino bilingüe y es considerado un título clave de su discografía.

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Grabado principalmente en los míticos Electric Lady Studios de Nueva York, estudio personal de Jimi Hendrix, que ya se había utilizado para registrar álbumes emblemáticos de David Bowie, Stevie Wonder o John Lennon.

Fue grabado en su mayoría en sistema analogico, lo que da al disco una calidez que no tienen la tecnologías digitales. Incluye colaboraciones de varios miembros del grupo Soulquarians, del cual Badu era miembro.

También cuenta con invitados como la cantante de soul Betty Wright o el trompetista Roy Hargrove por citar algunos colaboradores más. «Mama’s Gun» recibió críticas generalmente positivas y a pesar de que tuvo menos éxito comercial que «Baduizm», llegó a recibir la certificación de disco de platino en Estados Unidos.

La revista Rolling Stone lo nombró uno de los 10 mejores álbumes del 2000 y en 2020 en su listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, además de en la lista que se creo para el libro: Los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.

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Supuso el primer trabajo tras la salida de Nick Oliveri y la incorporación definitiva de Joey Castillo a la batería y Troy Van Leeuwen a la guitarra. Josh Homme, es acompañado aún por Mark Lanegan en varias pistas, firmó un disco cargado de oscuridad, erotismo y tensión, dejando de lado la furia rabiosa de su antecesor para adentrarse en atmósferas más viscosas.

El título se inspira en la frase final de “Mosquito Song”, y funciona como puente conceptual entre dos mundos: la locura de Songs for the Deaf y las pesadillas melódicas de este nuevo capítulo. El álbum debutó en el número 5 del Billboard 200 y fue disco de oro en Reino Unido. Pese a estar rodeado de rumores y cambios en la formación, Lullabies to Paralyze fue considerado por Pitchfork como “un trabajo compacto, peligroso y embriagador” (7.5/10), y por NME como uno de los discos del año (8/10).

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Fue producido principalmente por Pete Rock y el productor ejecutivo fue DJ Eddie F de Heavy D & the Boyz (co-miembro del grupo con Trouble T-Roy). El disco se grabó en los Greene St. Recording de Manhattan, New York.

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Frente a la luminosidad combativa de trabajos anteriores como Vivid o Time’s Up, aquí las letras se tornan más pesimistas, introspectivas y desafiantes, con un sonido más agresivo y orgánico. El resultado fue un disco complejo y visceral que alcanzó el puesto 26 en la lista Billboard 200. Temas como Go Away, Mind Your Own Business o el potente single Leave It Alone que fue nominado a los Grammy en 1994 como Mejor Interpretación de Hard Rock muestran a la banda en plena forma, con riffs afilados, una base rítmica demoledora y la voz siempre incisiva de Corey Glover.

La producción corrió a cargo del veterano Ron Saint Germain junto a la propia banda. Durante casi dos décadas el álbum estuvo descatalogado por problemas legales derivados de una demanda interpuesta por Jon Stainbrook, líder de la banda The Stain. Esto lo convirtió en una pieza muy buscada por coleccionistas hasta que, en 2013, fue reeditado en CD y digital, y finalmente en 2018 en una edición limitada en vinilo verde. A día de hoy, Stain es considerado un “dark horse” dentro del catálogo de Living Colour: menos inmediato, pero profundamente innovador, oscuro, intenso y visionario. Un disco clave para comprender el cruce de caminos entre el metal noventero y la herencia del funk y la conciencia afroamericana. Esta edición limitada a 2.000 copias numeradas sale en vinilo de color azul translúcido en vinilo de 180g.

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Con una duración de más de 76 minutos, The Main Ingredient destaca por sus beats, ricos en detalles y texturas y con scratches vocales extraídos principalmente de temas de Biz Markie. CL Smooth, por su parte, ofrece un flow elocuente y narrativo, cargado de conciencia, lirismo y elegancia. Aunque no contiene un single del calibre de They Reminisce Over You (T.R.O.Y.), el álbum despliega una cohesión y madurez a la altura de su disco debut.

Temas como In The House, I Got a Love, Searching o Sun Won’t Come Out (con un sample vocal de Harvey Scales) son solo algunos de los cortes imprescindibles de redondo. A pesar de no tener el impacto esperado en su lanzamiento, el tiempo lo ha puesto en el lugar que merece: The Main Ingredient es considerado hoy en día como una obra maestra del hip hop.

Es también uno de los discos favoritos del productor J Dilla, quien ha reconocido usarlo como referencia en sus sesiones de estudio. Tras este trabajo y una exitosa aparición en un spot publicitario de Sprite, el dúo anunció su separación alegando diferencias creativas. La disolución de Pete Rock & CL Smooth puso fin a una de las alianzas más finas, elegantes y sofisticadas que haya dado el rap neoyorquino. Cuenta con las colaboraciones de Rob O, Deda y Grap Luva.

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El álbum cuenta con nombres como R.E.M., Nick Cave and the Bad Seeds, Pixies, Lloyd Cole, John Cale, Ian McCulloch, Robert Forster o The House of Love, entre otros. Cada artista aporta su visión sobre el universo Cohen, desde la fidelidad emocional hasta la deconstrucción más libre.

En ese sentido, destaca especialmente la versión de “Tower of Song” firmada por Nick Cave: un collage editado a partir de una jam de más de una hora, transformado en una interpretación radical y casi experimental. I’m Your Fan no es un simple disco de versiones: es un retrato colectivo del respeto (y también la libertad creativa) que el universo de Leonard Cohen ha generado entre músicos de distintas escenas y estilos. Folk, indie rock, post-punk o art pop se dan la mano para rendir homenaje a una obra inagotable.

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