Cuenta con las colaboraciones de DJ Pollo en el tema Juancarlista y de I-Ace en Todos Menos Tú. El disco es grabado entre La Mina y Fantompower mezclado por Raúl Pérez y masterizado por Mario García Alberni. El artwork del disco lo vuelven a dejar en manos de Unbuentipo.

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Las labores técnicas de grabación y mezcla corrieron a cargo de Evan Frederiksen, mientras que la masterización fue completada por Anthony Focx. El album esta compuesto por diez canciones entre las que destaca la inclusión de arreglos de viento a cargo del guitarrista Stevie Dacanay en el sexto corte, I Go Boom!.

La formación que registró el trabajo incluye a Josh Todd en las voces, Stevie D. y Billy Rowe en las guitarras, Kelly Lemieux al bajo y Francis Ruiz en la batería. La promoción del lanzamiento fue apoyada por tres sencillos previos: el tema homónimo Roar Like Thunder, Come On y Set It Free.

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La banda buscó en esta entrega recuperar la energía inmediata de sus primeros años, evitando elementos electrónicos y apostando por la producción orgánica de rock clásico. El disco es grabado por Jun Murakawa en The Bastard Ranch, con mezcla de Joe Barresi en Joe’s House Of Compression siendo producido por su propio guitarrista Keith Nelson.

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Las labores de grabación y mezcla se repartieron entre Bruce Falkenberg, el productor Machine y el propio Uncle Punchy, encargándose cada uno de distintas pistas del álbum. Entre los temas de este disco se encuentra una versión libre del tema Equinox de John Coltrane. Para el diseño y la dirección del artwork el grupo confía en el estudio catalán Branca Studio.

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A lo largo de sus pistas se incluyen audios extraídos de su actuación en el Día de la Región de Murcia de 1988, junto con demos con sesiones de estudio registradas en 1989 y algunas rarezas actuales grabadas en 2024. La mezcla mantiene la crudeza original de las cintas sin sobreproducción, respetando la esencia pura del grupo liderado por su bajista y vocalista Jam Albarracín.

El disco incluye tres versiones: Paseando El Perro es una adaptación del clásico Walkin’ The Dog de Rufus Thomas, No Me Digas No que revisa el tema First Time de The Boys y Rock And Roll y Pogo que hace lo propio con Wrong ‘Em Boyo de los míticos The Clash. Se publica en formato físico en una cuidada edición limitada en vinilo de color verde.

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Este registro supuso un punto de inflexión importante en su carrera, ya que es el único disco de toda su discografía grabado con el batería Dan Richardson y el último antes de la salida temporal de su voz principal. Musicalmente, las composiciones se alejaron algo del sonido más metalero de sus inicios, introduciendo elementos de corte más psicodélico y dando luz a “My Mind Is Dangerous”, considerada la primera balada de su trayectoria.

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Los hitos no han parado desde entonces. En marzo de 2026, Angine de Poitrine apareció en el popular programa de entrevistas de Quebec, Tout le monde en parle, que tiene una audiencia promedio de casi un millón de personas. Durante una entrevista para el podcast Logan Sounds Off, Dave Grohl, líder de Foo Fighters, elogió a la banda, diciendo que lo habían “dejado absolutamente alucinado” y describiéndolos como “completamente locos”.

Sean Lennon comentó sobre ellos a través de su cuenta de X, afirmando: “Nunca había visto a una banda instrumental tan extraña volverse viral como Angine de Poitrine. Nunca había visto nada igual. Es una locura. En los últimos tres meses, todos mis conocidos me han enviado su video al menos una vez”. La banda ya tiene programada una gira europea y otra por Estados Unidos.

Para este segundo volumen, graban con Glegg De Poitrine, mezclan y masterizan con Tek De Poitrine, para la producción repiten ellos junto al trabajo de Fabien Peterson, que ya produjo su Volumen I. Las ediciones físicas cuentan con ilustraciones de Arielle Corbeau y fotografias de Annie LeBlanc y Samuel Snow.

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¿Hemos dicho que Angine de Poitrine son conocidos? Quizás sería más correcto decir que se han pasado internet. El tema de los disfraces se concibió inicialmente para poder dar dos conciertos semanales en un local donde solo les dejaban dar uno, engañando a la sala al hacerse pasar por otra banda. Al final, esta puesta en escena tuvo tanto éxito que se convirtió en el proyecto principal del dúo.

