Para afrontar estas sesiones de grabación, el incombustible vocalista y el bajista Geordie Leach reclutaron una nueva alineación de músicos, incorporando a Greg Jordan en guitarras y slide, John Meyer a la guitarra y Scott Johnston a la batería.

Musicalmente, las diez pistas del repertorio mantienen intacta la esencia del boogie blues y el hard rock crudo característico del grupo, aunque abriéndose hacia un sonido más pulido y cercano al AOR (Adult Oriented Rock). Impulsado por sencillos como I Wish, Freedom’s Flame y No Secrets, el disco logró escalar hasta el puesto número 30 en las listas australianas de ventas (Kent Music Report).

Aunque la posterior gira nacional gozó de una excelente acogida, a finales de 1985 Anderson decidió poner el proyecto en pausa para centrarse en sus compromisos como actor. Music on Vinyl recupera este titulo y presenta en esta cuidada reedición limitada a 750 copias numeradas individualmente, prensadas en un llamativo vinilo jaspeado en tonos turquesa y azul de 180g.

The post Rose Tattoo – Southern Stars first appeared on Four Skulls.

El álbum cuenta con numerosas ediciones en otros países contando con edición de Paradoxx Music en Brasil, Victor en Japón o La Agonía de Vivir en el estado español. Como curiosidad, el título de la obra toma su nombre de un relato corto del escritor de novela negra Dashiell Hammett.

Las sesiones de grabación contaron con la producción principal y las mezclas de Pelle Saether, respaldado en la coproducción por Lasse Lindén. Los propios miembros del grupo se implicaron activamente en los arreglos musicales, derivando el trabajo de masterización final al ingeniero Peter in de Betou.

Para este registro, la alineación estuvo formada por Ingemar Jansson a la voz principal, Mikael Danielsson y Krister Johansson en las guitarras, Henrik Sunvisson al bajo y Kjell Ramstedt en la batería. El repertorio presenta trece pistas de ritmo vertiginoso con letras escritas íntegramente por Jansson y música compuesta casi en su totalidad por Danielsson, a excepción del corte de apertura Catch Me Running Round, firmado en conjunto con Jimmie Olsson.

Precisamente este tema, junto a cortes como Away from the Circle, se convirtieron rápidamente en himnos imprescindibles para los seguidores del grupo. Music On Vinyl recupera este trabajo y lo presenta en esta edición limitada y numerada a 400 copias en un llamativo vinilo verde botella transparente con encarte interior impreso.

The post No Fun At All – The Big Knockover first appeared on Four Skulls.

La producción fue asumida en su totalidad por la propia banda, que al momento de la grabación la componen Stefan Granberg a la voz principal y guitarra, Johan Brändström en la guitarra y voces, Johan Gustafsson al bajo y coros y Fredrik Granberg a la batería.

Musicalmente, las quince pistas que componen los treinta y seis minutos del repertorio combinan la energía acelerada del skate punk y melodías muy pegadizas con letras cargadas de critica social y conciencia de clase. Despuntan cortes rápidos y directos como el sencillo Razorblade para el cual grabaron un videoclip, Punk Rock High, Rich Boy o Teenage Tiger.

Music On Vinyl recupera ahora este trabajo en una cuidada edición limitada y numerada de 400 copias prensadas en vinilo de color magenta de 180g que incluye un encarte interior. El artwork original del disco esta realizado por Hugo Sundkvist, que se apoya en ilustraciones de Robert Pettersson.

The post Randy – Randy The Band first appeared on Four Skulls.

El disco se convirtió en el mayor éxito comercial de la artista, alcanzando ventas superiores a los siete millones de copias en todo el mundo (más de 3,4 millones en Estados Unidos, con triple disco de platino de la RIAA, y cuádruple platino en Reino Unido y Australia) y situándose en los primeros puestos de las listas internacionales, incluyendo el puesto 4 en el Billboard 200 y el número 3 en la lista británica de álbumes.

Musicalmente, el trabajo fusionó neo-soul, R&B contemporáneo y pop clásico con una amplia base de instrumentación analógica y arreglos de corte tradicional. Las sesiones de grabación contaron con la participación de destacados instrumentistas de sesión como Jeremy Ruzumna (teclados, piano y coautor de varios temas), Matt Chamberlain (batería y percusión), Jon Brion (guitarras, sintetizadores y Chamberlin), Patrick Warren, Arik Marshall, Lenny Castro, DJ Kiilu en los platos y arreglos de cuerda dirigidos por David Campbell.

