A nivel de estudio, revolucionó el sonido al ser el primero en utilizar cajas de ritmos, samplers y loops, consolidándose también como el primer gran productor de beats para música rap. Todo este impacto técnico y alcance comercial le llevaron a grabar el primer videoclip del género o salir en un anuncio de la bebida Sprite, algo impensable en la epoca para un artista de una cultura aún en pañales.

Collected es un disco recopilatorio de Kurtis Blow que fue lanzado el 28 de junio de 2024 por el sello Music On Vinyl en formato de doble vinilo de 180g. El trabajo reúne los mayores éxitos del artista a lo largo de su carrera e incluye colaboraciones acreditadas con músicos como The Fat Boys, Run D.M.C., Sheila E, René and Angela o Kool & The Gang. Entre los temas seleccionados se encuentran clásicos del rap como Christmas Rappin, The Breaks, Basketball o If I Ruled The World.

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Este registro supuso un punto de inflexión importante en su carrera, ya que es el único disco de toda su discografía grabado con el batería Dan Richardson y el último antes de la salida temporal de su voz principal. Musicalmente, las composiciones se alejaron algo del sonido más metalero de sus inicios, introduciendo elementos de corte más psicodélico y dando luz a “My Mind Is Dangerous”, considerada la primera balada de su trayectoria.

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Técnicamente, el álbum destaca por el uso pionero de arreglos orquestales de viento fundidos con riffs pesados, especialmente en su éxito Race with the Devil. El single se colo en el top ten en las listas del Reino Unido, llegando a número 1 en algunos territorios y al puesto 35 en los charts australianos.

El sonido del álbum, caracterizado por una distorsión avanzada para su época y estructuras complejas, situó a la banda como un nexo de unión entre la psicodelia de finales de los 60 y la inminente explosión del hard rock de los 70. Otro dato relevante es su portada, que supuso el primer trabajo acreditado del ilustrador Roger Dean que más tarde trabajaría en portadas de bandas como Yes, Uriah Heep o Asia.

Algunas curiosidades sobre Race with the Devil es que ha sido versioneada y grabada por bandas como Judas Priest, Girlschool, Church of Misery o Black Oak Arkansas. Aunque tambien es conocido que Jimi Hendrix reprodujo su riff principal en su actuación en el Festival de la Isla de Wight en 1970 incluyendolo en su tema Machine Gun. En febrero de 2026 salía esta reedición en vinilo de 180g de color Smokey Marble en una cuidada edición limitada a 1.000 copias numeradas.

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Desde niño mostró un talento excepcional para la percusión y pronto comenzó a tocar profesionalmente con bandas latinas de Nueva York. Dance Mania de Tito Puente And His Orchestra, publicado originalmente en 1958 por el sello RCA Victor, es considerado el trabajo más influyente y exitoso en la carrera del percusionista.

Grabado entre noviembre y diciembre de 1957 en los estudios de RCA en Nueva York, el álbum se distingue técnicamente por ser uno de los primeros grandes lanzamientos latinos interpretados íntegramente en la lengua de Cervantes, contando con la voz del puertorriqueño Santos Colón.

En una época donde las orquestas de mambo solían grabar temas instrumentales o en inglés para el mercado angloparlante, Puente optó por un enfoque auténtico que integraba mambo, cha-cha-cha, son montuno, guaguancó, bolero y ritmos de raíz africana como el bembe.

La instrumentación destaca por una sección de percusión vibrante y arreglos de jazz orquestal en cortes como El Cayuco y la instrumental 3-D Mambo, diseñados específicamente para el dinamismo de los salones de baile. Su legado es tal que fue incluido en el National Recording Registry en 2002 y forma parte de la selección del libro Los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, situándose como el precursor estético del movimiento salsa que dominaría la escena neoyorquina en las décadas posteriores. Este disco es historia de la música del siglo 20.

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El proceso de masterización fue ejecutado por Kenneth Svensson en los estudios Bohus Mastering. El disco cuenta con la participación de la formación clásica compuesta por Jocke Berg, Martin Sandvik, Magnus Andreasson (Adde) y Thomas Silver.