Alcanzaron la fama viral en febrero de 2026 cuando una sesión en directo grabada para la emisora ​​de radio estadounidense KEXP acumuló millones de visualizaciones. Vol. 1 es su disco debut y fue autoeditado por la banda en 2024. La publicación y posterior gira le hizo ganó popularidad en el circuito de festivales de Quebec, culminando con el premio a Artista del Año en los premios GAMIQ de 2025.

Este primer volumen fue grabado por Gabriel Gagné Gaudreault, mezclado por Dany Lemay y producido por Fabien Peterson junto a los propios Angina de pecho.

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Técnicamente, el álbum destaca por el uso pionero de arreglos orquestales de viento fundidos con riffs pesados, especialmente en su éxito Race with the Devil. El single se colo en el top ten en las listas del Reino Unido, llegando a número 1 en algunos territorios y al puesto 35 en los charts australianos.

El sonido del álbum, caracterizado por una distorsión avanzada para su época y estructuras complejas, situó a la banda como un nexo de unión entre la psicodelia de finales de los 60 y la inminente explosión del hard rock de los 70. Otro dato relevante es su portada, que supuso el primer trabajo acreditado del ilustrador Roger Dean que más tarde trabajaría en portadas de bandas como Yes, Uriah Heep o Asia.

Algunas curiosidades sobre Race with the Devil es que ha sido versioneada y grabada por bandas como Judas Priest, Girlschool, Church of Misery o Black Oak Arkansas. Aunque tambien es conocido que Jimi Hendrix reprodujo su riff principal en su actuación en el Festival de la Isla de Wight en 1970 incluyendolo en su tema Machine Gun. En febrero de 2026 salía esta reedición en vinilo de 180g de color Smokey Marble en una cuidada edición limitada a 1.000 copias numeradas.

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Tras haber consolidado su autodenominado adventure rock con trabajos como Conundrum o Isle of Wisdom, la banda apuesta aquí por una producción orgánica de estética vintage que busca expandir los límites del hard rock progresivo de los años 70. La grabación destaca por la inclusión de Above the Continuum, una suite de veintiún minutos que se posiciona como su composición más ambiciosa, estructurada a través de una introducción atmosférica con sintetizadores y voces en italiano, para evolucionar hacia pasajes de hard rock técnico con matices de jazz-rock en su epílogo.

El álbum muestra una paleta sonora más amplia que en entregas anteriores, con incursiones en otros estilos, como se aprecia en el corte Face of an Angel, donde adoptan una estructura de pop-rock con influencias de los 80 y ritmos más directos. En contraste, The Emissary recupera el equilibrio clásico de la banda entre el sinfonismo y el hard rock con reminiscencias a bandas como Rush o Deep Purple, mientras que la faceta más íntima se reserva para la balada Bestiaus, interpretada únicamente con piano y voz.

El cierre del álbum con At the Summit refuerza el carácter narrativo de la obra, comenzando con una instrumentación folk de guitarras acústicas que desemboca en un desarrollo épico presidido por el órgano, siguiendo la estela de formaciones como Uriah Heep o Kansas. Con este lanzamiento, Hällas se aleja de las estructuras más tradicionales de sus primeros discos para ofrecer un trabajo variado donde el sinfonismo y la psicodelia ganan terreno frente al heavy rock de cotre más tradicional, manteniendo el lirismo y la atmósfera mística que definen su propuesta.

El disco esta grabado y mezclado en Matchtown Studio con su teclista Nicklas Malmqvist como productor además de encargarse de los arreglos orquestales. La masterización tiene lugar en Svenska Grammofonstudion y es realizada por Frida Claeson Johansson. En este trabajo cuentan con la colaboración de músicos de cuerdas o metales como: Ulrika Holm, Jake Sheehan, Fredrik Hempel o Julia Sandwall.

El disco esta diseñado por uno de nuestros estudios gráficos favoritos, Branca Studio regido por el catalán Pol Abran, que se apoya en ilustración de Maldo Illustration para la portada y complementa su trabajo con fotografias de Marcus Carlsson.

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El proceso de grabación y mezcla se llevó a cabo íntegramente en los estudios Ultramarinos Costa Brava, en Sant Feliu de Guíxols, bajo la dirección técnica de Santi García, quien además de la producción aportó compuso las lineas de bajo y aporto arreglos para los sintetizadores.