La producción integró además diversas muestras y referencias de hip hop y funk, incorporando samplers de temas de OutKast, Nice & Smooth, Eddie Harris o The Fat Boys. El repertorio está compuesto por diez canciones con letras escritas en su totalidad por Gray.

Cuando salió I Try como segundo sencillo el impacto fue global llegando a liderar las listas de ventas en países como Australia, Irlanda y Nueva Zelanda. Alcanzó el top 5 en el Billboard Hot 100 y le valió a Gray el premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina en 2001.

The post Macy Gray – On How Life Is first appeared on Four Skulls.

Con formación de power trío grabaron este trabajo Greg Sage a la voz y guitarras, Brad Davidson al bajo y Steve Plouf en la batería. Compuesto por 9 cortes el álbum profundiza en un sonido algo más duro que en trabajos anteriores y en ellos se respira esa atmósfera oscura que consolidó el sonido de culto de la formación.

Todos los temas estas escritos y compuestos por Greg Sage destacando la pista homónima Land of the Lost, Just a Dream Away, Way of Love, Fair Weather Friends, Nothing Left to Lose o Let Me Know, corte que fue seleccionado para formar parte de la banda sonora oficial de la película River’s Edge. La ilustración de la portada es un trabajo artístico de Chris Newman.

The post Wipers – Land Of The Lost first appeared on Four Skulls.

Este trabajo fue la última grabación de su batería histórico Reed Mullin durante los nueve años que estuvo fuera del grupo, hasta su incorporación en 2010. Musicalmente el grupo enfatiza sus influencias del rock sureño y el hard rock melódico, ofreciendo una producción más pulida en comparación con la aspereza y el sonido más potente de sus trabajos anteriores.

Todas las letras del álbum fueron escritas íntegramente por su guitarrista y vocalista Pepper Keenan. El lanzamiento se apoyo con el sencillo Congratulations Song, que logró bastante repercusión en las listas de rock estadounidenses.

Para el tema Stare Too Long contaron con la colaboración de algunos músicos invitados, entre los que destacan: Warren Haynes a la guitarra slide, Doug Wilson al piano, Teresa Williams y Chen Chapman con voces adicionales, para terminar con algunas guitarras grabadas por el productor John Custer.

El vinilo que traemos es una edición limitada y numerada de 75o copias para todo el mundo editada por Music On Vinyl en vinilo de color White & Black Swirle.

The post Corrosion Of Conformity – America’s Volume Dealer first appeared on Four Skulls.

Aprovechando que para muchos de sus seguidores esta etapa es una de los mejores momentos de su carrera. El recopilatorio reúne catorce composiciones junto a grabaciones en directo y material inédito en Estados Unidos.

Las primeras ocho pistas seleccionan temas de estudio como Poison y House of Fire (extraídas de Trash), Hey Stoopid, Feed My Frankenstein y Love’s a Loaded Gun (de Hey Stoopid), así como Stolen Prayer, Lost in America e It’s Me (procedentes de The Last Temptation).

La segunda mitad del tracklist incluye seis tomas en vivo registradas originalmente para el vídeo Trashes the World, abarcando clásicos de su trayectoria como Under My Wheels, Billion Dollar Babies, I’m Eighteen, No More Mr. Nice Guy, Only Women Bleed y School’s Out. Cierra el listado una versión de Fire, tema original de Jimi Hendrix registrado originalmente como cara B del sencillo Love’s a Loaded Gun en 1991.

The post Alice Cooper – Classicks first appeared on Four Skulls.

Precedido por Le chant des sirènes de Orelsan y tras este salio, Où ça nous mène de Isleym. Skread asumió gran parte del peso instrumental del álbum compartiendo créditos con beatmakers como DJ Bellek, Trak Invaders, Gee Futuristic, Fred Savio, Koudjo o Shuko.

El concepto de la obra gira alrededor de la supervivencia haciendo alusión a la selección natural. El mc lo explicaba así en una entrevista para Canal Street: “Llamé a mi álbum Sélection naturelle por la época en que vivimos. […] Es una época apocalíptica donde el hombre se ha vuelto peor que un animal.

Soy fan de National Geographic. Me gustan mucho los documentales sobre animales, ver cómo se desarrolla un hormiguero o, por ejemplo, cuando una cocodrilo hembra da a luz a 6 crías y solo dos logran sobrevivir. […] Eso es solo un ejemplo para decirnos que tenemos que sobrevivir a la selección natural.