En lo musical, el álbum marcó un punto de inflexión al abandonar el sonido más garagero de su trabajo anterior para abrazar el Hard Rock. El disco alcanzó el puesto número 4 en las listas oficiales de ventas de Suecia (Sverigetopplistan). El artwork es de Martin Westerstrand (vocalista de Lillasyster) y se complementa con fotografías de Daniel Lagerlöf.

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Este trabajo fue un éxito masivo que fusionó de forma magistral el R&B, el New Jack Swing y el Soul, impulsado por singles icónicos como “My Lovin’ (You’re Never Gonna Get It)” y la versión de “Free Your Mind” inspirada en la canción de Funkadelic “Free Your Mind and Your Ass Will Follow”.

çCon una producción sofisticada y unas armonías vocales impecables, el álbum no solo dominó las listas de ventas, sino que redefinió la imagen de los grupos femeninos de los años noventa hacia una propuesta más empoderada y estilosa.

El disco obtuvo una nominación al Grammy en la categoria Mejor interpretación de R&B de un dúo o grupo con voces, pero ganó el premio al álbum favorito de Soul/R&B en los American Music Awards de 1993 y el premio Sammy Davis Jr. al artista del año en los Soul Train Music Awards de 1993.

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Es el primer disco del grupo en un sello de la envergadura de CBS y originalmente tenía previsto llamarse Silver Missiles And Nightingales. El productor del álbum, Bob Ezrin, había trabajado anteriormente con artistas de renombre como Pink Floyd, Kiss y Alice Cooper, lo cual fue una de las principales razones por las que Hanoi Rocks quería que él produjera el álbum.

Ezrin quería que el álbum tuviera una atmósfera más pesada y una guitarra más oscura que los trabajos anteriores de la banda, manteniéndolo melódico y punk.

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Con este álbum, Prong empezó a crear un estilo más definido, combinando thrash metal, speed metal y hardcore con un enfoque más disciplinado y técnico. El tema “Lost and Found” fue utilizado en los cortes publicitarios del programa Headbangers Ball de MTV a principios de los noventa.

El disco está considerado uno de los primeros ejemplos de groove metal, incluso anterior a Cowboys from Hell de Pantera, que fue editado cuatro meses después. El propio Tommy Victor lo definió años más tarde como “el primer disco de groove metal”, reconociendo que su aportación a este subgénero ha quedado muchas veces eclipsada. La recepción crítica fue en general positiva.

AllMusic subrayó la solidez y la disciplina de su propuesta, destacando la base rítmica de Parsons. Publicaciones posteriores como Metal Digest lo han reivindicado como un trabajo esencial y uno de los más infravalorados de su época, situando a Prong junto a Exhorder como pioneros y responsables de sentar las bases que poco después consolidarían el groove metal.

Edición limitada a 1.500 para todo el mundo en vinilo amarillo translúcido de 180g. Incluye encarte con letras y créditos, presentado en funda de lujo con acabado laminado.

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El álbum alcanzó el puesto 117 en la lista Billboard 200 y llegó al número 2 en la clasificación Heatseekers, confirmando a L7 como una de las formaciones más potentes de la escena. Uno de sus cortes más destacados, “Fuel My Fire”, se basó en el tema Lost Cause de Cosmic Psychos y más tarde sería versionado por The Prodigy en su exitoso The Fat of the Land (1997), lo que impulso de nuevo el reconocimiento del grupo.

El título Hungry for Stink surgió de un anuncio visto en la revista Bear Magazine, un medio gay dirigido a hombres corpulentos y velludos, demostrando la ironía y provocación características del cuarteto. Con el paso del tiempo, Hungry for Stink se ha consolidado como uno de los trabajos más duros y crudos de la banda angelina, marcando el final de una etapa antes de su largo parón posterior.

Aunque menos inmediato que Bricks Are Heavy (1992), hoy se reconoce como una pieza fundamental para entender la evolución de L7 y su legado en el grunge y el rock alternativo de los años noventa.

