El disco fue producido por Carlos Raya y se aleja de la temática del cancionero popular para centrarse en letras personales inspiradas en el barrio de San Pedro y San Felices en Burgos.

El álbum consta de 13 canciones y cuenta con las colaboraciones de Leiva en el tema Subiendo como el Chava Jiménez y de Repion en No te necesito para ser feliz.

La edición física se ha lanzado en formato CD y en vinilo de 12 pulgadas en diversas variantes de color.

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El disco fue compuesto por los miembros de la formación, que incluye a músicos provenientes de bandas como El Páramo o Personas: Carlos Jiménez (bajo), Santiago Núñez (batería), Manuel Gavancha (guitarra) y Javier Luengo.

Entre sus ocho cortes destacan piezas como “Lance Armstrong” o “1992”, donde el grupo disecciona con ironía la cultura popular y la idiosincrasia española. El diseño de la portada corrió a cargo de Jorge García de Ból! Estudio que da esta materia prima para que Sergio Albert complete el artwork del disco.

El disco grabado por Enrique Borrajeros recibió una calurosa acogida por parte de la crítica especializada por su frescura e irreverencia.

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Grabado entre marzo de 1993 y octubre de 1995 en once estudios del área de Los Ángeles entre los que destacan: Total Access, Record Plant, NRG o Rumbo Recorders. Producido por Matthew Wilder, el álbum destila el sonido más característico del grupo: una mezcla explosiva de ska punk, pop rock y new wave que sirvió como puerta de entrada al llamado “ska revival” de mediados de los noventa.

Con Gwen Stefani al frente, No Doubt logró un equilibrio perfecto entre la energía del punk y la sensibilidad melódica del pop. Tragic Kingdom incluye siete singles lanzados entre 1995 y 1998, entre ellos algunos de los mayores éxitos del grupo: Just a Girl, Spiderwebs o la balada Don’t Speak, que alcanzó el número uno en más de veinte países, convirtiéndose en una de las canciones más emblemáticas de la década.

El álbum recibió críticas muy positivas y se convirtió en un fenómeno global, alcanzando el número 1 en el Billboard 200 y liderando también las listas de Canadá y Nueva Zelanda. Fue nominado a dos premios Grammy (Mejor Álbum de Rock y Mejor Artista Nuevo) y ha superado los 16 millones de copias vendidas en todo el mundo, con certificaciones Diamante en EE. UU. y Canadá.

Más allá de su éxito comercial, Tragic Kingdom consolidó a No Doubt como una banda capaz de romper etiquetas y conectar con públicos muy distintos.

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Este álbum surgió en un momento crítico: tras el fracaso comercial de su debut homónimo en 1992, Interscope Records perdió la fe en ellos y les negó recursos para grabar nuevo material. Decididos a no detenerse, No Doubt se autofinanció, grabando y produciendo el álbum por su cuenta y completandolo en sesiones rápidas en estudios como Clear Lake Audio, Total Access Recording y York Street Studios.

Con un sonido más crudo, enérgico y cercano al punk y ska, The Beacon Street Collection sirvió de puente entre el optimismo colorido de su debut y el éxito masivo que alcanzaría el grupo meses después con Tragic Kingdom (1995). Los sencillos “Squeal” y “Doghouse”, ambos escritos por Eric Stefani, se publicaron inicialmente en vinilos de 7” y reflejaron esa nueva independencia creativa.

El disco vendió más de 100.000 copias, triplicando las cifras de su primer trabajo, y su éxito convenció a Interscope de financiar el siguiente paso de la banda. Tras el fenómeno mundial de Tragic Kingdom, este álbum se reeditó en 1997 dentro de su catálogo oficial.

Críticamente, fue recibido con comentarios positivos: AllMusic lo describió como “más fino que el debut” y con un sonido más auténtico, mientras que Entertainment Weekly lo calificó como “más enfocado que Tragic Kingdom”, destacando la energía ska y la voz de Gwen Stefani en plena efervescencia. Con el tiempo, The Beacon Street Collection se convirtió en un testimonio de resistencia artística: un disco que documenta cómo No Doubt se reinventó y forjó el camino hacia la consagración internacional.

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El álbum cuenta con nombres como R.E.M., Nick Cave and the Bad Seeds, Pixies, Lloyd Cole, John Cale, Ian McCulloch, Robert Forster o The House of Love, entre otros. Cada artista aporta su visión sobre el universo Cohen, desde la fidelidad emocional hasta la deconstrucción más libre.

En ese sentido, destaca especialmente la versión de “Tower of Song” firmada por Nick Cave: un collage editado a partir de una jam de más de una hora, transformado en una interpretación radical y casi experimental. I’m Your Fan no es un simple disco de versiones: es un retrato colectivo del respeto (y también la libertad creativa) que el universo de Leonard Cohen ha generado entre músicos de distintas escenas y estilos. Folk, indie rock, post-punk o art pop se dan la mano para rendir homenaje a una obra inagotable.

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El hijo importado favorito de Australia, publicó en 2005 A Weekend At The Greek, este set de 2 DVD que incluye un DVD con un concierto grabado en el Greek de Berkeley y un segundo DVD grabado en Japón. La parte más documental está dirigida por Brendan Malloy y Emmett Malloy.