Soy un cachorro de león y tengo que sobrevivir en esta jungla urbana”. La grabación compuesta de 14 cortes, cuenta con colaboraciones de: Soprano, La Fouine, Mister You, Isleym, Selim du 94, Debrouya y Mélissa Nkonda. En mayo de 2026 y con motivo de su 15 aniversario, se publicaba por primera vez en vinilo, en una edición limitada y numerada de 1.000 unidades en vinilo plateado.

The post Nessbeal – Selection Naturelle first appeared on Four Skulls.

La producción corrió a cargo del propio Nuno Bettencourt junto al ingeniero Bob St. John, grabándose en los estudios New River de Fort Lauderdale (Florida), mientras que las secciones orquestales se registraron en los estudios Abbey Road de Londres. La masterización fue realizada por Bob Ludwig en los estudios Masterdisk de Nueva York.

Estructurado como un álbum conceptual, el repertorio se divide en tres bloques diferenciados titulados Yours, Mine y The Truth. La primera parte, Yours, está enfocada en el hard rock y el funk metal con letras de temática política y social, incluyendo composiciones como Warheads, Rest in Peace, Politicalamity, Color Me Blind, Cupid’s Dead que cuenta con un pasaje de rap interpretado por John Preziosa Jr. y Peacemaker Die, un homenaje a Martin Luther King Jr. que incorpora un extracto de su histórico discurso I Have A Dream de 1963.

La segunda sección, Mine, aborda un enfoque introspectivo donde Bettencourt adquiere mayor protagonismo en los teclados y pianos, integrada por cortes como Seven Sundays, Tragic Comic, Our Father, Stop the World y God Isn’t Dead?. La edición original en vinilo y casete incluyó además la balada Don’t Leave Me Alone, omitida en la versión estándar en CD por limitaciones de capacidad del formato.

Por su parte, la sección final, The Truth, se desarrolla como una obra de rock progresivo en tres partes bajo el título Everything Under the Sun (I. Rise ‘n Shine, II. Am I Ever Gonna Change y III. Who Cares?), y contó con los arreglos de una orquesta de 70 músicos.

A lo largo del trabajo se suceden diversos guiños a The Beatles, manifestados tanto en el uso de los estudios Abbey Road como en referencias líricas a canciones como A Day in the Life, Eleanor Rigby o Give Peace a Chance. El lanzamiento tuvo como sencillo destacado el corte Rest in Peace, el cual llegó al número uno en la lista Mainstream Rock de Billboard.

The post Extreme – III Sides To Every Story first appeared on Four Skulls.

La producción ejecutiva fue realizada por Sen Dog de Cypress Hill y Paul Stewart. O.G. Style definio la identidad sonora del disco. Lo consiguió mediante el uso de samples de música mariachi y sonoridades latinas fusionadas con las estructuras del hip hop de la Costa Oeste. El álbum incluye la colaboración de Sen Dog y Hurricane G (Gloria Rodríguez) en el tema Underground Connection, además de aportaciones de Dorian “Doe” Johnson en los teclados y Paul J. Thompson en la trompeta.

El artwork fue dirigido por Grant Lau, con ilustración de portada de Thellus Singleton y fotografías de Mike Miller. El trabajo alcanzó el puesto 74 en la lista US Billboard 200 y la posición 31 en la lista Top R&B/Hip-Hop Albums de Billboard.

The post Delinquent Habits – Delinquent Habits first appeared on Four Skulls.

La formación encargada de registrar las canciones estuvo compuesta por Jocke Berg a la voz, Thomas Silver a la guitarra, Martin Sandvik al bajo y Magnus “Adde” Andreasson a la batería. El título del álbum toma su nombre de la canción Bad Sneakers de la banda de jazz-rock Steely Dan.

A nivel comercial, la publicación tuvo una excelente acogida en su país natal, alcanzando el puesto número 7 en el top 10 de ventas de álbumes en Suecia durante el mes de mayo de 2000. El sonido del disco combina una base de rock and roll contundente con influencias directas del punk, el glam metal o el sleaze rock de la década de los ochenta. El repertorio está conformado en buena parte por temas regrabados de su primer lanzamiento.

The post Hardcore Superstar – Bad Sneakers And A Piña Colada first appeared on Four Skulls.