La masterización fue realizada por Víctor García en Ultramarinos Mastering. El álbum consta de diez canciones compuestas entre junio de 2024 y marzo de 2025 en Camargo y Madrid, centrando su concepto en el retorno al origen, representado por la salida 201 de la autovía A-67 que conduce a su hogar familiar en Cantabria.

El arte del disco cuenta con fotografías de Paz Vallejo y un diseño gráfico desarrollado por ivoryxx.

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La formación de este trabajo es Javi Ferrara a la voz y las letras, Carlos Jiménez al bajo, Javi Luengo a la guitarra y la trompeta, Marco Fernández en la guitarra acústica, los sintes y algunas voces y Santiago Núñez a la batería.

El álbum sigue la linea de su predecesor Talego Quini con una mezcla de punk-rock y spoken word con letras de marcada sátira social y política. El album es masterizado por Cem Oral, cuenta con un artwork diseñado por Unbuentipo que cuenta además con fotografías de Paula Palmer. Si te sorprendieron con su debut, no te van a defraudar.

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Para la promoción del lanzamiento, el grupo colaboró en la creación del videojuego de 16 bits “Torche vs Robots: Annihilation Affair”. A nivel comercial, el trabajo supuso un hito para la banda al alcanzar el puesto 133 en la lista Billboard 200.

Musicalmente, el disco recupera una faceta más pesada y cruda cercana al sludge, distanciándose de la luminosidad de su anterior entrega, Harmonicraft. La crítica destacó canciones como “Annihilation Affair” por su densidad sonora y cortes como “Blasted” o “Loose Men” por mantener su característica estructura melódica.

El álbum cierra con el tema homónimo “Restarter”, una tema de ocho minutos que define esta etapa del cuarteto y nos recuerda porque Torche es una banda muy a tener en cuenta.

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La formación en este trabajo incluye a Josh Todd en la voz, Keith Nelson y Stevie D. en las guitarras, Jimmy Ashhurst al bajo y Xavier Muriel en la batería. El álbum marca un retorno a las estructuras del hard rock de los años setenta, alejándose de las baladas radiofónicas de su predecesor. La masterización técnica fue obra de David Donnelly en DNA Mastering.

Esta edición deluxe en CD incluye 6 cortes extras grabados en acústico, ya que esta incluido el Reckless Sons, An Acoustic EP.

The post Buckcherry – All Night Long first appeared on Four Skulls.

El proceso de masterización final lo llevó a cabo Víctor García en Ultramarinos Mastering. El album presenta una formación compuesta por Rosa Pagès a la voz, Carles Pons en la guitarra, Stefania Lusini al bajo y Marc Torrent a la batería. Este trabajo esta formado por 10 cortes que pasan volando con una atrevida propuesta, que mezcla punk, rock, post punk con altas dosis de ironía y descaro.

Colabora en el disco Xaxi Lloses con Sintes en Malas Influencias, voces de Borja Pérez y Estu en Miedo a la Vida y de nuevo Borja y Estu colaboran junto a Bruno Banani y Lluis del Corsari en Buenu Buenu. La pintura de la portada es obra de David de Las Heras y el artwork del disco lo realiza De Coure. El único pero que le sacamos al disco es que se acaba muy rápido, pero como dicen lo bueno si es breve, dos veces bueno.

The post Sandré – Gestiones Fáciles first appeared on Four Skulls.

La idea fue buscar un sonido crudo y orgánico, centrando la grabación en el estudio casero de los productores. El álbum se distancia del R&B convencional de sus inicios para integrar elementos de rock, jazz o pop.

Incluye las colaboraciones de J Hus en el sencillo “Feelings” y de la artista jamaicana Lila Iké en “Greatest Gift”. El album alcanzó el puesto número tres en la lista oficial de álbumes del Reino Unido (UK Albums Chart) en su semana de estreno.

The post Jorja Smith – Falling or Flying first appeared on Four Skulls.

El proceso de masterización fue ejecutado por Kenneth Svensson en los estudios Bohus Mastering. El disco cuenta con la participación de la formación clásica compuesta por Jocke Berg, Martin Sandvik, Magnus Andreasson (Adde) y Thomas Silver.