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Grabado en su propio estudio es producido por Youth, Emili Bosch y Santi García con Jordi Mora como técnico de mezclas. Cuenta con las colaboraciones de Gorka Urbizu en Passar pantalla y de Amaral en Teletecho.

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El disco es una reinterpretación acústica del anterior álbum homónimo de la banda publicado en 2022. Como suele ser habitual en los discos del grupo todas las letras están escritas por Cedric Bixler-Zavala y toda la música está compuesta por Omar Rodríguez-López.

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El disco cuenta con los músicos invitados Adrià Bauzo, Aleix Tobías, Miquel Feliu, Marc Clos, Diego Galaz y Rober Del Pyro con Victor Rutty que cantan en el tema Los Locos Son Ellos. La portada es obra de Riki Blanco & Jabi Medina y es su primer disco de estudio en el que en el nombre del grupo aparece escrito con el acrónimo La M.O.D.A.

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La elección de este entorno buscaba un ambiente creativo más libre y natural, con acceso directo al mar, lejos de la presión de los estudios tradicionales. El disco supuso un paso más en la evolución de Incubus, alejándose definitivamente del nu metal y explorando un sonido más amplio y melódico, donde conviven pasajes de rock alternativo, hard rock, soft rock y elementos experimentales.

Temas como “Wish You Were Here”, “Nice to Know You”, “Warning” y “Are You In?” fueron lanzados como sencillos, logrando gran impacto en radio y MTV, y consolidando al grupo como uno de los más exitosos de la escena alternativa de inicios de los 2000. El álbum alcanzó el puesto nº2 en el Billboard 200, fue certificado doble platino en Estados Unidos y se convirtió en el mayor éxito comercial de la banda. Este álbum fue también el último en contar con Dirk Lance (Alex Katunich) al bajo, quien abandonó la formación en 2003.

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Tras un largo periodo experimentando diferentes sonoridades para alejarse de lo que que había hecho hasta ahora, llegando incluso a experimentar con la música electrónica, Gorka apuesta por la belleza y la crudeza intentando llegar al corazón de la canción y desnudando a estas para dejarlas con solo la esencia necesaria para transmitir sus sentimientos y llegarnos sin maquillajes.

Para este trabajo Gorka ha estado acompañado por músicos de El Petit de Cal Eril de hecho Joan Pons, es co productor del disco y asistente en la grabación. El disco lo graba, mezcla y produce Jordi Matas en el Teatre de ca l’Eril (Guissona, Lleida, Cataluña). Participan en el disco como músicos además de Gorka: Jordi Matas, Joan Pons, Ferran Palau e Ildefons Alonso ‘Ildu’. El disco se manda a masterizar a Elysian Masters (Los Angeles, California) y se encarga de hacerlo Dave Cooley. El cuadro de la portada es de Heather Horton.

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Inicialmente iba a ser una nueva manifestación de oscura intensidad, pero Stu Mackenzie, líder de la formación, decidió que ya era momento de cambiar el rumbo y decidió virar hacia sonidos más luminosos. El resultado es un trabajo poco convencional más cercano a un disco de pop, alejado a otros de sus discos anteriores y sin duda lleno de momentos inesperados.

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El disco fue todo un éxito que hizo crecer al grupo mucho más de lo que la banda y el sello esperaban. En menos de seis meses llegó a ser disco de oro con 50.000 copias vendidas y posteriormente ha recibido hasta cuatro discos de platino. A día de hoy su cifra de ventas se acerca peligrosamente al millón de copias. El disco ha sido editado para su distribución en Europa, además de en países como Rusia, Argentina o Alemania. El diseño de la portada es obra del diseñador gráfico Jesús Antúnez, que a su vez es el batería de Dover.

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El disco cuenta con colaboraciones de Sadat X, Bronx Style Bob y Casual además de tener algunos interludios con conversaciones de Prince Paul, Sen Dog o Guru.

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El disco cuenta con la colaboración de Gabriel de La Rosa de Shinova en el tema La Isla.

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Y vaya si lo han conseguido, mezclando estilos como el desert rock, el hardcore el power pop, el punk rock o metiendo teclados y bases electrónicas si es necesario. 11 cortes componen este nuevo disco que será editado el 26 de enero de 2024 por International Death Cult y AWAL. A finales de septiembre lanzaban Man Of The Hour el primer adelanto del disco con el videoclip que compartimos abajo.

The post Frank Carter & The Rattlesnakes – Dark Rainbow first appeared on Four Skulls.

La mezcla corrió a cargo de Santi García en Ultramarinos Costa Brava y la masterización fue ejecutada por Victor García en Barcelona en septiembre de ese mismo año. A nivel técnico, el disco integra arreglos generales de Juan Blas y aportaciones específicas de Iker Toral en teclados, percusiones y guitarras.

En el plano compositivo, Fran Urias y Zuriñe Hidalgo lideran las melodías, con colaboraciones de Iker Toral en temas como Nire Bihotza y arreglos de vientos coordinados por Reparaz en piezas como Ziklikak gara. El apartado visual del CD cuenta con ilustraciones de Marta Bellvehi.

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