Las sesiones de grabación se llevaron a cabo en Larrabee Sound Studios y en Ameraycan Studios en Los Ángeles, en The Hit Factory, en D&D Studios, en Chung King Studios en Nueva York, y en The Hill.

Producido íntegramente por DJ Muggs, cuenta con apariciones de B-Real, Dr. Dre, Goodie Mob, RZA, GZA, La the Darkman, MC Eiht, KRS-One, Mobb Deep, Call O’ Da Wild y Wyclef Jean. El album tuvo mucha repercusión en su momento y ahora es un clásico que gana con el tiempo.

Hay otros 4 trabajos con este nombre, así en al año 2000 se publico Muggs Presents Soul Assassins II, DJ Muggs Presents Soul Assassins: Intermission salió en 2009, en 2018 se publico Soul Assassins: Día del Asesinato y la saga se cierra por ahora con Soul Assassins 3: Death Valley que se lanzo en 2023.

Un disco imprescindible editado en doble vinilo de 180g.

The post The Soul Assassins – The Soul Assassins (Chapter 1) first appeared on Four Skulls.

La banda presenta composiciones notablemente más accesibles y comerciales, alejándose del sonido punk sleazy de sus primeros trabajos como Diesel & Power (1993) y perdiendo parte de la agresividad característica de obras como Total 13. Pistas como Earn the Crown, Minus Celsius o Say When demuestran un enfoque orientado a melodías estructuradas con un claro potencial de radiofórmula, evidenciando un mayor control de la discográfica sobre el sonido final de la formación sueca.

Destaca la grabación de la pista Friends, con una lista de invitados de la escena del rock internacional sin precedentes. Contando con la participación de Joey Ramone (Ramones), Michael Monroe y Sami Yaffa (Hanoi Rocks), Danko Jones y miembros de su banda, Tyla (Dogs D’Amour), Nina Persson (The Cardigans), Kory Clarke (Warrior Soul), Nicke Andersson (The Hellacopters) y Björne Fröberg (The Nomads).

La colaboración se completó con múltiples integrantes de agrupaciones como Turbonegro, L7, The Dictators, The Dwarves, Mad Juana, Infinite Mass, Halfcocked y Tuscaurora, convirtiendo esta canción en un importante registro histórico dentro del género. 23 años despues de su primera edición en vinilo y 11 tras la segunda sale este tercer planchado en vinilo y el primero en vinilo de color en una edición limitada y numerada a 1.000 copias lanzada por Music on Vinyl en color transparente con marmoleado negro en vinilo de 180g.

The post Backyard Babies – Stockholm Syndrome first appeared on Four Skulls.

Este trabajo conmemora las tres décadas de trayectoria del grupo (1989-2019) reuniendo una selección de 18 canciones que repasan toda su discografía, incluyendo temas que van desde su debut School (1994) a Regreso al Punk (2015) pasando por los discos Novi’s Cap, P.P.M.” 7, 3rd Round Brand New P.R. Sound, Punk Rock Sucks y Truth Matters.

El disco se edita en formato físico en un vinilo transparente de 180g en carpeta gatefold.

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La banda, nacida como proyecto paralelo de Agnostic Front, se encontraba en un momento clave: la disolución temporal de Agnostic Front en 1992 había llevado a Freddy Cricien (hermano de Roger Miret) a tomar las riendas de Madball junto a Hoya Roc, Matt Henderson y Will Shepler, conformando una formación estable que ya giraba intensamente por Europa y Estados Unidos.

En Demonstrating My Style vuelcan esas experiencias en trece canciones directas, inspiradas en la vida de calle y en la dureza de su día a día. En entrevistas de la época, el bajista Hoya Roc señalaba que el álbum era “nuestro verdadero debut”, reivindicando un hardcore sin concesiones, fiel a la tradición neoyorquina y ajeno a modas. También remarcaba la buena relación con Roadrunner, sello que había apostado por ellos sin intentar suavizar su sonido.

La banda acompañó el lanzamiento con un videoclip de “Pride (Times Are Changing)” dirigido al mercado europeo y con una gira que reforzó su estatus internacional. Las críticas reflejaron esa dualidad: medios especializados en hardcore celebraron su energía y la credibilidad de las letras, mientras que publicaciones más escépticas, como la alemana Rock Hard, cuestionaban el tono callejero y las letras. Pese a las opiniones encontradas, el disco se convirtió en un referente de los noventa y en una piedra angular del hardcore de Nueva York, puente entre la vieja escuela y la nueva generación que tomaría el relevo.