En lo musical, el álbum marcó un punto de inflexión al abandonar el sonido más garagero de su trabajo anterior para abrazar el Hard Rock. El disco alcanzó el puesto número 4 en las listas oficiales de ventas de Suecia (Sverigetopplistan). El artwork es de Martin Westerstrand (vocalista de Lillasyster) y se complementa con fotografías de Daniel Lagerlöf.

The post Hardcore Superstar – No Regrets first appeared on Four Skulls.

Solo un año más tarde repiten jugada y vuelven con Teeth, otro EP de 7 cortes que tambien publican en CD y que ganó un premio a Álbum del Año en Austin. Con este segundo lanzamiento la banda empieza a tocar más frecuentemente y junto al sello Try Hard en 2023 publican un vinilo con estos dos trabajos titulado Evangeline + Teeth.

Sale en dos ediciones diferentes y tras agotarlas rápidamente lo reeditan de nuevo en 2024 y por tercera vez en 2025. Tras abrir giras para grupos del calibre de Amyl and the Sniffers, Off! o Sleater-Kinney en 2025 tras su gira por Inglaterra atrajeron la atención del medio Metal Hammer, que calificó a Die Spitz como “la mejor banda nueva del mundo”.

En ese mismo año firman con Third Man Records y tienen la posibilidad de trabajar con el productor Will Yip (Lauryn Hill, Turnstile o Angel Du$t) para su primer disco de larga duración Something to Consume, que se lanzó en septiembre de ese año. En general el album ha tenido muy buenas criticas y con una distribución global, la banda apunta maneras para convertirse en una banda que tener en el radar, sus mejores canciones aún no están escritas.

El escritor de Stereogum, Brad Sanders, las incluyó en su “Nuevo canon de películas de heavy metal”, afirmando que “A veces Die Spitz suenan como Megadeth o High On Fire; a veces suenan como L7 o Babes In Toyland, Tool o Soundgarden. A menudo, suenan como una combinación de todos los anteriores”.

Sus letras están influenciadas por el activismo político, lo que ha llevado a algunos periodistas a establecer comparaciones con el movimiento riot grrl de la década de 1990. Aún necesitas más argumentos para darlas una oportunidad? Dale al play ya!!

The post Die Spitz – Something To Consume first appeared on Four Skulls.

Edge Of The Abyss es su cuarto disco y sale publicado el 11 de julio de 2025 por Mascot Records. La producción y la grabación fueron lideradas íntegramente por la vocalista y guitarrista Jess Allanic, quien supervisó el proceso en su estudio personal para mantener el control sobre el sonido y la mezcla de los diferentes estilos que dan personalidad a la banda.

En la producción estuvo apoyada por Gareth McGrillen y Mazare que además son los responsables de la mezcla del disco. Todos los temas del disco están escritos por Jess que tambien es responsable del artwork del album a excecpción de los dos últimos: Hate In Me y Under The Skin, en los que aparece acreditado como autor Gareth McGrillen de Pendulum.

The post Calva Louise – Edge Of The Abyss first appeared on Four Skulls.

Es el primer lanzamiento de la banda tras la salida de Ginger Fish, su baterista desde 1995, y el único álbum en el que participó Fred Sablan que además de aportar guitarras y lineas de bajo esta acreditado como uno de los compositores del disco.

Este trabajo esta coproducido por el vocalista homónimo de la banda junto con Chris Vrenna, ex miembro de Nine Inch Nails, quien se marchó poco después de su finalización para dedicarse a otros proyectos de producción. Chris, además tambien es autor en el disco y se encargo de la programación y los teclados de Born Villain. Manson tuvo una mayor participación en la composición del álbum que en sus trabajos anteriores.

Principalmente es un disco de rock industrial y metal alternativo, contiene algunos de los temas más pesados ​​que la banda haya grabado hasta la fecha. Una versión de «You’re So Vain» de Carly Simon, con Johnny Depp, se incluyó como bonus track en todas las ediciones del disco.

El álbum recibió críticas mixtas por parte de la crítica musical; varias publicaciones lo consideraron un regreso triunfal para la banda, mientras que otras criticaron su pesadez y el contenido violento de sus letras. Se convirtió en el séptimo álbum de estudio de la banda en alcanzar el top 10 del Billboard 200, y también encabezó las listas de Álbumes Independientes y Top Hard Rock de Billboard.

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