La masterización se llevó a cabo en Sterling Sound, Nueva York, por Ted Jensen. Este trabajo consolidó el sonido de la banda hacia un metal con pinceladas de diferentes subgeneros incluyendo el rap metal, es en general más elaborado que sus predecesor Sanatorio de Muñecos (1993). La formación que grabó el disco estuvo integrada por J. Molly en la voz, Luis Tárraga y Pedro Sánchez en las guitarras, Augusto Hernández al bajo y Paco Sánchez en la batería.

El número 12.111 hace referencia a la cifra de firmas que fueron recogidas y entregadas durante las movilizaciones y acampadas por el 0,7% del Producto Interior Bruto (PIB) para la ayuda al desarrollo, que tuvieron lugar en Madrid y otras ciudades a finales de 1994. En la retina queda la presentación de este disco a las 14:00 de la tarde en el Festimad del 1996 en el que la mayor parte del respetable no sabia por donde le venian las ostias.

Hamlet estaba ya tres pasos por delante del público de aquella tarde que no supo valorar ni disfrutar aquel tremendo concierto. En su lanzamiento solo fue publicado en casete y CD, no saliendo en vinilo hasta 2024 en una edición limitada a 300 copias publicada por la banda y que apenas llego al mes disponible. Ahora Desdemona lo reedita en una edición en vinilo de color negro y otra en vinilo de color amarillo.

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La grabación se llevó a cabo en los estudios NRG Recording Services de North Hollywood. El álbum es mundialmente reconocido por la colaboración de Ozzy Osbourne en la versión del tema Shock The Monkey de Peter Gabriel, canción que se convirtió en un éxito rotundo en la MTV. Además de esta participación estelar, el trabajo cuenta con la presencia de DJ Lethal de House Of Pain y Limp Bizkit en la programación.

Destacan temas como Tyler’s Song, Not Living o El Cu Cuy, y sirvió para consolidar al grupo de Dez Fafara como una pieza clave en la transición del nu metal hacia sonidos más oscuros a finales de la década.

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Buscando una textura que se sintiera enraizada en el mundo analógico pero unida por hilos de realidad digital, la banda decidió grabar en los estudios Electrical Audio bajo la ingeniería del legendario Steve Albini.

Esta decisión técnica resulta en un sonido más crudo y orgánico, alejándose de la compresión excesiva habitual en el metal moderno y permitiendo que la dinámica del directo respire en la mezcla final.

El álbum navega por un espectro que va desde el rock industrial hasta el grunge de los 90, legitimando sus aspiraciones melódicas en temas clave como “Take Shape”, que cuenta con la colaboración vocal de Billy Corgan (The Smashing Pumpkins).

Además de la evolución estilística, el álbum presenta novedades en la alineación, siendo el primer registro con el batería Max Portnoy, quien se integra en esta nueva dinámica de groove metal oscuro.

Aunque la accesibilidad de ciertos cortes supone un desafío para los puristas de los sonidos más extremos, la crítica especializada ha valorado positivamente el riesgo, considerando este trabajo como la prueba de que Code Orange no teme quemar sus propias bases para construir algo nuevo.

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El Inferno supuso la internacionalización del grupo y su reconocimiento definitivo dentro del panorama del metal estatal. Destacan temas como Denuncio a Dios o Vivir es una ilusión es un disco que ha envejecido bien, aunque en nuestra opinión su conjunto no baja algo el nivel de sus precedesores: Sanatorio de Muñecos y Revolución 12.111. La portada del disco es obra de Daniel Alcover. Ahora coincidiendo con el 25 aniversario de su lanzamiento Desdemona, lo edita por primera vez en formato vinilo en dos ediciones: vinilo de color negro y una edición limitada en vinilo azul con splatter negro.

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Con una producción marcada por la tensión interna y la colaboración de nombres ilustres como Tom Waits, Tom Morello (Rage Against the Machine), Fred Durst (Limp Bizkit), Stewart Copeland (The Police), James Hetfield (Metallica) o Jim Martin (Faith No More), el álbum es un cruce explosivo de influencias. Musicalmente, Antipop se mueve entre el nu metal, el metal alternativo, el funk metal, el funk rock y el rock experimental, con un sonido más agresivo en parte impulsado por la producción de Fred Durst, que animó a la banda a recuperar la contundencia de trabajos como Sailing the Seas of Cheese o Frizzle Fry.

Entre sus canciones destaca “Coattails of a Dead Man”, una oscura narración coescrita y grabada con Tom Waits, cuyo trasfondo provocó controversia por su supuesta alusión a Courtney Love. Otros cortes como “Lacquer Head”, “Electric Uncle Sam” o “Greet the Sacred Cow” muestran el lado más incisivo y rítmico del trío.