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Este recopilatorio pone el foco en su faceta más cercana al jazz y en especial a los temas en los que se acompañaba de big bands, reflejando tanto su versatilidad vocal como la búsqueda de un sonido propio. La selección ofrece un retrato de una artista en formación y en experimentación, con interpretaciones que van desde piezas intensamente emocionales hasta composiciones más ligeras y orquestadas.

Aunque Columbia recibió críticas por no haber aprovechado plenamente su talento en aquella época, recopilaciones como esta han servido para reivindicar y dar visibilidad a este capítulo inicial de su trayectoria. Fue publicado originalmente el 24 de septiembre de 2002 por Legacy Recordings. Aunque esta maravillosa edición de Music On Vinyl se publica en 2023 en triple vinilo de 180g color dorado con marmoleado negro. Hablamos de una edición limitada y numerada de 2.000 copias para todo el mundo.

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Producido ejecutivamente por Sen Dog (Cypress Hill) y Paul Stewart, el disco incluye colaboraciones de Mellow Man Ace, Rude, Big Pun, JuJu y del propio Sen Dog que aparece hasta en cuatro cortes. Con 15 canciones que casi llegan a la hora de duración, el álbum combina temas de fiesta con mensajes políticos y sociales, como el rechazo a la Proposición 187, y se apoya en samples de artistas como King Tee, Sade o Herb Alpert & The Tijuana Brass.

Entre los momentos más destacados están This Is L.A. y la propia Here Come The Horns, que contaron con videoclips oficiales, así como Western Ways y su segunda parte La Selección, donde el grupo explora su identidad cultural. Here Come The Horns consolidó a Delinquent Habits como pioneros del rap latino bilingüe y es considerado un título clave de su discografía.

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Grabado principalmente en los míticos Electric Lady Studios de Nueva York, estudio personal de Jimi Hendrix, que ya se había utilizado para registrar álbumes emblemáticos de David Bowie, Stevie Wonder o John Lennon.

Fue grabado en su mayoría en sistema analogico, lo que da al disco una calidez que no tienen la tecnologías digitales. Incluye colaboraciones de varios miembros del grupo Soulquarians, del cual Badu era miembro.

También cuenta con invitados como la cantante de soul Betty Wright o el trompetista Roy Hargrove por citar algunos colaboradores más. «Mama’s Gun» recibió críticas generalmente positivas y a pesar de que tuvo menos éxito comercial que «Baduizm», llegó a recibir la certificación de disco de platino en Estados Unidos.

La revista Rolling Stone lo nombró uno de los 10 mejores álbumes del 2000 y en 2020 en su listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, además de en la lista que se creo para el libro: Los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.

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Grabado entre los estudios Mirror Image de Long Island y Soundtrack Studios en Manhattan, Back in Business recupera el sonido clásico de EPMD con ese funk crudo y minimalista que los convirtió en referentes desde sus inicios. La producción corrió a cargo del propio dúo con la excepción del corte Put On con beat de DJ Scratch que además se encarga de los scratches de todo el trabajo. El disco cuenta con colaboraciones de auténtico lujo contando con Redman, Das EFX, Keith Murray y Nocturnal.

Entre los cortes más destacados está el sencillo “Da Joint”, que alcanzó el número 94 en el Billboard Hot 100 y se convirtió en su segundo mayor éxito tras “Crossover”, acumulando actualmente casi 90 millones de reproducciones solo en Spotify siendo su tema más reproducido en dicha plataforma. También sobresale “Never Seen Before”, lanzado en un split con Foxy Brown dentro del recopilatorio How to Be a Player, y “Richter Scale”, aunque este último no logró tanto impacto comercial.

A nivel de recepción, el álbum funcionó bien en Estados Unidos: llegó al puesto 16 en el Billboard 200 y al número 4 en la lista de R&B/Hip-Hop Albums, siendo certificado Disco de Oro por la RIAA apenas dos meses después de su publicación. En Reino Unido logró posicionarse en el número 100 de la lista general de álbumes y en el número 14 del ranking específico de hip hop y R&B, lo que habla del interés que seguía generando el grupo también fuera de sus fronteras. Back in Business no es simplemente un regreso: es una reafirmación de estilo y una muestra de madurez musical.