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Inspirado por el poema homónimo de Toi Derricotte, Joy as an Act of Resistance trata temas como la masculinidad tóxica, la inmigración, el Brexit, la paternidad, la clase y el duelo. Uno de los momentos más duros lo encontramos en “June”, tema que habla de la muerte en el parto de la hija de Talbot, Agatha. Pero también hay espacio para la esperanza (“Love Song”), el humor ácido (“Never Fight a Man with a Perm”) y el homenaje a la amistad inmigrante (“Danny Nedelko”).

El álbum fue producido por Space y mezclado por Adam Greenspan y Nick Launay. La portada es una icónica foto de una pelea en una boda de 1968 que Talbot encontró en Instagram, perfecta metáfora visual para el caos emocional y político que atraviesa el disco. Además de sus temas originales, la banda incluye una versión del clásico soul de 1961 “Cry To Me”, de Solomon Burke. El resultado fue un éxito rotundo para la crítica, con Joy as an Act of Resistance alcanzando el #5 en las listas del Reino Unido y estableciendo a Idles como una de las bandas más importantes del post-punk contemporáneo.

El grupo giró intensamente por Japón, Norteamérica y Europa, consolidando su reputación como una de las bandas más feroces y humanas en directo. Esta edición se publicó en 2023, para conmemorar el quinto aniversario del disco con una reedición deluxe en vinilo de 180g, limitada a 8.000 copias, que incluye ocho láminas intercambiables con 16 obras originales de la exposición Joy as an Act of Resistance. Una auténtica pieza de coleccionismo. Cinco años después, Joy as an Act of Resistance sigue sonando como un grito de comunidad, de redención, de lucha y de amor. Es, como diría Talbot, un acto de resistencia.

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Fue grabado y mezclado por Chris Baseford en The Chop Shop con la producción del propio Rob Zombie. Ahora, 15 años después de su primera edición en vinilo, Hellbilly Deluxe 2 se reedita en vinilo de 180g.

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La portada del álbum es una mujer miembro del Vietcong con el arma de un soldado estadounidense en la cabeza. El álbum fue tocado en vivo en su totalidad por primera vez en 2017 por Max Cavalera con su banda Soulfly, más de 20 años después del lanzamiento del álbum y la separación de la banda. Sin embargo, Alex Newport no fue parte de estas actuaciones debido a su apretada agenda.

El hijo de Cavalera, Zyon, interpretó las partes vocales y de teclado de Newport para la gira. En agosto de 2024 Max informo de un evento que tendrá lugar en el Marquee Theatre de Arizona para el mes noviembre de este año bajo el nombre Max Cavalera Dynasty.

En este evento tendrá lugar un concierto en principio único de Nailbomb con la siguiente formación: Igor Amadeus Cavalera y Travis Stone (Cavalera Conspiracy, Noism, Pig Destroyer), al bajo Johny Chow (Stone Sour), a los samplers Alex Cha (Pig Destroyer) y a la batería Adam Jarvis (Misery Index).

Además de Nailbomb estarán tocando Soulfly, Go Ahead And Die, Healing Magic, Incite, Jade Helm y contaran con las bandas invitadas: Shadow Guilt, Six Million Dead, Ocean Harvest y Zherra. Esperamos que el evento sea un éxito y Máx se anime a hacer más fechas aunque lo vemos realmente complicado.

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La elección de este entorno buscaba un ambiente creativo más libre y natural, con acceso directo al mar, lejos de la presión de los estudios tradicionales. El disco supuso un paso más en la evolución de Incubus, alejándose definitivamente del nu metal y explorando un sonido más amplio y melódico, donde conviven pasajes de rock alternativo, hard rock, soft rock y elementos experimentales.

Temas como “Wish You Were Here”, “Nice to Know You”, “Warning” y “Are You In?” fueron lanzados como sencillos, logrando gran impacto en radio y MTV, y consolidando al grupo como uno de los más exitosos de la escena alternativa de inicios de los 2000. El álbum alcanzó el puesto nº2 en el Billboard 200, fue certificado doble platino en Estados Unidos y se convirtió en el mayor éxito comercial de la banda. Este álbum fue también el último en contar con Dirk Lance (Alex Katunich) al bajo, quien abandonó la formación en 2003.

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