A pesar del contexto difícil su cantante y bajista Les Claypool reconocería que fue “el disco más complicado de nuestra carrera”, Antipop dejó un catálogo de colaboraciones y experimentos sonoros que lo han convertido en un álbum de culto dentro de su discografía. Su duración de casi una hora ofrece una obra intensa y variada, que cerró un capítulo importante en la historia de Primus antes de su regreso en 2003.

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Este disco fue el único en contar con el guitarrista original Josh Brainard, que dejó el grupo al final de la grabación, siendo sustituido por Jim Root, quien tuvo tiempo de participar en dos temas. Con un sonido caracterizado por su intensidad, abundante percusión y una atmósfera oscura a la par que agresiva, el álbum se enmarca principalmente en el nu metal, aunque incorpora elementos de metal alternativo y death metal.

Incluye temas icónicos como Wait and Bleed, Spit It Out o Surfacing, que pronto se convirtieron en himnos del género. El lanzamiento fue un éxito inmediato, alcanzando el puesto 51 en la Billboard 200, recibiendo elogios de crítica y público, y logrando con el tiempo la certificación de doble platino en Estados Unidos. En 2011, fue votado por los lectores de Metal Hammer como el mejor disco debut de los últimos 25 años. En septiembre de 2025 llega esta edición 25 aniversario, la primera reedición conmemorativa oficial en más de dos décadas. Esta reedición además del disco original cuenta con 13 temas extra.

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Cuenta con la participación del bajista de gira Fred Sablan, completando la formación junto a Chino Moreno, Stephen Carpenter, Abe Cunningham y Frank Delgado. El resultado es un conjunto de 11 nuevos temas magistrales que funciona como nuevo punto de referencia en la carrera de Deftones y ampliando los límites de su creatividad en esta nueva mutación. Una nueva etapa de introspección y refinamiento que muestra la versión de sí mismos más evolucionada que hemos oído hasta ahora.

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Una vez en California, Koichi Fukuda se convirtió en guitarrista, y poco después, descubrieron al californiano Tony Campos para completar la formación como bajista. Warner descubrió a la banda en California y los fichó en febrero de 1998. Wisconsin Death Trip alcanzó el puesto número 107 en el Billboard 200 de EE. UU. y el número uno en la lista Top Heatseekers.

Fue certificado como disco de platino por la RIAA en 2001. El disco estuvo apoyado por tres sencillos: Push It, I’m with Stupid y Bled for Days. El disco se grabó en los Grandmaster Studios de Hollywood por Michael “Elvis” Baskette y se mezcló en Master Control por Ulrich Wild que además produjo el disco junto a la propia banda.

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Fue lanzado el 27 de mayo de 1997, exactamente dos años después de la formación de Snot el 27 de mayo de 1995. El guitarrista Sonny Mayo recordó más tarde que el perro que aparece en la portada también tuvo una camada de cachorros el día que salió el álbum.

La publicación australiana Tone Deaf escribía en 2015 que, “cuando Snot lanzó su álbum debut Get Some en 1997, fue anunciado como uno de los discos más melódicos y cargados de ritmo de la escena nu metal. Lleno de riffs punk y funk pesados y con ritmos endiablados, el álbum encontró inmediatamente el favor de la crítica y le ganó a la banda una legión de Snot Heads, ayudando a alimentar el fuego fundacional de un nuevo movimiento musical que iba a arrasar el mundo”.

En 2022, Revolver incluyó a Get Some en una lista de las “5 mejores maravillas de un solo álbum” y etiquetó la música como una mezcla de “funk-rock al estilo de Red Hot Chili Peppers con ritmos thrashers hardcore veloces y rap-metal bullicioso a lo Limp Bizkit”

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A mediados de 2024 lanzan el contundente “Udol” el primer tema de Indar en catalán que se lanza apoyado por un videoclip que supera los 100K de visualizaciones en menos de tres meses y a que día de hoy se acerca a los 150K. Una canción agresiva, un grito para la libertad y una canción dedicada a la sororidad. La historia de Indar continua con “Nostalgia” bajando el pie del acelerador y demostrando su versatilidad con un sonido más melódico.

El último lanzamiento publicado es Oxyde que tambien sale con videoclip y ya oficialmente como adelanto de Alange lo que será el primer disco de Indar. El disco sale editado en nuestra primera coedición con La Rubia Producciones y no podemos estar más contentas de formar parte de esta historia. El disco está producido por Oscar David y se ha grabado en Axtudio. Para el artwork del disco han contado con el trabajo de la diseñadora gráfica Rachel Demetz.