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El álbum introduce una propuesta mucho más compleja y ambiciosa que su debut, combinando riffs acerados, estructuras más cambiantes en las que destaca la descomunal amplitud vocal de Rob Halford, que alterna registros graves y agudos con una soltura nunca antes escuchada. El núcleo emocional y musical del álbum es “Victim of Changes”, una suite de casi ocho minutos que ejemplifica todas las virtudes del grupo: guitarras pesadas y melódicas, secciones vocales dramáticas y una intensidad creciente que culmina en una sección final lenta y atmosférica.

Otros momentos destacados del disco incluyen “The Ripper”, una ráfaga de rock potente y siniestro con una letra inspirada en Jack el Destripador, y “Tyrant”, una pieza feroz cargada de giros estructurales y solos afilados. Por otra parte, temas como “Genocide” y “Island of Domination” refuerzan el lado más agresivo y técnico del disco, mientras que canciones como “Epitaph” –acompañada solo por piano– y la melancólica “Dreamer Deceiver” demuestran la amplitud estilística de la banda, incorporando pasajes progresivos y melódicos poco comunes en el metal de la época.

Grabado en los Rockfield Studios de Gales bajo condiciones económicas extremadamente limitadas, el álbum fue producido por Jeffery Calvert, Max West y los propios Judas Priest. Las penurias económicas llevaron a los miembros del grupo a sobrevivir con una comida al día y realizar trabajos esporádicos mientras componían y grababan.

Esta situación empujó a la banda a romper su contrato con Gull y firmar con CBS Records para su siguiente disco, Sin After Sin (1977), pero como consecuencia, los derechos de Sad Wings of Destiny y sus demos quedaron en manos de su antigua discográfica.

Aunque sus ventas iniciales fueron modestas, el legado del álbum ha crecido hasta convertirlo en una piedra angular del heavy metal. Su impacto fue decisivo no solo para el sonido futuro de Judas Priest, sino también para el desarrollo de subgéneros como el speed metal, el power metal y el NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal), ejerciendo influencia directa sobre bandas como Iron Maiden, Metallica, Helloween o Mercyful Fate. Edición limitada en vinilo de 180g de color plateado.

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Grabado en Rumbo Recorders (California) con producción de Mustaine y Mike Clink, el álbum destaca por su precisión técnica, riffs complejos y solos virtuosos, especialmente en piezas como “Holy Wars… The Punishment Due”, “Hangar 18” y “Tornado of Souls”. Las letras abordan temas como conflictos políticos y religiosos, conspiraciones, adicciones o la amenaza nuclear, consolidando a Megadeth como una banda comprometida y afilada tambien en sus letras.

La ilustración de la portada, creada por Ed Repka, muestra a la mascota Vic Rattlehead acompañada de algunos líderes mundiales observando un alienígena en un cápsula, un guiño directo a la temática de “Hangar 18”. Rust in Peace fue nominado al Grammy a Mejor Interpretación de Metal y alcanzó el disco de platino en Estados Unidos.

Con el tiempo, ha aparecido en innumerables listas de “mejores álbumes de metal”, incluyendo la selección del libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. Medios como Decibel y Kerrang! lo han definido como un referente absoluto que marcó un antes y un después en el género.

La gira de su 20º aniversario reafirmó el estatus legendario del álbum, interpretado íntegramente en directo y posteriormente editado en el lanzamiento Rust in Peace Live. Su legado se ha extendido a videojuegos como Guitar Hero y Rock Band, donde canciones como “Holy Wars” y “Hangar 18” se han convertido en retos míticos. Rust in Peace no sólo consolidó a Megadeth entre los grandes del thrash, sino que se mantiene como un pilar imprescindible para entender el metal de los 90 y la evolución técnica del género.

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Fue producido principalmente por Pete Rock y el productor ejecutivo fue DJ Eddie F de Heavy D & the Boyz (co-miembro del grupo con Trouble T-Roy). El disco se grabó en los Greene St. Recording de Manhattan, New York.

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Frente a la luminosidad combativa de trabajos anteriores como Vivid o Time’s Up, aquí las letras se tornan más pesimistas, introspectivas y desafiantes, con un sonido más agresivo y orgánico. El resultado fue un disco complejo y visceral que alcanzó el puesto 26 en la lista Billboard 200. Temas como Go Away, Mind Your Own Business o el potente single Leave It Alone que fue nominado a los Grammy en 1994 como Mejor Interpretación de Hard Rock muestran a la banda en plena forma, con riffs afilados, una base rítmica demoledora y la voz siempre incisiva de Corey Glover.

La producción corrió a cargo del veterano Ron Saint Germain junto a la propia banda. Durante casi dos décadas el álbum estuvo descatalogado por problemas legales derivados de una demanda interpuesta por Jon Stainbrook, líder de la banda The Stain. Esto lo convirtió en una pieza muy buscada por coleccionistas hasta que, en 2013, fue reeditado en CD y digital, y finalmente en 2018 en una edición limitada en vinilo verde. A día de hoy, Stain es considerado un “dark horse” dentro del catálogo de Living Colour: menos inmediato, pero profundamente innovador, oscuro, intenso y visionario. Un disco clave para comprender el cruce de caminos entre el metal noventero y la herencia del funk y la conciencia afroamericana. Esta edición limitada a 2.000 copias numeradas sale en vinilo de color azul translúcido en vinilo de 180g.

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El álbum cuenta con nombres como R.E.M., Nick Cave and the Bad Seeds, Pixies, Lloyd Cole, John Cale, Ian McCulloch, Robert Forster o The House of Love, entre otros. Cada artista aporta su visión sobre el universo Cohen, desde la fidelidad emocional hasta la deconstrucción más libre.

En ese sentido, destaca especialmente la versión de “Tower of Song” firmada por Nick Cave: un collage editado a partir de una jam de más de una hora, transformado en una interpretación radical y casi experimental. I’m Your Fan no es un simple disco de versiones: es un retrato colectivo del respeto (y también la libertad creativa) que el universo de Leonard Cohen ha generado entre músicos de distintas escenas y estilos. Folk, indie rock, post-punk o art pop se dan la mano para rendir homenaje a una obra inagotable.

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Aquí Cooper deja atrás el sonido glam de Trash o Hey Stoopid y se adentra en un territorio más oscuro y narrativo, con una atmósfera cargada de elementos teatrales y dilemas morales. La producción corre a cargo de Don Fleming, Duane Baron, John Purdell y Andy Wallace, y el resultado es un disco de hard rock con tintes de heavy metal, con una orientación más conceptual y menos orientada a los singles comerciales.

Entre las colaboraciones destacan Chris Cornell (Soundgarden), quien co escribe y canta en dos temas, Dan Wexler (Icon), que firma cuatro canciones y toca la guitarra en el potente single “Lost in America”, y Derek Sherinian (Dream Theater) a los teclados. El disco vino acompañado de una trilogía de cómics escrita por Neil Gaiman (The Sandman), en la que se desarrolla la historia del álbum.

El propio Cooper aparece como el personaje del Showman en los cómics, publicados inicialmente por Marvel y reeditados en formato recopilatorio por Dark Horse. Algunas de sus páginas también aparecen en el videoclip de “Lost in America”. Aunque en su momento pasó algo desapercibido por el declive del rock de estadio, con el paso del tiempo The Last Temptation ha ganado reconocimiento como una de las obras más sólidas de Alice Cooper en los 90.

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Ultra Twist representa uno de los últimos lanzamientos de la banda antes de su disolución en 2009 y refleja a la perfección su singular fusión de punk, rockabilly y garage rock. Grabado y mezclado en Earle’s Psychedelic Shack por el guitarrista, ingeniero de sonido, productor y propietario del estudio Earle Mankey. Los temas fueron producidos por Poison Ivy y Lux Interior.

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