Durante este último año han compartido diferentes escenarios con grupos como Inter Arma (EE.UU) en un concierto producido por Aloud Music o las madrileñas Bones of Minerva. Han formado parte de carteles independientes como Le Reyerté o Metalokolypse Fest y Cobrafem en Galicia. Estamos seguras que lo mejor está aún por venir. Os dejamos con palabras de las propias Indar: ‘’No tenemos miedo a explorar nuevos terrenos, todas amamos como género principal el metal pero entendemos que la música va más allá de etiquetas. Así mismo, tampoco nos conformamos con mostrar solo esa parte dura, a nivel emocional, que suele ofrecer la música más extrema’’, ‘’Nos desprendemos del cómo ‘’debería ser’’. Habitamos en esa verdad que la vida te ofrece. Orgullosas de nuestro aspecto, sea cual sea, ocupamos el espacio que sea necesario. Somos imperfectas, así que alzamos la voz y dejamos gritar a ese ser salvaje que llevamos dentro. INDARRA’’

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El título del álbum Hybrid Theory se escoge por ser el anterior nombre de la banda y por la combinación de los diferentes estilos musicales que forman el sonido de Linkin Park.

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El álbum fue certificado oro por la RIAA en 1999, y solo dos años más tarde obtuvo certificado platino. Con este trabajo el grupo alcanzó un reconocimiento a nivel global gracias a un disco muy completo y trabajado. El productor Terry Date declaró que la banda quería volverse “más sofisticada” con Around the Fur.

Las letras abordan temas como la percepción juvenil, la angustia existencial, el sexo, el romance, la violencia, la muerte de seres queridos o las rupturas. La grabación tuvo lugar entre abril y junio de 1997 en Studio Litho en Seattle, que era propiedad de Stone Gossard de Pearl Jam. En el tema Headup cuentan con la colaboración de Max Cavalera (Soulfly, Sepultura, Nailbomb).

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Las composiciones corren a cargo de Molly y Luis Tárraga, con la excepción de “Ser o no Ser”, donde también colaboraron Tenorio y Marín. Este trabajo demuestra una vez más la capacidad de Hamlet para evolucionar sin perder su esencia, consolidando su legado en la escena del metal estatal.

La ficha técnica del disco es auténtica pasada empezando por la grabación en Sadman Studios con producción de Carlos Santos junto a la banda, mezclado en Godcity Recording Studio por Kurt Ballou (Converge) y masterizado en Audiosiege por Brad Boatright.

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Catharsis es el último álbum de estudio de Machine Head que presenta al baterista Dave McClain y al guitarrista Phil Demmel, quienes dejaron la banda a fines de septiembre de 2018 por su desagrado con la dirección del álbum y los conflictos con Robb Flynn. El disco se grabó en los Sharkbite Studios de Oakland, California con Robb Flynn y Zack Ohren como productores.

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Este es el último álbum de la banda con el guitarrista Jardel Paisante. Fue grabado entre Hi-Fi Studios y Millbrook Sound Studios con la producción de Eddie Wohl, Dave Chavarri, Cristian Machado y Dan Korneff. Cuenta con la colaboración de Jamey Jasta de Hatebreed en el tema Turns to Gray.

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Cuenta con las colaboración de Juan de Soziedad Alkoholika en el tema Desde que el mundo es mundo. Más de 20 años después de su lanzamiento original y gracias a Kasba Music, podemos disfrutar de esta reedición que sale por primera vez en vinilo.

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Fue grabado y mezclado por Chris Baseford en The Chop Shop con la producción del propio Rob Zombie. Ahora, 15 años después de su primera edición en vinilo, Hellbilly Deluxe 2 se reedita en vinilo de 180g.

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Destacan temas como Máximo Daño, Buenos Tiempos, Mezquindad, Pauso Bat con letra de Ion Maia, Polvo en los Ojos que da título al disco o Escapada la versión de Dayglo Abortions. Un disco que ha envejecido bastante bien y que ahora puedes volver a tener en una edición en vinilo de color gris.

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La elección de este entorno buscaba un ambiente creativo más libre y natural, con acceso directo al mar, lejos de la presión de los estudios tradicionales. El disco supuso un paso más en la evolución de Incubus, alejándose definitivamente del nu metal y explorando un sonido más amplio y melódico, donde conviven pasajes de rock alternativo, hard rock, soft rock y elementos experimentales.

Temas como “Wish You Were Here”, “Nice to Know You”, “Warning” y “Are You In?” fueron lanzados como sencillos, logrando gran impacto en radio y MTV, y consolidando al grupo como uno de los más exitosos de la escena alternativa de inicios de los 2000. El álbum alcanzó el puesto nº2 en el Billboard 200, fue certificado doble platino en Estados Unidos y se convirtió en el mayor éxito comercial de la banda. Este álbum fue también el último en contar con Dirk Lance (Alex Katunich) al bajo, quien abandonó la formación en 2003.

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Diabolus in Musica es el primer álbum de la banda que se tocó principalmente en afinación C♯ y recibió su nombre de un intervalo musical conocido por su disonancia, en concreto el tritono, del que ya en el siglo XVIII se decía que el «mi contra fa» era «Satanás en la música». Las letras de este disco exploran temas que hablan de religión, sexo, desviación cultural, muerte, locura, guerra y homicidio. Se grabó en Ocean Way y está producido por Rick Rubin.

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